2021年4月 8日 (木)

アンサンブル ラディアント 第21回定期演奏会

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地元での演奏会、神奈川県二宮町を拠点とする弦楽アンサンブル、ラディアントの演奏会に行ってきました。

家から徒歩数分で味わえる、素晴らしい音楽、何もないけど、そこが魅力の郷里で、それを噛みしめるように楽しめた2時間でした。

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吾妻山の中腹から見た町の様子。

左端にあるのが、町の生涯学習センター「ラディアン」です。

隣接して「花の丘公園」や、ちょっとした小山もあって、家族でも楽しめるエリアです。

法務局もできましたが、ここ一帯は、かつて、神奈川県の園芸試験場でして、広大な農園と2階建てぐらいの試験場建物がありました。

家がこの試験場に、それこそ隣接していて、そもそも出入りはフリーだったので、小・中学校時代の自分にとって、恰好の遊び場でした。
真っ直ぐの舗装された通路は、自転車の練習にもうってつけで、補助輪を外したのもここだし、猛スピードで友達とレースをしたのもここ。
さらに、建物の横には、当時、町内では珍しかった、コカ・コーラの自販機があって、瓶のコカ・コーラを毎日夢中になって飲んだもんです。
あとね、果実の研究もメインでもあったようで、眼前に広がる桃の畑は見事で、春先には、ピンク色の花が鮮やかに咲き乱れるのでした。

こうして昔のことなら、いくらでもすらすら思い出せます(笑)

若い方が、たくさん移住してきて町も新しい風が吹いてますが、こんな昔のことも知って欲しいな、と思う自分です。

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  第21回 アンサンブル ラディアント定期演奏会

       ~弦楽アンサンブルの極み~

  ラター    弦楽のための組曲

  ポッパー   3台のチェロと弦楽のためのレクイエム op.66

      チェロ:安田 謙一郎、藤村 俊介、白井 彩

  シューベルト 弦楽五重奏曲 ハ長調 D956 ~弦楽合奏版~

      アンサンブル ラディアント

      ゲストコンサートマスター:白井 篤
      賛助出演:松本 裕香  百武 由紀
           藤村 俊介  安田 謙一郎

      (2021.4.3 @ラディアンホール 二宮町)

1)英国音楽好きの自分にとって、その美しいレクイエムしか聴いたことのなかったジョン・ラターの弦楽作品を、ここ二宮で聴けるとは思わなかった。
英国民謡をベースに、①「流浪」②「私の青い縁どりのボンネット」③「オー・ウェリー・ウェリー」④「アイロンをかけまくる」。
4曲に、おしゃれなタイトル。アイロンかけまくる、って(笑)
そして、いずれも可愛くって、親しみやすくって、愛らしい曲でした。
現代の作曲家でありながら、保守的な作風で、英国の抒情派の流れをしっかり汲んだラターの音楽でした。
活きのいい1曲目で、ラディアントのアンサンブルもすぐに乗りを得て、聴き手もみんな音楽に入りこむことができた感じです。
ステキだったのが白井さんのソロも含む2曲目で、英国音楽ならではの背景描写も心和むものでした。
同じくメロディアスなソロに始まる3曲目も郷愁さそうもので、涙が出そうになりましたね、いつまでも浸っていたい音楽です。
オスティナート風のくり返しのパターンが楽しいアイロンかけるぞ、の4曲目は、みなさん楽しそうに演奏してました。

今回の3演目のなかで、このラターの作品、いちばん二宮町に相応しい音楽に思います。
慎ましい英国音楽がちょうどいい町。

2)ポッパーのレクイエムも初めて聴く曲。
チェロ3挺がソリストとして、前面に並ぶと壮観ですが、奏でられた音楽は荘重かつ悲しみにあふれた音楽でした。
でもメロディが豊かで、嘆き節というよりは、亡き人を優しく包み込むような、そんな癒しの音楽にもとれました。
いい曲ですね、ご紹介ありがとうございます。
重鎮、安田さんの味わい深い音色、藤村さんのチームを締めるような安定感、白井さんの艶のある音、それぞれに聴きものでした。

