2024年6月16日 (日)

モーツァルト ピアノ協奏曲第27番 ケフェレック

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日本はいま、紫陽花の真っ盛り。

梅雨が大幅に遅れているけれど、草花はちゃんと咲き、実を結びます。

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故郷の神奈川県で、四季の移り変わりを各処で堪能してます。

こちらは開成町の紫陽花。

丹沢山系から箱根に至る山脈から出流る清流が町内を流れ、その恩恵で広がる豊かな田園地帯。

つくづく美しいと思い、ありがたく感じ、だれにも侵されたくないと思います。

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  モーツァルト ピアノ協奏曲第27番 変ロ長調 K595

     アンヌ・ケフェレック

   リオ・クオクマン指揮 パリ室内管弦楽団

       (2023.2.21,24 @パリ、フィルハーモニー)

われわれ日本人がみんな大好き、そしてご本人も、日本が大好きで毎年の5月に来日してくださる。
経歴も長く、とうぜんに、わたくしもそのデビュー当時から好きになり、エラートでの録音をずっと聴いてきました。

ゴールデンウイークに開催されるラ・フォル・ジュルネ、連休は都内に出ることが難しいので、これまで一度も聴くことができなかったし、それ以外のリサイタルもチケットを買いながら所用ができていけなくなったりと、なぜだか実演で一度もお目にかかることのないのがケフェレックさんです。

昨年の新しい録音で、カップリングはK466のニ短調。
どちらもケフェレックらしい、清潔で、清廉、すがすがしい感性をいまだに感じさせる素敵な演奏。
音楽の流れ、さらにはモーツァルトのこの時期の作品に則したアゴーギグが極めて自然で、思わずハッとして聴き入ってしまった。
そうナチュラルな透明感が、巨匠風にすぎることなく、あくめでも自然の発露のように聴こえるのが、いまのケフェレックの達した領域なのだろう。
K.595の2楽章などは、その自然な美しさの典型で、過度の思い入れもなく、一聴、淡々としながらも音符のひとつひとつがクリアに磨きぬかれていて、静かな水面を見守るようなそんな印象であります。
k.466の緩徐楽章も同じく。
モーツァルトの音楽と会話するかのような3楽章も、楽しくもあり、寂しくもありで、ピアノの独白がすばらしすぎる。

このケフェレックのスタイルと、今風にピリオドを少々意識したオケが、ほんとうは合わないような気もした。
もっと歌わせて、朗々としたオケでもよかったのかと。
マカオ出身の若いクオクマンは、日本にもちょくちょく来演してうるようで、現在は香港フィルの指揮者とのこと。

ケフェレックぐらいの存在になると、出てくる音源がすべて希少なものに思います。
1枚1枚、丹念に演奏し録音された至芸品でありますね。

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75年に初めて日本にやってきて、その清楚なお姿で大旋風を巻き起こした。
高校生だったわたくしも、ハートを射貫かれ、その後レコードを何枚も買った。
バッハ、スカルラッティ、リスト、ラヴェルなどがお気に入り。
もう一度、CDで集め直そうと思う。

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1948年生れ、美しく、そのまま歳を経たケフェレックさん、いつまでもステキなピアノを弾いて欲しいです。

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2024年6月 1日 (土)

プッチーニ 没後100年 ①

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とっくに盛りは過ぎましたが、藤の花。

藤の種類にもいろいろあって、南足柄の農家さんが自宅の藤の咲くお庭を解放しておられましたので見てきました。

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色とりどりのルピナスも咲いてました。

春から夏は、草花がほんとに美しく活気にあふれます。

華やかだけれども、常に陰りのあるオペラを作ったプッチーニ(1858~1924)の今年は没後100年となります。

プッチーニ大好き、ワタシより100歳先輩、そのほとんどの作品を観て聴いてきました。

海外では、さまざまな上演が行われ、ネットを通じて最新のプッチーニ演奏を聴くことができてます。

今回は、2024年以降聴いたプッチーニの上演をまとめてみます。
正規の音盤ではありませんで、上演即座に聴けるネット配信からです。

100年の命日は11月29日ですので、それまでまたいろんな上演を視聴する可能性がありますので、①とさせていただきます。
作品の作曲年代順に並べました。

①「トスカ」 バイエルン国立歌劇場

  アンドレア・バッティスティオーニ 指揮

  コルネル・ムンドルツォ 演出

      トスカ:エレオノーラ・ブラート
  カヴァラドッシ:チャールズ・カストロノヴォ
  スカルピア:ルトヴィック・デジエ

       (2024.5.20 @バイエルン・シュターツオパー)

上演されたばかりの演奏を聴きました。
お馴染みのバッティスティオーニは、バイエルンでは2度目のトスカのようですが、今回の新演出の指揮では、演出のあおりを受けたのか、ブーイング浴びてました。
聴いていて、煽るよな大げさな節まわしがあり、もしやすると演出に則したのかな?などと推測。
ハンガリーの演出家ムンドルツォの舞台が批判を浴びてる。
トスカの時代背景は、イタリア北部のマレンゴで、ナポレオンがオーストリア軍を破って勝利したその日の出来事だ。
カヴァラドッシは勝利を叫び、スカルピアの怒りに火をくべてしまう。
 ところがムンドルツォの演出は、時を1975年に設定し、高名なパウロ・バゾリーニの亡くなった年として、カヴァラドッシを絵描きでなく、映画監督として書き換えた。
むごたらしい銃殺や、イタリアのテロ組織「赤い旅団」なども登場させているようだ。
ドイツのオペラ演出は、どこの劇場もぶっ飛んでるけれど、この強引な設定には観客も戸惑ったり、怒りを感じたようだ。
いずれ全編を見てみたいものだ。
ブラートの優しい声は、トスカの役にはちょっと酷だったかもしれないが、聴いていて美しいシーンはいくつもあった。
カストロノヴォも強い声の持ち主ではないが、明るい声は嫌いじゃない。
しかし、いちばん素晴らしいのが、デジエの知的かつ冷徹なスカルピアだった。

②「蝶々夫人」 メトロポリタンオペラ



   シャン・ジャン 指揮

  アンソニー・ミンゲラ 演出

  蝶々夫人:アスミク・グリゴリアン
  ピンカートン:ジョナサン・テテルマン
  シャープレス:ルーカス・ミーチャム
  スズキ:エリザベス・テスホン

      (2024.4.11 @メット)

メットとウィーンの蝶々さんは、ここ数年このミンゲラの演出。
コロナ禍にメト上演をストリーミングで観ている。
「日本」的なイメージを盛り込んだつもりだろうが、われわれ日本人には違和感ばかり。
スズキはちゃんと着物を着てるが、蝶々さんは、東南アジア風の衣装で違和感あり。
また子供は黒子が捜査するマペットでかわいくない。
しかし、音源なので余計なものを観なくてすむので安心。
グリゴリアンの抒情と繊細さ、くわえて余裕ある声をときに開放するときの素晴らしさ、まさにいま最高のバタフライと思う。
プッチーニテノールとして、ひっぱりだこのテテルマンののびやかな声も魅力的。
中華系アメリカ人のシャン・ジャンの指揮は悪くはないが、同じ女性指揮者なら、日本人女性指揮者で蝶々さんのエキスパートが生まれないものか。
あと演出家も日本人に任せて欲しいものだ。

③「ラ・ロンディーヌ」 メトロポリタンオペラ



    スペランツァ・スカプッチ 指揮

   ニコラ・ジョエル 演出

   マグダ:エンジェル・ブルー
   ルッジェーロ:ジョナサン・テテルマン
   リゼッテ:エミリー・ポゴレルチ

        (2024.3.26 @メット)

2008年の大晦日のプリミエの演出は、わたしもスクリーンで観てかつて記事にしてます。
ゲオルギュー、アラーニャ、オロペサの出演は、舞台も歌も100点満点だった。
以来3度目の上演チクルスのようだが、現在のアメリカを代表するプリマ、エンジェル・ブルーのタイトルロール。
ともかく、その立派な声に驚き。
しかし喉が強靭すぎるのか、この声は、マグダの役柄にしては強すぎると思った。
ゲオルギューや、かつてのアンナ・モッフォの声が相応しく、そこには儚さがあったから。
ここでもテテルマンのクセのない明るい色調の声がバツグンによい。
イタリアの女性指揮者スカプッチは、ピアニストとしてジュリアードで学び、そこで歌に合わせる勉強を積み上げ、やがて指揮者として活躍するようになり、スカラ座で女性で初めてピットに入った指揮者となったそうだ。
メットの明るい音色のオケを巧みにリードして、プッチーニのこの愛らしい、ステキな旋律にあふれたオペラを見事に作り上げていると思う。

④「ラ・ロンディーヌ」 ミラノ・スカラ座



  リッカルド・シャイー 指揮

   イリーナ・ブロック 演出

   マグダ:マリエンジェラ・シシリア
   ルッジェーロ:マッテオ・リッピ
   リゼッテ:ロザリア・シド

        (2024.4.20 @ミラノ・スカラ座)

こちらもプリミエ上演されたばかりのスカラ座プロダクション。
大御所のシャイーの指揮が注目されるが、いかんせん、まいどのことに、スカラ座を始めとするイタリアの放送局の録音は音がいつも悪い。
潤いと分離の不足で殺伐とした音なんです。
他国の放送局を見習ってほしいと、偉そうに思う自分。
せっかくのシャイーの巨匠風の恰幅豊かな指揮も、そのせいでやや印象が薄い。
youtubeの音質は悪くはない。
マグダのシシリアさんは、初聴きのリリックソプラノだけれども、イタリア語の語感の美しさを感じるステキな歌声でした。
身を引く美しさ、儚さも十分に歌いこんでいて、新人とはいえない歌手だけれど、これから聴いてみたいひとりだ。
リッピ氏も初聴きだけれど、新国でロドルフォを歌ったことがあるみたいだ。
youtubeで見ると、オッサンのみてくれだけれど、歌声は明るく、無邪気な若者の一途さがよく出てる。
ピーター・ブルックの娘、イリーナの演出は、写真やトレーラーで観る限り色彩的に華やかで、かつリアルな男女物語的なものに感じた。
音楽に少し手を入れたようで、聴き慣れないくり返しや、違う声域で歌わせたりと、その意図がわからないところがある。
ラストシーンと思わせる画面での「EXIT」から出ていく主人公が気になる。
ロンディーヌ=つばめ、また戻っていくということで、このタイトルになっているのだが、だとすると、この描き方はなんだか夢がないような気が・・・・
ともかく、いい音で全体を観劇したい。

⑤「三部作」 オランダ・オペラ



  ロレンツォ・ヴィオッテイ指揮

   バリー・コスキー 演出

 「外套」

      ミケーレ:ダニエル・ルイ・デ・ヴィンセント
  ルイージ:ジョシュア・ゲレーロ
  ジョルジェッタ:レー・ホーキンス

 「修道女アンジェリカ」

  アンジェリカ:エレナ・スキティナ
  公爵夫人:レイハン・ブライス=デイヴィス
  修道院長:ヘレナ・ラスカー
  ジェノヴィエッファ:インナ・デメンコワ

 「ジャンニ・スキッキ」

  ジャンニ・スキッキ:ダニエル・ルイス・デ・ヴィンセント
  ラウレッタ:インナ・デメンコワ
  リヌッチオ:ジョシュア・ゲレーロ 

    (2024.5.11 @オランダ劇場、アムステルダム)

ここ数年、「三部作」の上演は欧米でかなり頻度があがってます。
常習的でない演目と、ユニークで革新的な演出とで目が離せないオランダ・オペラ。
マレク・アルブレヒトから引き継いだ、ロレンツォ・ヴィオッテイ下にあっても、その流れは変わらず、ヒットを飛ばしてます。
オランダ放送のネット配信でいち早く聴きましたし、きっとDVDにもなるでしょう。
 まずは、ヴィオッテイの俊敏でありながら、歌にあふれた豊かな音楽造りがすばらしい。
マーラーの音楽にも近いと思わせる「外套」におけるオーケストレーションの見事さがわかる巧みな指揮と耳の良さ。
冷静さを保ち静謐な音楽を作りながらも、泣かせどころを外さない「アンジェリカ」。
開放的な気分に浸らせてくれる「ジャンニ」、フィレンツェと青空を感じる演奏。
劇の特質を端的に、巧みに、緻密に指揮して描き分けることのできるヴィオッテイの才能です。
 歌手も、いずれも的確ですが、スキティナの声は強すぎだし、公爵夫人はおっかなすぎ。
デメンコワは可愛い、ゲレーロは声が抜けていて実に爽快。
 コスキーの演出は、数分のトレーラーじゃまったくわけのわからない、仕掛け満載のオモシロ演出なんだろう。
悲惨な「外套」のエンディングはどうなんだろう。
「アンジェリカ」は泣かせてくれるんだろうか、はたまた肩すかしをくらわしてくれるのか?
子どもの写真を使うのは反則だよ(涙)
「ジャンニ」はコスキーのことだからきっと、予想外のオチがあるんだろうな・・・・
このプロダクションもDVD期待!

⑥「トゥーランドット」 ウィーン国立歌劇場



   マルコ・アルミリアート指揮

   クラウス・グート演出

        トゥーランドット:アスミク・グリゴリアン
   カラフ:ヨナス・カウフマン
     リュウ:クリスティナ・ムヒタリアン
   ティムール:ダン・パウル・ディミトレスク
   皇帝:イェルク・シュナイダー

                  (2023.12.13 @ウィーン)

グリゴリアンの歌と演技力があってのもの、と評されたウィーンの新演出。
白が基調で、シンプルななかに、深い心理描写を行うグートの演出。
シナでの物語の時空をあっさりと越え、異次元の世界で、トラウマに悩むトゥーランドット姫を描いてみせたようだ。
こうした狙いのある舞台は、音楽だけではまったく想像も及ばないし、そした意図での歌唱であることを意識して聴かねばなるまい。
トゥーランドットというと、禍々しい、西洋人の思う中華演出で辟易とさせられる演出ばかり。
そうでないこちらも、やはりDVDで味わいたい。
 トゥーランドットを歌うにはグリゴリアンの声はさほどにドラマチックではない。
この演出に則した、細やかなで考え抜かれた歌唱に感じた。
強さや強引さはまったくなく、揺れ動く心情を持つ女性と感じる。
彼女の歌うサロメに同じくである。
 一方のカウフマンは、わたしにはきつかった。
前にも書いたが、このバリトンテノールともいえる歌手の声に、曇天のような救いのない重・暗さを私は感じるのだ。
ワーグナーはいいが、イタリアものはどうも・・・・
 ムヒタリアンのリューの可愛さはみっけもん。
アルミリアートの振れば振るほど熱くなるオケ。
ウィーンとの相性も長い共演歴で鉄壁のものになってると思った。
へたなコンサート指揮者をもってくるより、いちばん、もっとも安全で、熱くやってくれる指揮者だと思うぞ。

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驚くほどに日の経つのが早い。

色とりどりの、春と初夏の花々はあっと言う間に盛りを終えて、もうつぎは紫陽花の季節だ。

いなやことばかりの毎日だけど、自然の移り変わりはしっかり感じて暮らしたいもの。

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2024年5月26日 (日)

ブリテン 「春の交響曲」 ラトル指揮

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季節は春が過ぎ、初夏の趣きですが、こちらは5月のはじめの富士とネモフィラ。

いつも行く秦野の街から。

雪もまだ充分残ってますが、いまはもうだいぶ溶けてます。
このときも、静岡側はかなり融雪が進んでいたようです。

梅雨と初夏を迎えようとするいま、大慌てで「春の交響曲」を聴きました。

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  ブリテン 「春の交響曲」op.44

    S:エリザベス・ワッツ

    Ms:アリス・クーテ

    T:アラン・クレイトン

 サー・サイモン・ラトル指揮 ロンドン交響楽団
               ロンドン交響合唱団
              ティフィン少年少女合唱団

    合唱指揮:サイモン・ハルシー
         ジェイムス・デイ

      (2018.9.16,18 @バービカンホール、ロンドン)

「ピーター・グライムズ」のアメリカでの上演を機に、クーセヴィツキーと親交を深めていたブリテン。
1946年、そのクーセヴィッキーの委嘱により、規模の大きな合唱とオーケストラ作品を、ということになり、構想を練ることとなった。
しかし、なかなか筆が進まず、ブリテンは精神的・肉体的に疲れていると吐露していたらしい。
構想も整い、1948年に作曲は軌道にのり、1949年春に完成。
ブリテン36歳。
同年7月に、アムステルダムで初演された。
ベイヌムの指揮、コンセルトヘボウのオーケストラに、ヴィンセント、フェリアー、ピアーズの3歌手によるものだった。
ボストンでなかったこと、コンセルトヘボウでは録音も現在に至るまでなされておらず、もっぱらロンドンのオケばかりの録音になっているところが面白い。

この作品が好きで、これまで、ガーディナーとプレヴィンの演奏を取り上げてます。
演奏会でもなかなか取り上げられませんが、もう25年も前の5月に、ヒコックスの指揮で実演に接しております。
久しぶりにあらわれたラトル卿の音盤を手に、この5月は歓喜に浸っております。
以下、以前の記事に少し手を加えて再掲します。

ソプラノ・アルト・テノールの独唱と少年合唱・合唱をともなった大規模な全4部12曲からなる合唱付き交響曲。
同時代の作曲家と違い、交響曲作家ではなかったブリテンならではの作品。

「冬から春への移りかわりと、それが意味する大地と命の目覚め」について書いたとしていて、サフォーク州の春の劇的な訪れにインスピレーションを得ている。
季節の移ろいと、その力強さ、その1年の流れを人生にもなぞらえて、聴く私たちに伝えてくれる素敵な音楽。
イギリスの春は、日本のようにゆるやかに、まったりとやってくるのでなく、劇的に訪れる。
春は、「地球と生命の目覚め」でもあるという。

16~18世紀の英国詩人12人の作品と、ウィリアム・ブレイクや友人でもあったウィスタン・ヒュー・オーデンの同時代の詩を巧みに組み合わせたテクスト。
ちなみに、ブリテンはオーデンの詩に多くの歌曲を作曲しており、CDもいくつか持ってますのでいずれ取り上げたいと思います。

    ーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーー

①太陽への憧れを歌う冒頭から、小鳥やカッコウの声が聴かれる場面、少年合唱は軽やかに口笛を吹き、楽しい第1部。

②終戦を迎えたのも春。反戦の感情も込めしみじみとした第2部。

③スケルツォであり牧歌的・リズミカルな第3部。

④そして歓喜が爆発する、第4部フィナーレ。ここでは、ロンドンの街と英国への晴れやかな賛歌が歌われる。さらに中世イギリスのカノン「夏はきたりぬ」が少年合唱が高らかに歌い始める。
 感動にあふれるシーンで、心が解放され春から夏を寿ぐ気持ちにあふれる。

  「夏がきた、かっこうは鳴き、花は開き、木々は緑・・・・・・」

この合唱もフェイドアウトして行き、テノール独唱が「このあたりにしておこう」と口上を述べ、いきなり舞台から引くかのように唐突なトゥッテイで曲は終わる。

   ーーーーーーーーーーーーーーーーーー

ラトルの歯切れのいい演奏は、この作品の持つ明快さにぴたりときます。
前半のミステリアスな雰囲気から、最後の爆発まで、その段階的な盛り上がりも緻密に練り上げられていて、オーケストラの優秀さも手伝って実に精度の高い演奏だと思います。
唯一の不満は、プレヴィンが聞かせたような微笑み、というかにこやかさかな。

現在のイギリスを代表する3人の歌手も素晴らしく、クーテの深みのあるメゾがとくに素敵だった。

このCDのよさはもうひとつ、カップリングの豪華さにもあります。
「春の交響曲」をメインに、それを「シンフォニア・ダ・レクイエム」と「青少年のためのオーケストラガイド」の名作2品で挟んでいます。
どれもその作品の決定的な名演となってます。
ラトルを初めて聴いた1985年、フィルハーモニア管との来日で青少年を聴いてます。
レクイエムは、バーミンガムとの来日で聴けなかったのですが、NHKで放送されたラトルのこの楽譜のオリジナル探しの熱心さ、思い入れのある作品なんだなと、その緊張感の高さからよくわかります。

ラトルは、戦争レクイエムは指揮しますが、オペラを指揮しません。
そして、ベルリンよりロンドン響とのコンビは最高だったと思います。
バイエルン放送響とも相性の良さを感じますが、ロンドンとの別れはもったいなかったな、と。

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(再掲)よい時代だったなぁ~無理して全部行けばよかったなぁ~

1999年5月、東京ではまったく同時期にこんな演奏会が行われた。

 ①ヒコックスと新日本フィル  エルガー「序奏とアレグロ」
                 デーリアス「ブリッグの定期市」
                 ブリテン「春の交響曲」

 ②ヒコックスと新日本フィル  ラヴェル「マ・メール・ロワ」
                 カントルーヴ「オーヴェルニュの歌」
                 V・ウィリアムズ 交響曲第5番

 ③プレヴィンとN響       ベートーヴェン 交響曲第4番
                 ブリテン「春の交響曲」

 ④プレヴィンとN響       プレヴィン「ハニー&ルー」
                                                                「ヴォカリーズ」

                  V・ウィリアムズ 交響曲第5番

私は悩んだ末に、①と④を選択しコンサートに出かけた。

まさに、その時、東京の5月は「春から夏」への一番美しい季節の真っ盛りであった。

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2024年5月14日 (火)

東京交響楽団 定期演奏会 ジョナサン・ノット指揮

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青く、めちゃくちゃ天気のよかった土曜日。

ミューザ川崎での東京交響楽団の演奏会に行ってきました。

ラゾーナ側から回り込んだので、ちょっと違うアングルのミューザ川崎です。

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  武満 徹   「鳥は星形の庭に降りる」(1977)

  ベルク   演奏会用アリア「ワイン」(1929)

             S:高橋 絵理

  マーラー   交響曲「大地の歌」 (1908)

    Ms:ドロティア・ラング

    T :ベンヤミン・ブルンス

  ジョナサン・ノット指揮 東京交響楽団

    (2024.5.11  @ミューザ川崎シンフォニーホール)

2014年の音楽監督就任以来、当初より取り上げてきたこのコンビのマーラーの最終章。
大地の歌をもって、すべて取り上げたことになるそうです。
あと2年の任期がありますが、ずっと続いて欲しいというファンの思いもありつつ、こうしてひとつの節目とも呼ぶべき憂愁あふれるプログラムを体験すると、残りの任期をいとおしむことも、またありかな。
そんな思いに包まれた感動的なコンサートだった。

プログラムの選定のうまさは、知的な遊び心以上に、われわれ愛好家の心くすぐる演目ばかりであることからうかがえることばかりでした。
都内の保守的な聴き手の多いオケや、入りを気にしなくてはならない地方オケでは、絶対に出来ない演目ばかり並ぶノットのこれまでの演奏会。

今回は、時代をさかのぼる順番で、マーラーに端を発する音楽の流れを体感させてくれました。
もっとさかのぼると、トリスタンとパルジファルがあって、マーラーときて、新ウィーン楽派・ベルクときて、ドビュッシーにして武満です。
マーラーは終着ではなくて、通過点であり、その先の音楽の豊穣があることを確信させるような演奏、「Ewig・・・ewig」繰り返される「永遠に」の言葉が今宵ほど美しく、この先が明るく感じられる演奏はなかった・・・・