MCもつとめられたゲストコンマスの白井さんが、コロナ対策で通気をよくするために、舞台左右の反射板を外して、かわりに幕を設置した。
しかし、これでは音がデッドになりすぎるので、ステージマネージャーの松島さんが7キロもある鉄板を何枚も用意して奏者の足元に敷いたとご案内されました。
これによりかなりの音質改善がなされたはずだとのことです。
確かに、ステージ自体、そのものが弦楽器の胴みたいに響いて鳴ったのかな、とか思いました。

3)「次は長いです」白井さんが(この日、ステージには白井さんが5人)、これだけは言っておいて欲しいと言われたので、ということでお話しされ、場内は笑いに包まれました。
確かに、シューベルト、ことに晩年の様式による作品は長いです。
でも、われわれ聴き手は頑張って聴きました、名作を堪能しました。
 ビオラでなくて、チェロを2挺としたシューベルトの五重奏曲は、重厚さがそれだけでもあるが、ここではオリジナルの5人の奏者をソロのように仕立て、弦楽合奏をそこに配し、さらに低弦にコントラバスも追加したもので、白井さんが言われてましたが、コンチェルト・グロッソのような構えの作品となりました。
これが実に面白かった。
ときおり、通常の5人によるオリジナル演奏が入り、また、それを伴奏するかのように弦楽合奏が入り、さらには5つの楽器と合奏がユニゾンで、という感じで飽きることなく目も耳も楽しめました。
シューベルトの音楽には歌があふれていると同時に、死というイメージが影のようにつきまとっていることをいつも聴きながら思うのですが、ここでもそれは感じました。
大きな編成である意味シンフォニックに演奏されたので、よけいにドラマテックになりました。
そしてあのどこまでも美しい第2楽章は、まさに天国的ともいえるうつくしさと儚さを感じた。
こんな素晴らしいシューベルトを、実家の近くで聴けるなんて、アンサンブル・ラディアンとソリストの皆さまたちに感謝、感謝です。

アンコールは、楚々たるシューベルトのセレナーデが演奏されました。

来年も楽しみにしております🎵

ラディアン花の写真館

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満開の桜、逆光ですが奥がラディアン。

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かぐわしい香りがしてたライラック。

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もう咲き終えてしまったけど桃の花。

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初秋の収穫が楽しみな梨の花。

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翌朝は、ラディアン朝市にも行ってきましたよ。

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2021年4月 4日 (日)

バッハ カンタータ リヒター&鈴木雅明

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桜前線北上中。

わたしの住む関東はもうおしまい。

例年なら、イースターのころ合いに満開を迎える日本の桜です。

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今年の復活祭は、4月4日。

復活節にまつわるバッハのカンタータをふたつ、往年の演奏と今現在のものとで。

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 バッハ カンタータ第4番 BWV4

    「キリストは死の縄目につながれたり」

   Br:ディートリヒ・フィッシャー=ディースカウ

 カール・リヒター指揮 ミュンヘン・バッハ管弦楽団
            ミュンヘン・バッハ合唱団

      (1968.7 @ヘラクレス・ザール、ミュンヘン)

復活節日曜日(第1祝日)用
200曲あるバッハの教会カンタータは、聖書と密接に結びつく礼拝に伴うカンターであり、その語句は、聖書はおろか、キリスト教に馴染みのない多くの日本人には、身近な存在とはいえないだろう。
 しかし、バッハの音楽は、そのハンディのようなものを補ってあまりあるもので、汲めどもつきぬ味わいと楽しみがあると思う。
かくいうワタクシは、ほんのさわりだけしか聴いてはいませんので、偉そうなことはいえません。

ライプチヒのトーマス教会カントルの時代に書かれたのが、バッハの教会カンタータの全盛期ですが、そのずっと前、ミュールハウゼン時代からカンタータの創作を始め、「キリストは死の縄目につながれたり」はこの時期のもので、バッハ22歳の頃のもので若い時分の作品です。

若い作曲家にたがわず、実に重々しく充実した内容のカンタータ。
悲劇臭極まりない冒頭シンフォニアに始まり、ルターのコラールを全編に採用し、それを変奏したものを続けるという構成。
前半は「死」という言葉が文字通りに横溢し、後半は生命と死、過越しの子羊に十字架、さらに明るき光明、信仰の生命、ハレルヤと続く。
暗から明、信仰への清き思いという礼拝につながるバッハのカンタータの姿が、若い作品のここにもしっかりある重厚な音楽です。

リヒターの厳しい眼差しを伴った指揮は、ここカンタータでも、マタイやミサ曲の演奏と同じく。
峻厳なバッハには、かねてより襟を正さざるをえませんし、そうした聴き方をずっとしてきた自分。
高校時代からリヒターのバッハを聴いてきて、いつも同じ思いです。
フィッシャー=ディースカウの独唱も、リヒターとバッハをともにするときは、歌いすぎず、巧さもほどほどに、堅実な歌に徹します。
バッハの演奏スタイルは、古楽・古典のそれと合わせて大きく変化して、それぞれが共存している現在、リヒターのバッハにはドイツ音楽としてのバッハを感じさせる気がする。
それもかねての良きドイツ。

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 コロナ緊急事態中は、手水は水を張らずに無味乾燥な存在でしたが、こうして桜を反映させる今、美しいです。

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 バッハ カンタータ第146番 BWV146

  「我らは多くの苦難を経て神の国に入るべし」

   S:レイチェル・ニコルズ
   CT:ロビン・ブレイズ
   T:ゲルト・テュルク
   B:ピーター・コーイ

 鈴木 雅明 指揮 バッハ・コレギウム・ジャパン
       
    (2008.9.18~22 @神戸松蔭女子学院大学チャペル)

復活節:復活後第3日曜日

ライプチヒ時代、1726~28年の作品で、41~43歳の充実期。
バッハお得意の自作からの引用を冒頭の大きなシンフォニアからいきなり大胆に行ってます。
チェンバロ協奏曲ニ短調 BWV1052からのもので、チェンバロはオルガンにまんま代用されていて、鮮やかなオルガン協奏曲みたい。
次ぐ第2節の合唱も、同じ協奏曲の2楽章からのものです。
ちょっとドラマチックでもあるこのシンフォニアに、礼拝に訪れた信仰の深い聴き手は、ワクワク感と幸福感に冒頭から満たされ引き込まれたことでしょう。
ここでも、暗から明、苦しみから信仰の喜びという流れがこのカンタータでも構成の基本です。
4人のソロがそれぞれに活躍する規模の大きなカンタータでもあります。
第3曲でのオルガンソロでのアルトはふるえる心と、苦しみから抜け出そうとする高揚する面持ちが歌われる。
つぎのソプラノによるレシタティーボは、福音を語りますが、ヨハネ伝16章20節「よくよくあなた方に言っておく。あなた方は泣き悲しむが、この世は喜ぶであろう」
次ぐ同じソプラノのアリアが美しく素晴らしいと思う。
フルートとオーボエダモーレを伴った落ち着いた雰囲気を伴いつつ、悲しみとともに、種を蒔き、やがて訪れる刈り取りの収穫へと楚々と思いをはせるアリアであります。ここでのニコルズの無垢の歌唱がよい。
やがて、テノールとバスによる喜びにあふれた二重唱は、これまた礼拝堂に集う信仰者の気持ちを高め、明るい思いに満たしたことでしょう。
リズム感あふれるオケに乗って、屈託のない歌は気持ちのいいものです。