①「鳥は星形の庭に降りる」

 調べたら手持ち音源は、小澤、岩城、尾高と武満音楽を得意とする日本人指揮者の音盤をいずれも持っていた。
さらに記憶をたどると、岩城宏之指揮するN響のライブも聴いていた。
いずれも遠い彼方にある音楽だったが、今宵はドビュッシーとベルクの延長線上にもある武満音楽を我ながらすごい集中力で持って聴くことができた。
武満作品は、演奏会の冒頭に置かれることが多いので、どうしても後々の印象が薄くなったり、演奏に入りきれないまま終わってしまうケースが多いと思う。
今回は事前に、この日のプログラムを演奏順にCDで予習してきたので、後半に明らかにベルクを思わせるシーンを捉えていたので、まんじりとせず、耳をそばだてながら聴いた。
静謐さのなかに、鳥の舞い降りるイメージや音がホールの空間に溶けていってしまう様子など、ノットの共感に満ちた指揮ぶりを見ながら、音楽を感じ取ることができました。

②「ワイン」

 名品「初期の7つの歌」のオーケストラ編曲をした翌年、「ワイン」は「ルル」を書き始める前に書かれたコンサート・アリア。
3つの部分でなっていたり、シンメトリーが形成されていたり、イニシャルと音階への意味づけ、ダ・カーポ形式といういわば古い酒袋に十二音技法を詰め込んだような、そんなベルクらしいところが満載な音楽なんです。
アバドのCDと、ベームのライブなどを何度も聴いて、その芳醇な音楽とルルを思わせるシーンがいくつもあることなどで、大いに楽しみだった。
まず、ソプラノの高橋さんのぶれの一切ない強いストレートな声に驚いた。
リリックソプラノを想定したアリアだけれど、私の席に届いた声はもっと強靭にも感じた一方、タンゴの部分でのしゃれっ気ある身のこなし、軽やかな歌いこなしなど、表現の幅も広く、感心しながらも楽しみつつ拝聴。
ノットの指揮するオーケストラも、ベルクのロマン性と先進性をともに表出していて、ベルク好きの私を陶然とさせていただきました。

③「大地の歌」

 コンサートチラシにある言葉「人生此処にあり」
この言葉が意味するごとく、「生は暗く、死もまた暗し」・・・ではなくって、人生いろいろ、清も濁もみんなあり、みんな受け入れようじゃないか・・・そんな風に感じた、スマートかつスタイリッシュな「大地の歌」だったように思います。
ご一緒した音楽仲間がタイムを計測してまして、60分を切るトータルタイムだったと証言してます。
早い部類に属するかと思いますが、聴いてて絶対にそんな風に感じさせない個々のシーンの充実ぶりと、気持ちのこもった濃密さ。
概して明るめの基調だったわけですが、歌手の選択にもそれはいえて、ふたりの声の声質は明るめでした。

 テノールのブルンスは、出てきたときからどこかで見たお顔とずっと思い聴いてた。
帰って調べたら、バイロイトのティーレマン指揮のオランダ人(グルーガーの変な演出)のときに舵手を歌っていた人だった。
さらにみたら、バッハコレギウムでエヴァンゲリストも歌ってました。
だから声はリリカルで柔らかくもあり、強いテノールでもないが、張りのある声と言語の明瞭さが決してその声を軽く印象付けることがなかった。
聴いた瞬間に、タミーノを歌う歌手だなとおもったら、やはり重要なレパートリーのひとつだった。
3つの楽章、みんな明瞭かつ清々しい歌唱だったが、「春に酔った者たち」がマーラーの音楽と詩の内容とが巧みにクロスするさまも交えて、とても印象的だった。
ヒロイックでないところがいちばん!

 メゾのドロティア・ラングは、名前からするとドイツ系と思われたがハンガリー系とのこと。
Dorottya Láng = わからないけれど、ハンガリー風に呼ぶならば、ドロッテッヤ・ラーンクみないた感じじゃないかしら、しらんけど。
身振り手振りも豊かに、音楽と詩への共感とのめり込み具合が見て取れる。
オペラでの経験も豊富で、オクタヴィアンと青髭のユーディットなども持ち役で、ドラマチックな歌唱も得意とするところから、この大地の歌も表現の幅がとても広く、ビブラートのないこちらもストレートで透明感ある声と思った。
「告別」での感情移入はなみなみのものでなく、わずかに涙を湛えているかのように見えました。
それでも表現が過度にならないところは、ノットの指揮にも準じたところで、客観性もともないながら、音楽の持つある意味、天国的な彼岸の世界を明るく捉えていたのではないかと思う。
東響の素晴らしすぎる木管群に誘われ、ラングの歌は、どんどん清涼感と透明感を感じるようになり、聴くワタクシも知らずしらず、歩調をともにして、マーラーの音楽と呼吸が合うようになり、いつしか涙さえ流れてました・・・・
こんなに自然に音楽が自分に入り込んできて、気持ちが一体化してしまうなんて。
彼女のナチュラルな歌唱、ノットと東響のお互いを知り尽くした自然な音楽造りのなさせる技でありましょうか。
「永遠に・・・・」のあと、音楽が消えても静寂はずっとずっと続きました。

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アフターコンサートは久方ぶりに、気の置けないみなさまと一献

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コンサートの感動でほてった身体に、冷たいビールが染み入りました。

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つくね、ハイボールもどこまでも美味しかった。

この土曜日は首都圏のオーケストラでは、同時間にいくつもの魅力的な演奏会が行われました。

それぞれに、素晴らしかったとのコメントも諸所拝見しました。

こうして音楽を平和に楽しめること、そんな日本であること、いつまでも続きますことを切に願います。

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2024年5月 3日 (金)

プロコフィエフ 「3つのオレンジの恋」 

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桜が終盤の秦野の出雲大社相模分祠。

秦野は近いし、商業施設も豊富なので、週に1~2回は行きます。

歴史ある施設も多く、行くたびにいろんな発見があります。

毎年の節分には、大相撲の力士も訪れ、豆まきをしますが、今年は近くの地元の熱海富士が来ました。

こんな日本の風物を、短期間ですが日本滞在したプロコフィエフはどの程度味わったでしょうか。

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プロコフィエフ(1891~1953)の作品シリーズ。

略年代作品記(再褐)

①ロシア時代(1891~1918) 27歳まで
  ピアノ協奏曲第1番、第2番 ヴァイオリン協奏曲第1番 古典交響曲
  歌劇「マッダレーナ」「賭博者」など

②亡命 日本(1918)数か月の滞在でピアニストとしての活躍 
  しかし日本の音楽が脳裏に刻まれた

③亡命 アメリカ(1918~1922) 31歳まで
  ピアノ協奏曲第3番 バレエ「道化師」 歌劇「3つのオレンジへの恋」

④ドイツ・パリ(1923~1933) 42歳まで
  ピアノ協奏曲第4番、第5番、交響曲第2~4番、歌劇「炎の天使」
  バレエ数作

⑤祖国復帰 ソ連(1923~1953) 62歳没
  ヴァイオリン協奏曲第2番、交響曲第5~7番、ピアノソナタ多数
  歌劇「セミョン・カトコ」「修道院での婚約」「戦争と平和」
 「真実の男の物語」 バレエ「ロメオとジュリエット」「シンデレラ」
 「石の花」「アレクサンドルネフスキー」「イワン雷帝」などなど

年代順にプロコフィエフの音楽を聴いていこうという遠大なシリーズ。

  プロコフィエフ 歌劇「3つのオレンジへの恋」op.33

1916年の「賭博者」につぐ、残されたプロコフィエフ3番目のオペラ。
「古典交響曲」を経てピアニストとしても絶頂にあったプロコフィエフ、3番目のピアノ協奏曲を手掛けた。
最初は喜んで迎えた革命も、もしかすると音楽家としてこの先、ロシアではうまくやっていけないのではないかと不安になり、アメリカに発つ。
1918年5月に出発、夏までのアメリカ航路がないため、3か月間日本に滞在し、東京や横浜でピアノコンサートを行ったのはご存知のとおり。
プロコフィエフの作曲活動のなかでは、「放浪記」などと呼ばれもしますが、この間に得たいろんな体験は、さまざまな作品のなかに刻まれてます。

このオペラの原作は、1720年ヴェネツィア生まれの劇作家カルロ・ゴッツィの同名の作品。
ゴッツィは仮面劇のコメディア・デッラルテの作者で、寓話的な作品が多い。
かの「トゥーランドット」もこの人の作だし、ワーグナーの処女作「妖精」もゴッツィの「蛇女」という作品がベース。
しらべたら、ヘンツェもゴッツィ作をオペラ化してたりする。

皮肉やユーモア、風刺に満ちたゴンツィの作風をロシアの見せかけ的な自然主義に満ちた演劇界に対する反論として、演劇雑誌を出版していた劇作家のメイエルホリド。
プロコフィエフは、このメイエルホリドとも親交があったので、「3つのオレンジへの恋」を特集したその雑誌をアメリカへの渡航にも持参していた。
ロシア語訳されたものを、プロコフィエフ自身がフランス語で台本をしたためていた。
渡米後、シカゴでの演奏会が成功し、同時にシカゴ・オペラから新作を委嘱され、ちょうどよろしく、この作品であてがうこととなった。
1921年に完成、依頼主のシカゴオペラの代表の死などがあり、初演がやや遅れたものの同年暮れに初演された。

プロコフィエフのオペラによくあるように、登場人物が多くて主役級はいるものの、全貌の把握が難解で、音源だけでは理解が完全には及ばないと思う。
「魔法をかけられた王子が魔術師の宮殿に導かれ、3つのオレンジを盗み、そのうちのひとつから出てきた女性と恋に落ちて花嫁として迎える」
こんなたやもないお伽話。
「行進曲」ばかりが有名だけど、確かにこの行進曲が鳴り響くと快感を覚えるほどにはまりますが、そればかりでない、この時期のプロコフィエフ節が随所に炸裂。
全4幕、1時間50分ほどのちょうどよい短さ。
深刻さゼロで気軽に聴ける音楽ではありますが、古典への傾きとともに、野心的なモダニズム、高揚感もたらすリズム、クールなニヒリズムなど、まさにプロコフィエフならではです。

おとぎの世界だから変な連中ばかり出てくる。

  架空の王国の支配者♣の王  バス
  その王子           テノール
  王女 王の姪         メゾソプラノ
  首相レアンドレ        バリトン
  トルファルディーノ 道化   テノール
  パンタロン 王の顧問     バリトン
  チェリオ 魔術師の王の守護者 バス
  ファタモルガーナ 魔女    ソプラノ
  リネッタ オレンジ1号   コントラルト
  ニコレット オレンジ2号  メゾソプラノ
  リネット  オレンジ3号   ソプラノ
  スメラルディーナ 黒人奴隷  メゾソプラノ
  ファルファレロ 悪魔    ジェームズ・ウルフ
  クレオンテ 巨大な調理人  バス
  司会者           バス
  悲劇、喜劇、抒情劇、茶番劇のそれぞれ擁護者
  悪魔、廷臣、大酒飲み、大食い、怪物、兵士・・・・たくさん

こんな訳のわからん連中がうじゃうじゃ出てきて、まくしたてたり、わらったり、嘲笑したり、泣き叫んだりを大げさにしますよ。
舞台映像も数種観たけれど、かぶりもの、コスプレ、考え抜かれ凝りにこった装置など、見た目も楽しい、なにもそこまで的な愉快なものばかり。
しかし、劇も音楽も面白いけど、内容の深みは少なく浅薄に感じるんだよな~
前のオペラ「賭博者」はドストエフスキーの描いた人間のサガや、ロシア人の留まることをしらない没頭ぶりと、冷淡さを音楽でも見事に表現しつくしていた。
このあとに来る「炎の天使」の狂気すれすれの緊張感ともまた違う。