今ではすっかりスタンダードになった日本の演奏家によるバッハが、世界でもバッハ演奏の最高のもののひとつとして受け入れられる時代が来ようとは、リヒターのバッハを金科玉条のように思っていた若い時分の私には想像もつきませんでした。
永年の経験と深い探求に裏打ちされたこの精緻なバッハは、繊細で清潔であり、しなやかです。
リヒターのバッハのあとに、鈴木バッハを聴くと、リヒターに聴かれる強烈なバッハへの帰依ともいえるような強靭さのようなものは感じられず、そのかわり、優しく柔和、でも細やかな思いが行き届いているバッハに感じられる。
こんなこと言うと変ですが、農耕民族である日本人のバッハみたいに思いますがいかに。

半世紀の隔たりがあるバッハ演奏。

でもどちらもバッハ。

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2021年3月31日 (水)

プロコフィエフ ピアノ協奏曲第2番 ブロンフマン

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桜の開花の始めの頃と月。

この月も今頃は満月を過ぎ、早かった今年の桜も散り始めている。

夜風も心地よくなり、あの冬が遠くに思い起こされるようになったが、コロナは変わらずか・・

満月に地球が月から受ける重力の影響は、潮の満ち干が大潮になり、地震にも影響があるとかないとか・・・

 心の備えも万全に!

それはさておき、プロコフィエフ。

プロコフィエフ(1891~1953)の作品シリーズ。

略年代作品記(再褐)

①ロシア時代(1891~1918)
  ピアノ協奏曲第1番、第2番 ヴァイオリン協奏曲第1番 古典交響曲
  歌劇「マッダレーナ」「賭博者」など

②亡命 日本(1918)数か月の滞在でピアニストとしての活躍 
  しかし日本の音楽が脳裏に刻まれた

③亡命 アメリカ(1918~1922)
  ピアノ協奏曲第3番 バレエ「道化師」 歌劇「3つのオレンジへの恋」

④ドイツ・パリ(1923~1933)
  ピアノ協奏曲第4番、第5番、交響曲第2~4番、歌劇「炎の天使」
  バレエ数作

⑤祖国復帰 ソ連(1923~1953)
  ヴァイオリン協奏曲第2番、交響曲第5~7番、ピアノソナタ多数
  歌劇「セミョン・カトコ」「修道院での婚約」「戦争と平和」
 「真実の男の物語」 バレエ「ロメオとジュリエット」「シンデレラ」
 「石の花」「アレクサンドルネフスキー」「イワン雷帝」などなど

まだ①の時代やってまして、ピアノ協奏曲です。

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  プロコフィエフ ピアノ協奏曲第2番 ト短調 op16

    Pf:イェフム・ブロンフマン

  ズビン・メータ指揮 イスラエル・フィルハーモニック管弦楽団

       (1993.7 @テルアビブ)

①のロシア時代の作品で、1913年の完成。
22歳の学生時代のプロコフィエフ、同年の自身のピアノによる初演では、そのぶっ飛びぶりに、批判が相次ぎ騒ぎになったそうな。
翌年にロンドンに渡り、ディアギレフに出会ったときも、この作品を聴かせ、さらにオペラ化を考えていた「賭博者」を提案したものの、断られ、ロシアっぽいバレエを書きなさいということで、「アラとロリー」や「道化師」が生まれることになる。

ロシアの原初的な物語や荒々しさを期待していたであろうディアギレフは、この協奏曲をどう聴いたであろうか。
しかしながら、時はまさに、ロシア革命前夜ともいえるストライキだらけのロシア、自身もヨーロッパ各地へ楽旅、さらには後に日本経由でアメリカ行き、こんななかで初稿のスコアは紛失してしまう。
どこで紛失したかは不明だが、10年後の1923年にドイツで記憶を遡ってプロコフィエフ自身がスコアを復元したのが現行版。
紛失オリジナル版が今後出てきたら、と思うとわくわくしますな。