のちにプロコフィエフが語ったこと、「私が試みた唯一のことは、面白いオペラを書くことでした」。
まさに、この言葉につきます。
素直にこのドタバタ劇の奇想天外なストーリーを楽しみ、そこに軽やかまでに乗ったプロコフィエフの洒脱な音楽を楽しむに尽きるのであります。

物語りや人物たちに、いろんな比喩や風刺の意味合いを読み解くこともアリだとは思うけれど、私はそこまでのことをして、この愉快なオペラをひねくり回したくはない。
むしろ、ドネツクで生まれたウクライナのプロコフィエフという側面で、かつては
ロシア帝国の人だった彼が、ロシア革命を嫌い出て行った、そのプロコフィエフがこんな軽い仮面劇をベースにしたオペラを書いた。
アメリカに行けた解放感もあったであろう。
また思えば、ウクライナはロシア帝国の一部であり、音楽はチャイコフスキーもプロコフィエフも両国が同根であることを忘れてはいけないと思う。

ややこしいそのあらすじ

プロローグ

悲劇、喜劇、抒情劇、それぞれの役者たちがどんな劇をみたいのか争うが、おかしな人々も加わり、「3つのオレンジへの恋」を主張する。
伝令が登場し、クラブの王の息子の王子がうつ病になったと告げる。

第1幕
 
医者は王子が治る見込みはないと報告、絶望の王は、笑いによる奇跡の力を思い起こす。
顧問パンタロンは、道化師のトルファルディーノに助けを求め宮廷で余興大会を開催することとする。
王の座をねらう首相レアンドロは、これに反対

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王派の魔術師チェリオと首相派の魔女モルガーナがトランプ対決を行うが、チェリオは負けてしまう。
王の姪は、首相に王位をあたえ結婚しようとたくらむ、そのためには王子の病状を悪化させようと薬を盛るか、銃弾でやるかを首相にせまる。
これを聞いてしまった召使のスメラルディーナは、ふたりに捕まってしまうが、かわりにチェリオが後ろについてることと、モルガーナが助けてくれるだろうと進言し仲間になる。

第2幕

道化トルファルディーノがいくら頑張って笑わそうとしても王子は無反応。
王子を無理やり宮廷の広間に引き出す。
そこで始まる「行進曲」、さまざまな連中が入場してくる。

ばかげたダンスや出し物が演じられたにもかかわらず、王子は無反応で見事に失敗。
しかし、そこへ魔女のファタモルガーナが登場し、自分がいる限りは王子には笑いはないよ、と宣言。
トルファルディーノが警戒し、彼女が王子に近づくのを阻止しようと突き飛ばすと、派手にひっくり返ってしまう。
それを見た王子は笑い出してしまい、止まらない。

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怒ったファタモルガーナは、王子に対し「3つのオレンジに恋をせよ!」と呪いをかけてしまう。
王子は、クレオントの城にむけて、トルファルディーノを引き連れて出立する。

第3幕

魔法使いチェリオは、悪魔ファルファレロを呼び出し争うが、すでにトランプで魔女に負けているので敵わない。
そこへ王子とトルファルディーノがあらわれ、チェリオは、これから向かうクレオントの城では3つのオレンジを守っている料理女に気を付けろ、と魔法のリボンを渡す。
さらに、水のあるところでなければ、オレンジの皮をむいてはいけないと警告。

城に到着した二人は、不安で一杯。
そこへ大きな料理人がひしゃくを持って出てきて、行く手を阻止する。
トルファルディーノが魔法のリボンをみせると、料理人はリボンを気に入ってしまい、そのすきに王子は3つのオレンジを持って逃げる。

砂漠へ逃げた王子、オレンジたちはどんどん大きくなるが、疲れ切った王子は寝てしまう。
ぜんぜん起きてくれない王子の横で、喉が渇いたトルファルディーノはオレンジのひとつの皮をむいてしまう。
すると中から王女リネットがあらわれるが、彼女は飲み物を求める。
トルファルディーノは、ふたつめのオレンジの皮をむくが、その間リネットは死んでしまう。

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2つ目のオレンジからは、王女ニコレットがあらわれるが、彼女も飲み物を求めやがて死んでしまう。
困惑したトルファルディーノは逃げてしまう。
やがて眼をさました王子は王女の死を悲しみ、通りかかった兵士たちに、亡くなったふたりの王女の埋葬を依頼し、3つ目のオレンジに手をかける。
すると今度は違う王女、ニネットがあわられる。
彼女は愛を告白し、ふたりは恋に落ちるが、またしても喉の渇きを訴えるものの、そこへプロローグで出てきた「おかしい人々」が水を持ってきて、彼女は救われる。
王子は、ニネットを連れて宮廷に戻ろうとするが、こんな格好ではいけないわと言うので、立派な服を持ってくるよと言い残して去る。
そこへ召使のスメラルディーナとファタモルガーナが出てきて、リネットに魔法のピンを刺してしまう。
すると彼女はネズミに変ってしまう。
行進曲が聴こえ、王子が王様ご一行を連れて戻ってくると、スメラルディーナが自分が王女ですと名乗り出る。
王子はこんなの違うと言い張りますが、王は結婚を命じてしまし、首相と王の姪はほくそ笑む。

第4幕

チェリオとファタモルガーナがまたもや口論をして争うが、ここでまた「おかしい人々」が出てきて、ファタモルガーナを突き飛ばしてやっつけてしまう。

宮廷では王子の結婚式の準備が進んでいるが、王女の席にはネズミがいる。
チェリオが魔法を解いてあげると、そこには王女リネットが戻ってくる。
今回の謀反に気が付いた王は、3人の首謀者の処刑を命じる。
しょっぴかれる3人であるが、そこへファタモルガーナが出現し、3人を連れて姿を消す。

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国王と廷臣たちは、大いに喜び、王子と王女を新婚夫婦として祝福します。

          

荒唐無稽のありえへん物語ですな。
この寓話に、なにを見るか、なにが風刺されているかを考えたり、読み解くことはできるだろうか。
それは難解で、極めて無理難題なこじつけをするしかない。
音楽だけを聴くならば、プロコフィエフのナイスな音楽、ユーモアにあふれた音楽、行進曲など感覚を刺激する音楽を楽しむにつきる。
そして舞台映像としてはいくつかあるが、最新の技術で克服されたユニークで巨大な舞台装置や、登場人物たちの奇想天外な衣装や化粧などを、なにも考えずに観て楽しむにつきます。

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  架空の王国の支配者♣の王  ガブリエル・バキエ
  その王子           ジャン=リュク・ヴィアラ
  王女 王の姪         エレーヌ・ペラギャン
  首相レアンドレ        ヴァンサン・ル・テキシエ
  トルファルディーノ 道化   ジョルジュ・ゴーティエ
  パンタロン 王の顧問     ディディエール・アンリ
  チェリオ 魔術師の王の守護者  グレゴリー・ラインハルト
  ファタモルガーナ 魔女     ミシェル・ラグランジュ
  リネッタ オレンジ1号    ブリギッテ・フルニエ
  ニコレット オレンジ2号   キャスリーン・デュボスク
  ニネット  オレンジ3号   コンシュエーロ・カローリ
  スメラルディーナ 黒人奴隷   ベアトリス・ユリア=モリゾン
  ファルファレロ 悪魔    ジェームズ・ウルフ
  クレオンテ 巨大な調理人  ジュール・バスタン
   ほか多数

    ケント・ナガノ指揮 リヨン国立歌劇場管弦楽団
              リヨン国立歌劇場合唱団

       (1989.3~4月 リヨン)   

唯一持ってる音源。
いつもオペラを親しむすべとして、ともかくこのCDは何度も聴きまくりました。
海外盤なのでフランス語主体のリブレットは、英語訳でも字数がやたらと多くて難解。
だから、何度も聴いてその音楽を親しむのみ。

ナガノはこうした洒脱な作品には、抜群の切れ味を示します。
多くの演者を従え、難解なオーケストラも完璧に統率。
唯一のわずかな不満は、不真面目さがないことで行儀がよすぎること、遊び心が少なめなところ。

バキエやバスタンなど、懐かしい男声歌手。
リリックな王子役、芸達者な道化役や、かわいらしいオレンジ3号など、劇場でいつも歌ってる歌手たちのまとまりの良さも特筆です。
この音源には、スタジオ収録的な映像作品もあり、ネット上で確認もしましたが、やや時代を感じさせるもので舞台も簡潔なものでした。

ゲルギエフとマリンスキー劇場が日本でも上演していて、そのときの舞台がどんなものだったか、また音源は非ロシアのものばかりですので、ロシア人による演奏も気になるところです。

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  架空の王国の支配者♣の王  マルティアル・デフォンティン
  その王子           アラン・ヴェルヌ
  王女 王の姪         ナターシャ・ペトリンスキー
  首相レアンドレ        フランソワ・ル・ルー
  トルファルディーノ 道化   セルゲイ・コモフ
  パンタロン 王の顧問     マルセル・ブーネ
  チェリオ 魔術師の王の守護者  ウィラード・ホワイト
  ファタモルガーナ 魔女     アンナ・シャフジンスカヤ
  リネッタ オレンジ1号    シルヴィア・ゲヴォルキアン
  ニコレット オレンジ2号   アガリ・デ・プレーレ
  ニネット  オレンジ3号   サンドリーヌ・ピオー
  スメラルディーナ 黒人召使   マリアンナ・クリコヴァ   
  ファルファレロ 悪魔    アレクサンドル・ヴァシリコフ
  クレオンテ 巨大な調理人  リチャード・アンガス
   ほか多数

 ステファヌ・ドゥヌーヴ指揮 ロッテルダム・フィルハーモニー管弦楽団
                ネーデルランド・オペラ合唱団

       演出:ローラン・ペリー

       (2005  アムステルダム音楽劇場) 

DVDでの鑑賞。
これは実に面白かったし、いろんなアイデア満載で、しかも笑えました。
ペリーならではのお洒落でセンスあふれる舞台と、登場人物たちの自然な所作で共感を呼ぶ描写の数々。
そして衣装や舞台装置もデフォルメされつつ超リアルで、見ていてほんとに楽しい。
それらがプロコフィエフのリアリスティックな音楽に奥行きを与え、ファンタジー感もプラスしている。

ドゥヌーヴの明快な指揮がよい。
親日家のドィヌーヴ氏は、故小澤さんのオペラにおける弟子的な存在にもなりましたが、プロコフィエフのリズミカルな局面をとてもよくつかんでオランダのオケから鮮やかなサウンドを引き出している。
荒唐無稽なオペラの進行のなかにも、しっかりとした音楽性とオペラティックな雰囲気や呼吸をよく出していると思う。
ペリーの演出では、指揮者も演者のひとりとなり、道化のトルファルディーノがピットに降りて来たりで、愉快な場面を演じてました。

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王子の正妻役となるニネット姫を若きピオーが演じていて、その声の無垢な佇まいと、この役に与えられた可愛さを短い出番ながら完璧に歌い演じてました。
ほかの諸役も特色ある役柄をそれぞれユニークな存在として歌い演じて、誰ひとり穴がなくなり切っているところが面白い。
いつまでもパジャマ姿のヴェルヌの王子役と道化のセルゲイ・コモフのやりとりも愉快。
ウォータンのような杖を持ったウィラードの貫禄と強烈な声によるチェリオ。
ナターシャ・ペトリンスキーの悪役だけど、姪役が美人でなによりだった。

通常のDVDでの視聴だったが、ブルーレイでの視聴になれてしまうと、映像の輪郭の甘さが気になってしょうがない。
こうした作品こそ、ブルーレイ化して欲しいものです。

あと、音源や映像では、ゲルギエフ、ソフィエフ、ハイティンクなどがあり、とくにグラインドボーンでのハイティンクの着ぐるみ満載の舞台をなんとか見てみたい。



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2024年4月20日 (土)

マルサリス ヴァイオリン協奏曲 ニコラ・ベネデッティ

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連日、天候がうらめしくなるほどに雨ばかりだった4月の桜シーズン。

久々の好天に桜見物に出かけました。

こちらは、秦野市。

秦野は県の中央にあって、神奈川県唯一の盆地。

寒暖差があり、名水にも恵まれ、自然豊かな里で、桜の名所が市内にたくさん。

6Kmにおよぶ「桜みち」は圧巻です。

この日は、丹沢から流れる水無川流域を散策

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季節の変わり目、人生の変わり目に、日本の桜はぴったりですが、散るのも早く哀愁も感じますね。

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  ウィントン・マルサリス ヴァイオリン協奏曲

     ニコラ・ベネデッティ

 クリスティアン・マチェラル指揮 フィラデルフィア管弦楽団

           (2017.11.2 @フィラデルフィア)

ウィントン・マルサリスといえば、ジャズのトランぺッターという認識が強く、80年代にジャズのスタンダードをあつめたアルバムを購入してよく聴いていたものだ。
そのあとは、レッパードと共演したハイドンのトランぺット協奏曲があったぐらいの記憶でした。

大好きなヴァイオリニスト、ニコラ・ベネデッティがマルサリスのヴァイオリン協奏曲を録音したので、一応全部の彼女の音盤は集めているので、すぐに購入して一度聴いてのみもう何年も過ぎてしまった。
しかし、今年の1月にBBCで、ベネデッティのヴァイオリン、ロウヴァりとフィルハーモニア管のライブを聴き、とても興奮し感銘も受けたのです。
ジャケットでは年齢を経てふくよかになったマルサリスが、かつての昔、小粋なスタンダードジャスを聴いたあのマルサリスと同一人物であることも、いまさらながらに認識。
ベネデッティのために書いたということ、マルサリスにはほかにもクラシック作品があり、交響曲などもあることもいまさらに認識。

いまいちど、CDを桜の季節に聴いてみた。
この曲は、今現在はベネデッティ(以下、親しみを込めてニッキーと呼びます)の独壇場で、ライブでの録音音源もほかに2種持ってますので、いずれも繰り返し聴いてます。

ジャズの聖地ニューオーリンズ生まれのマルサリスは、ジャズトランぺッターとしての存在を極めてのち、作曲をメインに転じました。
ジャズとクラシックの融合、当然にそのスタイルは相いれないものも多いが、それぞれの共通スタイルを見出すことを前提に作曲をしているという。
その共通項のひとつが、ヴァイオリンであり、フィドルです。
フィドルは、古くはアイルランドのケルト、スコットランド、北欧とくにノルゥエーなどの民族的な音楽、さらにはアメリカのカントリーやブルーグラス系にみられます。
スコットランド出身のニッキーは、ずっと祖国の音楽を好んで演奏してきてます。
そしてこの曲が、彼女のために書かれたこともわかります。
フィドル奏法は、ヴィブラートをかけず、開放弦を多用し、音の移動は巧みに装飾音で飾る、そんなイメージであります。
このCDにカップリングされた、やはりニッキーに書かれた「ソロ・ヴァイオリンのためのフィドルダンス組曲」の方にフィドルの技法はより強く出てます。

協奏曲は、4つの楽章からできてます。
「ラプソディ」「ロンド・ブルレスケ」「ブルース」「フーテナニー」の4つで、全曲で43分の大作です。

①「ラプソディ」
悪夢となり、平和へと進み、先祖の記憶に溶けていく複雑な夢~とマルサリス自身がコメントしてます。
ニッキーのyoutube解説でも、この平和で美しい雰囲気とそのメロディをソロで弾いてます。
夢想的であり、平安と癒しの世界は、バーバーの音楽を思わせるが、フィドル時な要素を含みつつジャジーな傾きも見せるステキな音楽だ。
平安もつかのま、ポリスの警笛もなる中、喧騒も訪れる。
このあとの展開もふくめ、わたしは、マーラーを意識した世界観を感じたものだ。
あとディズニー的な理想郷をも感じさせるラストは、音楽として共感でき、単独楽章としてもいい作品だと思う。

②「ロンド・ブルレスケ」
ブルレスケ=バーレスク
マーラーの9番の3楽章がロンド・ブルレスケ
ブルレスケはカリカチュアや、比喩、こっけいな誇張などを意味することば。
オケのピチカートと楽員たちの足踏みに乗って、ヴァイオリンが高域をキューキュー言わせながら走り抜ける、そんな怪しい雰囲気。
デンジャラス感もあり、しつこいくらいにここでも喧騒なムードを繰り返すなか、ヴァイオリンは超絶技巧のパッケージを連発。
「ジャズ、カリオペ、サーカスのピエロ、アフリカのガンボ、マルディグラのパーティー」と作者は記している。
ジャズ系のパーカョンとともに、ソロヴァイオリンっが繰り広げるカデンツァは、ジャンルの垣根を超えたクロスオーバーの世界。
そのフリーな感覚はなんの論評も不要だろう。

③「ブルース」
前章の後半から続く、ジャズなムード主体のオール・ジャンルな雰囲気で、このまさにブルースは継続する。
泣きの音楽、まさにブルーグラス。
金管はビッグバンド的な様相を呈しつつも、巧みにヴァイオリンソロによりそい、ジャズコンチェルトみたい。
ユニークかつ、どこかで聴いたことあるような音楽は、とても懐かしくそれはまた、いま狂ってしまったアメリカの良き時代へのノスタルジーだ。 

④「フーテナニー」
めちゃくちゃに盛り上がる前半。
オケ員が足を踏み鳴らし、手拍子でリズムをとり、ヴァイオリンソロは無窮動的に合いの手を入れつつ、ついにヴィルトゥオーソの極み、アメリカ版のフィドルが炸裂。
後半は徐々に全体がフェイドアウトしてゆき、フィドル奏者がファンキーな街をあとにして去っていくような、そんなムードとなり静かに終わる。
実演では、ニッキーはヴァイオリンを弾きながらステージを去ります。

ベートーヴェンやブラームス、エルガーの協奏曲と同じくらいの長さ。
そうしたクラシカルな協奏曲にもひけをとらない協奏曲だと思いますが、ヴァイオリンソロはニッキーのようにフィドルが身体に沁みついているようなルーツがないと、面白くないかもしれません。
ニッキーは欧米豪の各オーケストラで、この作品を弾いてますが、残念ながら日本には来ませんね。

録音したライブは、ガフィガンとスコットランド国立菅とのプロムスのものと、ロウヴァリとフィルハーモニーアとの2種を聴いてます。

ロウヴァリとフィルハーモニア管は来年に来日するので演目によっては飛びつきたい、そんな新鮮なコンビなんですがね・・がっかりさせてくれますわ、ベネデッティを連れてきて、この曲をやればいいのに。
今年のロンドンフィル(ティチアーティ指揮)も同じく。
日本人奏者ばかりとの共演で、すべての公演に有名協奏曲がついてる。
メインも有名曲ばかりで、せっかくの英国の名門オケなのに、若い注目指揮者なのに・・・・
ほんとに頭にきますよ、呼び屋さんの問題なんですかね。

話しはそれましたが、このCDで指揮してるマチェラルも、いま大活躍のルーマニア出身の指揮者。
ケルンWDR響とフランス国立菅のふたつのオケを率いていて、レパートリーも多彩だ。

4楽章のさわりを。
ガフィガン指揮するパリ管とのリハーサルです。



このリズムには誰しも反応してしまいます。

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はやくも来年の桜が楽しみ。

日本人は桜がほんと好き。

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2024年4月14日 (日)

ネヴィル・マリナー 100年

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中井町の山上のひとつ。

見晴らし抜群で、富士と大山、丹沢山麓、箱根の山々、さらには相模湾も見渡せる絶景の地。

まえから来ようと思っていたけれど、自宅から割とすぐだった。

ここが整備された公園となっているのは、9年前にここにできたメガソーラーとともに開発されたものだからです。

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神奈川県西部エリアで最大規模のソーラー発電所。

ここでは趣旨が違ってしまうのでこれ以上は書きませんが、自然エネルギーはたしかに有用でしょう。

しかし、もうお腹いっぱい、これ以上、日本の自然を壊さないで欲しい。。。

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サー・ネヴィル・マリナー(1924~2016)、4月15日が誕生日で、この日100年となります。

現役のまま亡くなって、はや8年。

残された膨大な音源は、まだまだ聴きつくすことができず、これからの楽しみもたくさん残していただいた。

アンソロジー化も期待され、ヘンデルばかりを集めたボックスも出るようだ。

存命なら100歳、今日は特にマリナー卿の小粋な演奏ばかりを、さわやかな晴天の空を眺めながら聴いてみた。

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  ヴィヴァルディ 二重協奏曲集

   ネヴィル・マリナー指揮 アカデミー室内管弦楽団

         (1982.11 @ロンドン)

500曲はあるとされるヴィヴァルディの協奏作品。
そのなかから、ふたつの楽器のための作品ばかりを納めた、これもまたマリナーらしいナイスな企画。
「2つのトランペット、ヴァイオリン」「2つのホルン」「2つのマンドリン」「2つのフルート」「2つのオーボエ」「オーボエとバスーン」。
こんな多彩な曲の詰め合わせは、なんど聴いても飽きない、バロック音楽らしい明るく屈託のなさがひかります。
ヴェネチアの少女孤児院ピエタのためにその協奏曲の大半が書かれたというが、これらの2重協奏曲もホルン以外はいずれもそうだと言います。
録音時、すでに古楽奏法は流行りだしていたけれど、ピリオド奏法などなどまったく感知せずに、いつものとおり、さらりと、爽やかに演奏してのけたマリナーとアカデミーの面々なのでした。

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  ハイドン 交響曲第83番 ト短調 「めんどり」

    ネヴィル・マリナー指揮 アカデミー室内管弦楽団

          (1977.10 @ロンドン)

レコードで、その曲名をモティーフにしたすてきなジャケットとともシリーズ化された、ハイドンのネイムズ・シンフォニーとパリ交響曲。
全部で33曲録音されている。
生真面目にハイドンの音楽に取り組んだ、清廉でかつ新鮮な演奏は、まさにエヴァーグリーン的な存在として、いまだに特別な存在意義のあるものです。
発売当時は、某廃刊誌の月評でけちょんけちょんに書かれたけれど、CD化されて初めて聴いたワタクシの耳には、すんなりと曲は流れるが、随所に微笑みとマリナーらしい、そっけなさも味わいに感じるステキなハイドンに聴こえたものです。
あえて短調の曲をえらんだのは、名前の由来となった「めんどり」の鳴き声をマリナーの棒で確認してみたかったから。
そしてやはりマリナー、カラヤンのようなそれ風の演奏とは違い、あっさりとサラッとやってた。
いろんな技巧の詰まったハイドンの音楽の面白さを素直に感じる演奏。
70年代、アナログ最盛期のフィリップス録音も素晴らしいものでした。

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  ロッシーニ 序曲集

    ネヴィル・マリナー指揮 アカデミー室内管弦楽団

         (1974.5 、1976、1979 @ロンドン)