初期作品は、ラフマニノフ調やスクリャービンっぽいところも聴かれるプロコフィエフの音楽ですが、ここでは、いわゆる先鋭化したモダニズムの風情が勝ってます。

4楽章形式で33分ぐらい。

アルペジオをともなった憂愁込めたピアノ、そんなラフマニノフ風なスタート。
その後、テンポを上げて、プロコフィエフらしいギクシャクとした雰囲気となり、ピアノもオーケストラも切れ味を高めていき、威圧的なモットー的な主題が響き渡る。
再び冒頭に回帰。そして、ピアノの長くかつ自由なカデンツァは凄まじい!
速いパッセージで転がるように進む、これまたプロコフィエフらしい、クールでかつ息もつかせぬ急展開。
禍々しい楽章。アラとロリーを思わせる。
即得な奇妙なリズムを伴ったフレーズが出るし、口笛のようなすかした弦がかっこよく、ここ好き。
急速感ある出だし、むちゃくちゃノリノリになれる萌える楽章。
そして、落ち着くと民謡風のメロディを楚々と弾くピアノ。
こうして、なんとなくロシアのムードに浸っていると、勢いを増して、一度聴くと忘れられなくなるモティーフが現れる。
 で、またロシア調に回帰し、懐かしいムードに哀愁を感じる。
でも、オーケストラに例のモティーフが、盛大に出て(ジャジャジャジャ、じゃじゃじゃじゃジャーン)とで、曲は一気に終了に向かう。

いったい何だったんだろう、といつも聴いたあとに思ってしまう、モザイク的な2番の協奏曲。
超絶技巧を要するピアノと、強弱振幅の大きいオーケストラ。
カデンツァがしっかりあり、主役はちゃんとピアノで、オーケストラは引き立て役であるとともに、いくつかの忘れえぬ独特のモティーフを堂々と響かせる。
協奏曲としてのバランス感覚にも優れた2番だと思います。

ブロンフマンの技巧に裏打ちされた豊かなピアノが素晴らしい。
メータの指揮には切れ味をもっと求めたいが、合わせものとしては、ソリストを引き立ててうまいもんです。

エアチェック音源で聴いてる、トリフォノフとティルソン・トーマス&クリーヴランドの方が凄まじくも爽快な演奏。
あと、デニス・コジュヒンとオロスコ・エストラーダ&サンフランシスコも豪快な演奏。

プロコフィエフ・シリーズ、次はいよいよ、「賭博者」。

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2021年3月26日 (金)

レヴァインを偲んでワーグナー&マーラー

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季節は思い切りめぐってきて、関東の南はもう桜が満開。

今年は早すぎて、なんだか知らないが慌ててしまう日々。

ある早い朝に、増上寺の桜を見てきました。

そして、その数日前に、忘れたようにジェイムズ・レヴァインの訃報が飛び込んできました。

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2021年3月9日に、カリフォルニア州パームストリングスの自宅で死去。
心肺停止で見つかり、死因は不明ながら、長年パーキンソン病を患っていたので、それが要因ではないかと。

バーンスタインやプレヴィンに次いで、アメリカが生み出したスター指揮者で、しかもオペラ指揮者。
でも、ここ2年ぐらいは、名前を出すことも憚られるくらいに、スキャンダルにまみれ全否定されてしまった。

この訃報も、音楽関係団体からは少なめで、スルーしているところがほとんど・・・・・

ホームページに大きく載せているのは、メトロポリタンオペラのみ。
あとは、一時、音楽監督を務めたミュンヘン・フィルがSNSで伝えてるのみ。
それとバイロイト音楽祭のホームページにも、死去の知らせが淡々とのってます。

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ミュンヘンのあと、小沢の後に就任したボストン響のサイトやSNSにはまったくナシ。
ラヴィニア音楽祭などで関係の深かったシカゴ響もまったくなし、フィラデルフィアもなし。
ヨーロッパでも、ウィーンフィルもベルリンフィルも、一切触れてません・・・