モーツァルト、スッペ、オッフェンバック、ウォルフ・フェラーリ、ワーグナー・・・さまざまに残されたマリナーのオペラ序曲集のなかにあって、最高の成功作がロッシーニ。
75年に第1作が、こちらのジャケットで発売。
その後、録音を重ね、最後には現存する序曲のすべてを録音してしまった。

アバドの既成の慣習を取り払った透明感あふれるロッシーニに聴き慣れた耳には、マリナーのロッシーニはアバドほどの先鋭感はなく、アバドほどの鮮やかなまでの俊敏性は感じられず、ロッシーニ演奏の革新から一歩下がったようなイメージを与えることとなった。
でもね、いろんな指揮者の新旧のロッシーニ演奏を聴くうちに、さらには、マリナーが序曲ばかりでなく、オペラのいくつかを録音し、それらを聴くうちに、マリナーの古典音楽への清廉な解釈の延長にあるロッシーニ解釈が過分な解釈なしの、スッキリ感あふれる、そして切れ味抜群の演奏であることを見出し、いまや快哉を叫ぶようになってまいりましたね。

こんな演奏が、あたりまえに行われ、音楽レーベルも普通に企画して販売していたいまや幸せな時代。
マリナーは、カラヤンとともに、そんな時代を音楽家として生き抜いたんだと思います。

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  エルガー 弦楽のためのセレナード

   ネヴィル・マリナー指揮 アカデミー室内管弦楽団

         (1967.11 @ロンドン)

最後は指揮者というより、アカデミーのリーダーとして、ヴァイオリンを弾きながらリードしていたかもしれない頃のマリナーの至芸。
まさにエルガーのノビルメンテな、気品と愛情あふれる柔和な世界を、きどらずに普通に再現。
慈しみあふれるバルビローリ、きりりとした背筋のびるボールト、大家たちの素晴らしい演奏ともまた違った日常感覚あふれる、まさにさわやかさ満載のエルガー。
ちょっと距離を置きつつ、でもとても親密な優しい演奏、そんなマリナーの演奏。
序奏とアレグロも素敵すぎます。
こんなエルガーを、さらりと聴かせる演奏家、いまではもうあまりいませんね・・・・

音楽への思い入れが強すぎる演奏が多すぎると感じた時に聴くマリナーの指揮。
そしてアバドもそうしたところがありました。
楽譜どおりにちゃんと安心して聴ける、そんなマリナー卿が好きでした。

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マリナー卿、ありがとう。
日本にも何度も来演いただき、かなり聴くことができました。

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日本の富士🗻

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2024年4月 6日 (土)

フンパーディンク 「王様の子ども」 

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ひな祭りの頃の大井町の里山。

つるし飾りと富士。

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里山にある古民家には、さまざまな雛飾り。

古来より、親たちは子供の誕生と成長を喜び、幸福を願い、さまざまに祈ってきたんです。

受け継がれるひな人形や、五月飾り、新しい家族が築かれるとそこには、親から受け継いだものに加えて新しいものも追加されます。
日本独自のこの風習と業界、ぜったいに受け継いでいってほしい。

愛すべきフンパーディンク(1854~1921)のオペラのひとつ。
「ヘンゼルとグレーテル」のみが大衆受けすることもあり超絶有名なフンパーディンクの唯一作品のようになってる。
しかし、ヘンゼルとグレーテルは楽劇と冠され、ワーグナーの影響をがちがちに受けた緻密なライトモティーフ技法によるムジークドラマなんです。
ほかのオペラ、といってもこの「王様の子ども」しか聴ける状況ではありませぬが、ここでも主導動機を元にした作曲技法と、簡明な旋律とに加え、マーラーと同世代ともいえる世紀末的な甘味な音楽の運びもうかがわれ、さらにシェーンベルクやベルクにも通じる、語って歌う手法の先駆けもある。

ヨーロッパでは近年、この作品の評価につながる重要な上演もいくつかあり、今回は映像DVDも楽しみましたので、音源と映像とで理解を深めることができました。

  フンパーディンク 歌劇「王様の子ども」

ヘンゼルとグレーテルは1891年の作曲で、そのあと、同じワーグナー信奉者であり友人でもあったユダヤ人、評論家・指揮者のハインリヒ・ポルゲスの委嘱で1894年に、この音楽劇を作曲することとなった。
台本は、ボルゲスの娘のエルザ・ポルゲス。
彼女は、父親の血を受け継いで熱心なワグネリアンとなり、ワグネリアンたちのサロンを主催するなど、なかなかの影響を与えた人物です。
結婚で、エルザ・バーンスタイン(ベルンシュタイン)の名前となる。
疾患で視力がほとんどなくなり、その才覚は劇作へと向かい、いくつかの文学作品や戯曲を創作。
そんななかで、父の勧めで音楽化されたのが「王様の子ども」です。

オペラとして作曲したかったフンパーディンクに対し、娘エルザ・ベルンシュタインはオペラ化は否定し、演奏会で上演できるメロドラマ形式のものを希望。
フンパーディンクはやむなくそうしたが、作曲者がすでに到達していた当時には前衛的な手法などは、オラトリオみたいなコンサート形式の枠には収まらず、オペラとしての在り方にこだわり、エルザを説得しました。
結果、原作者のエルザも同意して1907年にいまに聴かれるオペラとして再編されることとなったわけです。

1910年にメトロポリタンオペラで初演され、ドイツでは翌11年に初演。
アメリカで初演されたことろが面白いところですが、エルザ・ベルンシュタインは、ナチス台頭時、ユダヤ人であり、ともに視力障害のあった妹をドイツに残して置くことを是とせず渡米しなかった。
結果、姉妹共に収容所送りとなったが、「王様の子ども」の原作者であることがわかり、文化人などが送り込まれた寛容で緩い収容所施設に配置換えとなり生きながらえた。

フンパーディンクのオペラの原作であったことが救った命。
ベルンシュタインの妹は、収容所で病死してしまう。

こんな風に、メルヘンでありながら、あんがいと死の影のまとわりつくオペラが「王様の子ども」なんです。

  王様の子:テノール
  がちょう番の娘:ソプラノ
  魔女:メゾソプラノ
  吟遊詩人(ヴァイオリン弾き):バリトン
  木こり:バス
  ほうき作り:テノール
  ほうき作りの娘:若いソプラノ
  上級顧問官:バリトン
  宿屋の主人:バリトン
  宿屋の娘:メゾソプラノ
   ほか  

ほかにも町の人が多数で、音楽だけ聴いてると誰が誰やら混乱します。
映像で気軽に楽しめるようになり、こうした作品にも光があたるようになり、ほんとありがたい。

小さな国の郊外、そこには12羽のガチョウがいて、若い女性がそのお世話をしている。

第1幕

 若い女性は、魔女にこの地に束縛されていて、その魔女は人間たちの住む社会を憎んでいて、魔法で若い女性=がちょう番をしばりつけて、外の社会に出れないようにしている。
魔女は彼女に、ずっと痛むことのないパン、でもそれを半分食べると死んでしまうパンを作らせている。
魔女は蛇や虫の採集に出かけ、がちょう番はひとりきりになる。
そこへ、王の息子が父の元を飛び出し、冒険を求めて狩人の風体でやってくる。
ふたりはすぐに恋に落ちるが、彼女の頭にあった花の冠が風で飛ばされてしまう。
王子は、王冠を代わりにあげてしまい、一緒にここを出ようと言うが、彼女は魔女の封印が解けずにここを出ることすらできない。
業を煮やした王子は、王冠をそのままに、立ち去る。
まもなく、魔女が戻り、誰かが来たことを悟り、また別の魔法で呪縛する。

そこへ、吟遊詩人、木こり、ほうき職人がやってきて、賢明な彼女に、町を今後導く王を見つけ出して欲しいと頼む。
魔女は、明日の昼に最初に町の門をくぐった者が次の王になる、道化のような恰好をしているが、王冠に相応しい人物だと断定。
満足した木こりとほうき職人は町へと帰るが、吟遊詩人は窓の中に若い女性を見つけ、彼女は魔女に囚われていることと、今日若い狩人が来たことを話す。
それは王の息子とわかった吟遊詩人は、彼女と息子が結婚して町を統治すべきだと言う。
しかし、魔女は身分が違いすぎるとして、がちょう番の彼女の両親のことを語る。
絞首刑執行人の娘だった彼女の母親だが、若い領主に見初められ、ひとりの娘を生んだ。
それが違う男のように言う魔女だったが、すべてを悟った吟遊詩人は、母親と領主をよく知っていた、彼女が正当な家系の生まれであることを証言する。
これに勇気を得たがちょう番の彼女は、両親に感謝とここからの脱出の祈りをささげる。
すると魔法は解け、彼女は涙とともにそこを飛び出していく。

第2幕

町の宿屋と近くの広場。
人々は、どんな王様がやってくるのか歓迎しようと興奮状態に。
王の息子は、馬小屋で夜を過ごし、宿屋の娘に気に入られ食べ物や飲み物を出され、さらに迫られてしまう。
がちょう番の彼女が忘れられない王の息子は、さらなる放浪と、確かな跡取りとなる決意を固め、ここで職を得て修行しようとする。
ほうき職人の娘は、王の息子に、ほうきを売ろうとするが、彼はいち文無し、でも少女は彼と楽しく遊びます。
そこへ、町の議員たちが集結し、ほうき職人は、魔女の話しをさらに大きく盛ってみんなに話す。
そんな大げさな王の入場に疑念をはさみ、王にはかっこだけ、人形のような姿を求めるのか?と疑問を呈します。
町の人々は、そんな言葉に怒りを覚え、さらには宿屋の娘は食事代を踏み倒した男よ、と非難し、人々は泥棒野郎と非難し広場は大混乱となる。
 そのとき、約束の正午となり、門が開くと、黄金の冠をかぶったがちょう番の娘が、吟遊詩人と彼女のがちょうたちと登場。
王の息子は大いに喜び、彼女にひざまずき、彼女こそが女王と呼ぶ。
そして吟遊詩人は、彼らこそがこの町の運命の統率者なのだと宣言。
これに、人々は嘲笑し、こん棒や石で攻撃し、若いふたりを追い出してしまう・・・・
誰もいなくなった広場には、ほうき職人の娘と老いた上級審議官。
涙を流す彼女になぜかと問うと、彼らが王様と王女様だったと語る。。。。

第3幕

やがて冬が来て、雪も積もりました。
この間、魔女は嘘の予言をした罪で火あぶりの刑となり、吟遊詩人も投獄されさんざん暴力を受け満足に歩けなくなってしまった。
荒んだかつて魔女の住んだ場所で、がちょうの世話をする吟遊詩人は、悲しみにふさいでいる。
 そこへ、木こりとほうき職人が、多くの子どもたちをつれてやってくる。
町がばらばらになってしまい、荒廃し、子供たちは大人を信用しなくなり反乱が起きているので、町に帰ってきて欲しいと語る。
そんな悪い大人を突き飛ばして、子供たちは、大人たちが間違っていて、王と王女を探し出すのにどうか自分たちを指揮して欲しいと懇願。
吟遊詩人は、子供たちを伴って雪山へ向かう。
 木こりとほうき職人は、魔女のいた小屋に入り、暖を取る。
そこへ放浪に疲れ切った王の息子とがちょう番の娘が抱え合いながらやってくる。
山の上の洞窟にいたが、食べ物がつきて、ここへ避難してきたのだ。
衰弱した彼女を思い、王の息子は健気に振る舞い、泣きたくなるほど悲しく美しい二重唱となる。
小屋のドアをたたき、そこにいた木こりとほうき屋に食料を求め、王冠まで差出し、得たのは小屋にあったパン。
ふたりでパンを分け合い、お互いに手を伸ばし合い、愛を確かめあいながら死んでしまう・・・・
 そこへ、手遅れながら、吟遊詩人と子供たちが戻ってきて、木こりたちが、王冠を持っていることを見つけ、詩人は激怒し、王冠を奪い返し、彼らを追い出します。
子どもたちが、ふたりの亡がらを見つけ、一同は深い悲しみに包まれます。
吟遊新人の歌とともにこの悲しみに満ちたオペラは幕となります。


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  王様の子:トマス・モーザー
  がちょう番の娘:ダグマール・シュレンベルガー
  魔女:マリリン・シュミューゲ
  吟遊詩人(ヴァイオリン弾き):ディートリヒ・ヘンシェル
  木こり:アンドレアス・コーン
  ほうき作り:ハインリヒ・ウェーバー
 
 ファビオ・ルイージ指揮 バイエルン放送管弦楽団

             バイエルン放送合唱団
             ミュンヘン少年合唱団

        (1996.3 @ミュンヘン)

ずいぶんと前に買っていたCDだけれども、後段のDVDで馴染んでから聴いて、それはまた素晴らしい演奏だと思い、何度も聴いている。
90年代後半から、ドイツを中心に活躍し始めたルイージは、こうしたドイツものと並んで、ベルカント系のオペラをグルベローヴァとともにたくさん録音していた。
緻密な音楽造りと、劇場感覚あふれる雰囲気作りは、才覚以上に天性のものだと感じます。
リリックテノールからドラマチックテノールに変身したモーザーの、トリスタンのような歌唱は聴きごたえがあり、相方のシュレンベルガーも同様にワーグナーにもふさわしい声。
ヘンシェルの味のある吟遊詩人も実によろしい。

EMIには、ハインツ・ワルベルクの指揮による録音もあり、ネットで視聴することができた。
ダラポッツァのタイトルロールがやや甘すぎだが、ドナートとプライ、シュヴァルツにリッダーブッシュと私のような世代には夢のような布陣だった。
今度、探して手にいれなくては・・・・・

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このオペラ、3時間あまりと長いけれど、音楽は簡明でわかりやすく、馴染みやすい。
そしてともかく美しく、大きな音やフォルても少なめで、夜遅くに聴いても安心だぜ。

結構な悲しいオペラなので、メルヘンを期待すると裏切られるが、ドイツのメルヘンには人間の持つ暗い側面もよく表出されているので、この物語りにいろんな比喩やメッセージを読み解くのもまた深みがあるというもの。

大衆は阿りやすく、一定の方向に流されがちで、真実の声は埋没してしまう。
子どもの目におおかたの狂いはなく、濁りのない眼差しは本当のことを見抜く。

全体を通じて出てくるモティーフが詰まった幕開きに相応しい快活な1幕前奏曲。
祝祭的な、まるでマイスタージンガーの歌合戦の始まりのような第2幕の前奏。
時の流れと、魔女や吟遊詩人たちに起こった悲劇を語り、それがやがて若いふたりの悲しい結末を予見させる。あまりにも切ない3幕の前奏。
これら3つのオーケストラ部分を聴くだけでも、フンパーディンクの音楽の素晴らしさがわかるというもの。
時おり入る、バイオリンソロがこれがまた美しくも儚い悲しさがある。
オランダオペラの舞台では、ステージにヴァイオリン奏者が実際に出てきて、愛の象徴としたこのソロ場面がわかりやすく引立っていたのだ。

ヘンゼルとグレーテルでのおっかないけど、ユーモアあふれる魔女は、ここでは悪い役というよりは、かつて誤解され迫害を受けたジプシーのような存在と感じられ、彼女も阻害された不幸な存在として描かれている。
この役に、DVDではドリス・ゾッフェル、ワルベルク盤ではハンナ・シュヴァルツが歌っている。

わたしがとても好きな場所は、王子のがちょう姫との出会いの二重唱の可愛さ。
1幕最後でのがちょう姫の両親への感謝の歌、ファター、ムッターと歌う場面が涙が出るほどに愛らしい・・・
そして3幕前奏の物悲しい美しさに加えて、死を前にした若い二人の泣けるほど美しい二重唱。
トリスタンの世界を超越した、世紀末感あふれるロマンティシズムの極致で、それがフンパーディンクの筆致で無垢な世界へと昇華している。
くり返しいいます、とんでもなく美しく哀しい・・・

ただ、このふたりの悲しみの死がピアニシモで閉じるが、そのあとがまだオペラの続きとしてあったことが、自分にはちょっと残念だった。
そこで幕を閉じずに、吟遊詩人と木こりたちのクダリがあったことで、泣いてた自分がやや虚しくなる。
最後の吟遊詩人のバリトンの歌や、子供たちの合唱には心惹かれますが・・・・
このあたり、音源としてではなく、劇場や映像で見るとそのように感じる方もいるのではと。

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  王様の子:ダニエル・ベーレ
  がちょう番の娘:オルガ・クルチンスカ
  魔女:ドリス・ゾッフェル
  吟遊詩人(ヴァイオリン弾き):ヨゼフ・ヴァグナー
  木こり:サム・カール
  ほうき作り:ミヒャエル・プフルム

  ヴァイオリン奏者(愛):カミュ・ジュベール

 
 マルク・アルブレヒト指揮 オランダ・フィルハーモニー管弦楽団

              オランダ国立歌劇場合唱団
              アムステルダム少年少女合唱団

     演出:クリストフ・ロイ


           (2022.10 @アムステルダム)

スタイリッシュでシンプルなロイの演出とその仲間たちの舞台は、過剰な読み替えの少なく、わかりやすく、でもその訴えかけるドラマ性は強い。

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簡潔な中に、見事なまでの、この作品の確信に切り込む演出解釈は、無駄なことをせずとも誰しもがわかり、納得できるものだ。
ホワイトを基調に、ふたりの主人公も純白な衣装で、まさに無垢なふたりを象徴。
四季の移ろいも、このオペラの肝であるが、それをダンサーたちに表出させ、彼らダンサーたちは、ふたりの主人公の心象をときに憐れむようにして寄り添い、客観視しながら舞台に存在する。
町外れにある魔女の館は、ほんとに小さな小屋で、この小屋に住まう魔女、また最後は小屋で暖をとる悪人たちの根城としてわかりやすい存在。
また大きな木が常にあり、町の中心として機能したり、若いふたりが木の下で息絶えるのを見守る役目であったりする。

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このような簡明な装置の元で、世間知らずの若いふたりと、彼らを理解する子供たち、すべてを知り同情と理性にあふれた吟遊詩人。
対する凡庸たる市民と、その代表である木こりやほうき職人。
これらの対比が鮮やかな演出で、魔女さんは、どこか客観的な存在に描かれ、そんなに悪としての存在でもなく、気の毒な存在として描かれている。
魔女と吟遊詩人が、追放されいたぶられるシーンがリアルに描かれているのも、舞台以上に映像作品を意識したものと実感。

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この役を得意とするベーレの王子役が見栄えも含めて、そのリリックで甘い声と物悲しさ、役柄を手中にした歌と演技とで素晴らしい。
クルチンスカのがちょう姫も、好きです。
素朴さ、純情さがありつつ、積極性も歌いこむこの役に申し分ないです。
そして、ベテランのゾッフェルの魔女も貫禄充分。
ヴァグナーの孤高の吟遊詩人も見事なもので、暖かなバリトンは、ワーグナーの諸役も得意にしている。

オランダオペラを率いていたアルブレヒトの積極かつ熱意にあふれた指揮も素晴らしい。
後期ロマン派の作品、とくにオペラを積極的に取り上げたアルブレヒトの意匠は、後任のヴィオッテイに引き継がれてます。
最近の、コルンゴルト、シュレーカーなどのオペラに加え、このアルブレヒトのフンパーディンクは特筆すべき出来栄えかと思います。
この作曲家のワーグナーの亜流的な存在感を越えて、その先の新ウィーン楽派や表現楽派の領域までも達するようなフンパーディンクの側面を垣間見せてくれる、そんな切れ込みも深い解釈をみせた演奏です。

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雪降るなかの、ふたりの悲しすぎる死。
そのあと憎しみ覚える木こりたちも登場するが、吟遊詩人の愛に満ちた告別と悔恨の歌。
まるでワーグナーの楽劇の最後を閉じるようなバリトンの歌は素晴らしい。
「王のこどもたち」と何度も歌う子供たちの歌。
舞台は暗くなっていきました・・・・

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このオペラには、今回取り上げたもの以外にも、いくつかの録音や映像があり確認しました。

・ワルベルク盤 前述のとおり、なんといってもH・プライがすばらしく、ドナートのがちょう姫がかわいい
・ヴァイグレ盤 ここでもベーレが王子役、フランクフルトオペラでのヴァイグレの活躍とその豊富なレパートリーには驚きだ
・メッツマッハー盤 ベルリン・ドイツ響、フォークトやバンゼ、聴いてみたいキャスト
・A.ジョルダン盤  モンペリエ・オペラ カウフマンが主役
・メッツマッハー映像版 若いカウフマンが、いまほど重くなくよろしい。
 チューリヒでの上演で、学校の実験室や学園祭に置き換えた舞台が深刻さゼロでやりすぎだった。

日本でも、このオペラは日本人の共感をえるものと思います。
いつしか上演されますことを望みます。

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2024年3月31日 (日)

バッハ マタイ受難曲 ヨッフム指揮

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いま咲き始めたソメイヨシノではなく、こちらは少し前の河津桜。

富士の見える丘があるのは、今いる町の隣の町です。

丹沢山脈と大山も大きくみえるステキな場所。

どんなこと、いろんな辛いことがあっても季節は巡ってくる。

春がやってきて、宗教に関係はなくとも、復活祭の日が来ると聴きたくなる音楽。

Matthaus-jochum

  バッハ マタイ受難曲 BWV244

       福音史家:エルンスト・ヘフリガー 
   イエス:ワルター・ベリー
   ペテロ:レオ・ケテラース

   アルト:マルガ・ヘフゲン  
   ソプラノ:アグネス・ギーベル
   テノール:ヨン・ファン・ケステレン  
   バス:フランツ・クラス
  
  オイゲン・ヨッフム指揮 
    アムステルダム・コンセルトヘボウ管弦楽団
    オランダ放送合唱団
    アムステルダム聖ウィリブロード教会少年合唱隊

        (1965.11 @コンセルトヘボウ アムステルダム)

わたしのような世代にとって、マタイ受難曲はかなり特別な存在であり、カール・リヒターの演奏こそが絶対的な存在でありました。

音楽聴き始めの少年にとって、レコ芸のみが音楽知識と情報の根源だったので、評論家諸氏が、「マタイ」という音楽の素晴らしさを連呼し、リヒターのアルフィーフ盤が基本ベースとして語られることが多かった。
当然にマタイを理解するには、東洋の中学生には無理なはなしで、その音楽のみは、リヒターのサンプラーレコードでの最終合唱の場面にみを知るという状況でした。

そんな私に、「バッハのマタイ」を知らしめたのは、ヘルムート・リリングが手兵のシュトットガルト・ゲヒンガー・カントライを率いて来日し、NHKでそのマタイが放送されたときだ。
アダルペルト・クラウスのエヴァンゲリストも鮮烈だったし、なにより聖書を読む福音史家という存在そのものが興味の大いなる対象となった。
ミッション系の学校にいたので、聖書と読み比べ、「マタイによる福音書」の受難の場を実際に読んで、バッハがどう音楽にして、共感して、そこに合唱やアリアをいかにつけていって、感動的な大きな作品をつむいでいったか、そのあたりをよく調べ、勉強もしました。