このように音楽関係からの扱いは寂しい限りで、アメリカ各紙もさほど記事は多くないですが、ニューヨークタイムズなどは、その生涯と功績、そしてスキャンダルとを詳細に書いてました。
「彼のキャリアは性的不正の申し立てをめぐるスキャンダルで終わった」と書かれてます。
一時代を築いた大音楽家が、最後の最後で、しかも過去のことを掘り返されて、名声に傷がつき、ネグレクトされたあげくに病とともに生涯を終える・・・・

私は、音楽生活をレヴァインの全盛期とともに過ごした部分もあって、こんな終わり方は気の毒だし、不合理だと思う。
1回分の記事を割いて、私が聴いてきたレヴァイン、ワーグナーとマーラーに絞って思いを残しておきたい。

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レヴァインの基本はオペラ指揮者であったことと、ピアノの名手でもあったことから、歌と合わせものに特性があったこと。

1971年5月に「トスカ」でメットにデビュー。
この時の歌手が、バンブリーにコレッリですから、大歌手時代を感じさせます。
70年代は、オペラは歌手の時代から指揮者の時代に、その在り方も変わりつつあった頃。
メットの首席には73年、音楽監督には76年になります。
1975年に、メトロポリタンオペラが始めて日本にやってくるとのことで、大いに話題になりまして、その時の指揮者のひとりが、名の知れぬ人で、ジェイムズ・レヴィーンとかパンフレットには書いてあり、高校生だったワタクシは、は?誰?と思ったものです。
結局は来日しなかったのではないかな、たしか。

メットに文字通り君臨したレヴァインは、2018年に解雇されるまで、85のオペラを2552回指揮しております。
最後のメットでのオペラピットは、2017年10月の「魔笛」。
最後のメットの指揮は、2017年12月2日のヴェルディ・レクイエム。
 そのレクイエムの演奏のあと、その晩に、1968年レヴァイン・ナイトと称する秘会で、性的な辱めを受け、長く続いて死のうとまで思った、として4人の男性から訴えられるのでした。
メット側も、調査をして事実認定を取り、レヴァインを解雇、それを不服として任期分を賠償請求したレヴァインの要求額は580万ドル。
日本円で6億ぐらい?
2019年には、メット側が350万ドルを支払うことで和解してます。

 若い頃は、そんなに太ってなかったのに、巨漢になってしまったレヴァイン。
転倒して怪我したり、坐骨神経症にさいなまれていたあげく、パーキンソン病であることも判明。
メットの指揮では、車椅子から乗れる特製の指揮台で、カーテンコールも舞台に上がれず、ピットから歌手たちを賛美する映像が見られるようになりましたし、キャンセルでルイージや、ほかの指揮者に譲ったりの状況でした。

そんなわけで、長いメットでのキャリアの全盛期は、2000年の始めぐらいまでだと思います。

メットとのオペラ録音・映像は、ともかく数々あり、あげきれませんが、私はワーグナー。
DGとの蜜月が生んだ録音と別テイクの映像作品が、「ニーベルングの指環」でありまして、スタジオで真剣に打ち込んだ録音はオーケストラとしても大いに力が入っていて、その充実した歌手たちとともに、精度が極めて高いです。
音色はともかく明るく、ゆったりとした河の流れを感じさせる、大らかな語り口が、ワーグナーの音楽をわかりやすく、説明的に聴かせる。
ドイツの演奏家では、決してできない、シナマスコープ的なワーグナーは痛快でもあり、オモシロすぎでもありました。
 メットでのシェンクの具象的・伝統的演出とともにセットで楽しむべきリングなのかもしれない。
ベーレンスとモリスが素晴らしい。
 レヴァインは、バイロイトでもキルヒナー演出の「リング」を5年間指揮してますが、音楽はそちらの方がさらに雄弁で、つかみが大きい。
自家製CDRで聴いてますが、歌手はメットの方が上、オケはバイロイトの方がいい。