そこで初めて買ったマタイのレコードが、リヒターではなく「ヨッフムのマタイ」でした。
理由は簡単、フィリップスが宗教音楽の廉価シリーズを出しまして、このマタイは1枚1,800円の4枚組ということで手の出しやすい価格だったからなのです。
このジャケット、レンブラントの「キリストの昇架」を用いていて、オランダつながりでこの演奏にも似た落ち着きと、ほの暗さを感じる秀逸なものだった。
タワレコの復刻CDを入手したが、ここではデッカの濃青と赤のレーベル刻印があり、イメージ的にちょっと残念。

復刻されたその音は、65年という年代を感じさせる、丸っこいもこもこ感もあり、その点はレコードで聴いていた心象のそのままで、もっと刷新された音を期待したものの、でもやはり安心したというのが正直なところでした。

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メンゲルベルク以来の伝統あるコンセルトヘボウの「マタイ」

同楽団の演奏アーカイブを調べてみました。
遡ると1891年からマタイの演奏歴はありました。
作曲家だったユリウス・レントゲンからの記録、メンゲルベルクは1899年から登場し、アーベントロートなどの登場もありますが、1944年までずっと続きます。
その後は、クレンペラーをはさんで、1947年からはベイヌムとなり亡くなる58年まで。
ここでハイティンクが登場するかと思いきや、ベイヌムの追悼演奏会で、マタイの最終合唱曲とブルックナーの8番を指揮したのみでした。
こうしたアーカイブを眺めるのはほんと楽しいです。
メンゲルベルク、ベイヌムのあとを継いだのはオイゲン・ヨッフムです。
ヨッフムは、1961年から1972年まで、コンセルトヘボウのマタイの指揮者となりました。
それ以降の指揮者たちは、ライトナー、ノーベル、アーノンクール、コープマン、フェルドホーフェン、シャイー、ヘルヴェッヘ、ノリントン、I・フィッシャー、I・ボルトン、ブットと年替わりで変わってます。

かつてのようなマタイの絶対的な指揮者がコンセルトヘボウにはもういない、ということでありましょう。
この構図とまったく同じに思えたのが、「バイロイトのパルジファル」です。
クナッパーツブッシュの絶対的な存在のあと、ブーレーズと、ここでもまたヨッフムが続いたわけで、その後は演出も長く続くものはなく、指揮者もその演出によって変わるようになりました。

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ヨッフムの滋味あふれるバッハ。
ヨッフムはバッハの4つの宗教作品をすべて録音しました。
オーケストラもコンセルトハボウとバイエルンというヨッフムにもっとも親しいオケであり、かつブルックナーを指揮するときの手兵でもありました。

古楽器や現代楽器でも古楽奏法によるバッハに耳が慣れてしまった自分。
従来奏法による、フルオケによる演奏は、なんだかとても懐かしく、むかしの家のタイルの風呂にバスクリンを入れて入ったような、そんな安心感と懐かしさを感じます。
変な例えですが、むかしのお風呂はよく響く残響豊かなもので、いまのお風呂はデッドな響きだと思ってます。
子どもの頃、お湯をはらない風呂場にラジカセを持ち込んで楽しんだものです。

話しは脱線しましたが、そんな懐かしい温もりあるマタイの演奏。
リヒターのような厳しさはなく、温和な雰囲気とイエスへの愛情と穏やかな信仰心の裏付けのある誠実な演奏。
ドイツの街々には宗派は問わず、教会があり、街のいたるところに磔刑のイエスが立ったり、宗教画が掲げられたりします。
そんな日常風景が似合う、そこで聴かれているようなマタイだとも思いました。

ヨッフムの温和で、全体を包み込むような優しいタッチの音楽づくりは、健全きわまりないバッハ演奏にふさわしく、ドイツ・ヨーロッパのどこにでもある教会から派生した音楽であることを強く思わせます。

歌手の平均値が高いことも、毎年同じメンバーできっと演奏してきたルーテイン感を通り抜けた完璧な均一な色合いがあることでわかります。
なんといっても、ヘフリガー。
リヒター盤での禁欲的な存在から、少し踏み込んで、人間味を感じる豊かさと、完璧なまでのディクション。
見事の一言につきるし、過剰でない節度を保った感情表現もヨッフムの音楽姿勢によくあってます。
同じことがベリーにもいえて、歌のうまいベリーがかなり神妙に感じたりも。
ギーベル、ヘフゲンといった女声陣も慎ましくも感動的な歌唱で、泣かせます。

若き日より聴きなじんできた音楽家の重なる訃報。
自身でいえば、介護に明け暮れながらも、自宅で仕事ができることのありがたさ。
なによりも、身近なところで、人間の老いの哀しみと希望の見出し方など・・・・いろんな経験と発見がある喜び。
そんななかで聴いた、耳に馴染みある「ヨッフムのマタイ」がともかくありがたかったし、変わりなく耳に響いたことがうれしかった。

ペテロの否認のあと「Erbarme dich」をまじまじと聴く、そして涙す・・・・
ロマンティックに傾くヴァイオリンソロ、遠景のように遠くに響くオーケストラ、感情表現少なめの淡々としたヘフゲンのソロ。
いまではありえない、再現のしようもない、60年代のヨーロッパのバッハ。

世界は東西陣営の時代から、大国陣営の時代、さらにはいまや分裂・分断により多極化の時代となった。
各地で起きてる戦争行為は、同じ連中のもので、次の大戦がもはやサイレントに起きているとも思われる。
こんな世界でも、音楽はかわりなく響き、あらゆる垣根なく、世界の人間に等しく感動的に響く。
ことにバッハの音楽はそのような存在だと思いたい・・・・

Nakai

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2024年3月24日 (日)

マウリツィオ・ポリーニを偲んで

Pollini-dg

深夜にツィッター(X)を眺めていたら愕然としました。

ポリーニの訃報。

しばらく前から体調を壊していて、コンサートもキャンセルしていたばかり、ミラノの自宅で3月23日に亡くなりました。

享年82歳。

私にとってのポリーニは、朋友アバドがあっての存在でもありましたので、とても悲しいです。
アバドが10年前に80歳で去り、ポリーニがその10年後に82歳で旅立つ・・・
ともにミラノ生まれでした。

高校時代にポリーニを知り、もう50年が経過したけれど、ポリーニは数多いピアニストのなかでずっとトップランナーだった。

リサイタルで聴くことはできなかったのですが、コンサートでは2回。
小澤さんと新日フィルに来演して、シェーンベルクの協奏曲。
アバドとルツェルンとともに、ブラームスの2番。
脳裏に焼き付くピアノに向かい、高い集中力でもって演奏するその姿。
アバドも、小澤さんも、そしてポリーニもいなくなってしまった。

Etude-pollini

 ショパン 練習曲集 (1972)

初めて買ったポリーニのレコード。
練習曲全曲を聴いたのもこれが初めて。
ストラヴィンスキーとプロコフィエフのDGへの初録音は、ずっと後で聴くことになりますが、ここでのショパンの音楽そのもの素晴らしさにも感激。
鋼のような強靭な打鍵と鮮やかな技巧による精密かつ彫像のようなポリーニのピアノ。
連日、青白いような情熱の炎を自分的にたぎらせて聴いたことも、わが青春の思い出であります。
当時は、柔のアシュケナージ、鋼のポリーニのイメージで、人気を二分しておりました。

Prelude-pollini

   ショパン 前奏曲集 (1974)

まだまだショパン初心者だった若い頃の自分には、続々と出てくるポリーニのショパンは、その作品理解を深めるとともに、その完璧な演奏はその曲のひとつの指標となったのでした。
24の曲が全体を通してみるとしっかりとした構成感につらぬかれているし、それぞれに詩的な豊さや歌もある。
ポロネーズ集もこの頃の大切な1枚です。

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  シューマン 幻想曲 (1973)

  シューベルト さすらい人幻想曲 (1973)

ともに、それぞれのソナタ作品も収録。
ファンタジーと名をなすロマン派ならではの作品を、ポリーニは明晰に、明るい音色でもって弾き、ポリーニがイタリアの血を引くピアニストであることを認識できる。
一方で、こうした作品でも強靭な響きはポリーニならでは。
ほのかに感じる陰りも。

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  ブラームス ピアノ協奏曲第2番 (1976)

もう幸せしか感じないイタリアの陽光とウィーンの甘味さ感じる演奏。
一方で、存外に熱くもあり、気ごころしれたアバドとのコンビが、スタジオでもライブ感みなぎらせていたことがわかる。

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  バルトーク ピアノ協奏曲第2番  (1977)

ついにシカゴへ!
当時、これが出たとき、そんな風に思った。
マーラーでアバドと良好な関係をお築きあげていたシカゴの共演。
ときにオケの一員とも思われるくらいに打楽器的な様相さえ呈するすさまじいばかりのポリーニのピアノ。
このふたりの朋友の最高傑作だと思う。

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 ノーノ 力と光と波のように (1973)

ジャケットは借り物です。
レコード時代、前衛ということで、アバドが珍しくバイエルンと録音したというのに、この派手なジャケットに手がでなかった。
ノーノ、ポリーニ、アバドという3人が共感しあってのもの。
コミュニストとしてのノーノの当時の思いは、いまや化石化しているともいえるが、電子音やテープ音、トーンクラスターなども当時の前衛を今聴くのも懐かしさを感じる。
それこそ、打楽器としてのピアノは、ポリーニあってのもの。
今年1月、52年前に初演されたミラノのスカラ座で、メッツマッハーの指揮で演奏され、わたしも録音した。
おりしもそれは、ノーノの生誕100年とアバド没後10年のための演奏でした。
そのあとポリーニが逝ってしまうなんて・・・・

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            スカラ座のHPより


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  ベートヴェン 後期ピアノソナタ集 (1975~77)

若い頃にいきなり後期作品を一挙に録音。
ここでも冴えわたるポリーニの明晰極まりない音。
澄み切ったベートヴェンの後期様式に、イタリアの光が当てられたようで、そこにはまたミケランジェロの彫像のような力強さと、贅肉のとれた無駄の一切ない引き締まったイメージを感じさせる。
バックハウスのベートーヴェンばかりを聴いていた自分には、ヴェールが1枚はがされたような気がしたものだ。
協奏曲は、ベームとではなく、この頃にアバドとシカゴあたりで録音して欲しかったものだ。

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イギリスのクラシック専門チャンネルの訃報ツィート。

先月の小澤さんの訃報に続いて、こうも世界に音楽家の悲しみの知らせが駆け巡るとは・・・

ショパンコンクールで彗星のごとく現れ、その後名前を消したかのように、楽壇から姿を消したポリーニ。
その後、70年代に突如として出現して、年代的にも音楽をどんどん吸収していった自分のピアノ分野での指標となったのがポリーニ。
2000年以降はあまり聴かなくなってしまいましたが、ずっと聴いてきたポリーニのピアノ。

ポリーニの前は、私世代では、バックハウス、ケンプ、ルービンシュタイン、リヒテルなど巨匠の時代でした。
そこに出てきたのが、アルゲリッチ、アシュケナージ、バレンボイム、そしてポリーニでした。
演奏スタイルのありかた、聴き方も変化していくなかで、ポリーニは巨匠ではなく修道僧にも似た音楽の探究者だったと思います。
よりヒューマンなアルゲリッチともぜんぜん違います。

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2009年にルイージとドレスデンの演奏会の曲間に、ホールの外に深呼吸しに出たら、どうみてもポリーニさんに遭遇。
一服されてました。
ツァラトゥストラとアルペンというシュトラス大会、ポリーニさんも聴いていたんです。

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スカラ座のHPは、ポリーニの追悼と変わってました。

喝采を受けるポリーニの姿、いい写真です。

天国でアバド兄貴とブラームスをやろうよ、と語り合ってるのかな・・・

マウリツィオ・ポリーニさんの魂が安らかでありますこと、お祈りいたします。

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