同じことが「パルジファル」にも言えます。
バイロイトで通算10年もパルジファルを指揮した記録を持つレヴァインですが、クナッパーツブッシュばりのゆったりとしたテンポながら、細部まで明快で、曇りないよく歌わせるパルジファルは、バイロイトのワーグナーファンには新鮮に響いたのです。
メットでのCD録音も、リングと同じことが言えますが、わたしにはドミンゴとノーマンがちょっと・・・・

メットでのレヴァインのワーグナー、タンホイザー(2015)、ローエングリン(1986)、トリスタン(1999)、マイスタージンガー(2001、2014)、リング(1989)、ラインの黄金(2010年)、ワルキューレ(2011)、パルジファル(1992)。
これだけ映像作品を持ってますが、いずれも水準は高いです。
演出もオーソドックスで、お金のかけ具合もゴージャスでメットならでは。

あと、オペラでは、若い頃のヴェルディをよく聴きました。
「ジョヴァンナ・ダルコ」「シチリアの晩鐘」「運命の力」「オテロ」ぐらいで、あとは少々食傷気味。
イタリアオペラにおける、レヴァインの生きの良さと活気みなぎる棒さばきは、70年代はクライバーと並ぶような感じでしたよ。

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レコードで一部そろえた、レヴァインのマーラー。
CD時代に、まとめて他の番号も入手し、エアチェックの「復活」もあるので、あとは「8番」だけでした。

これもまた70年代の、「新時代のマーラー」と呼ばれたレヴァインのマーラー。

オペラを親しみやすく、聴きやすく指揮する手法でもって、ゆったりとした間合いをもって作り上げたマーラー演奏。
バーンスタインの自分の側に引き寄せ自己心情とともに感情を吐露してみせたマーラーと対局にあるような、客観的かつ豊穣なサウンドにもあふれたマーラー。
さきにふれたレヴァインのワーグナーと同じく、旋律線主体にわかりやすく、複雑なスコアを解きほぐしてみた感じで、だれもが親しみを感じ、嫌みを持つことがないだろう。
深刻さは薄目で、これらのビューティフルなマーラーは、これはこれで存在感がある。
加えて、当時、マーラーには積極的だったシカゴ響と、マーラーにはそうでもなかったフィラデルフィアを指揮しているのが大きい。
オケはべらぼうに巧い!
当時、アバドとシカゴのマーラーとともに、アメリカオケにぞっこんだった自分が懐かしく、アメリカという国の途方もない力と自由の精神にほれ込んでいたものです。
 今聞くと、録音のせいか、金管が耳にキツイが、このあたり今後リマスターして欲しいが、難しいでしょうね・・・
ところが、1番と6番を担当したロンドン響も実によろしくて、アメリカオケに負けてないし、レヴァインとの一体感をこちらの方が感じたりもする。しかもロンドンの方が録音がいい。

オペラ以外の指揮の音盤も数々ありますが、ブルックナーとは無縁だったレヴァインです。
ウィーンフィルとのモーツァルトも素敵なものでした。
交響曲もいいが、「ポストホルン」が好き。

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ウィーンフィルから愉悦感にあふれた演奏を労せずして引き出したレヴァイン。

バイロイトとともに、ザルツブルクの常連となり、ウィーンフィルといくつものオペラを上演しました。
「魔笛」「イドメネオ」「ティト」「フィガロ」「ホフマン物語」「モーゼとアロン」などを指揮。
オーケストラコンサートでも常連でしたが、ザルツブルクデビューとなった1975年のロンドン響との「幻想交響曲」を今でも覚えてます。
カセットテープは消してしまったので、あの時の演奏をもう一度聴きたい。(でも難しいだろうな)

 最後に、マーラーの10番の最終場面を鳴らしつつ、レヴァイン追悼記事をここまでにします。

あとはグチです。

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オバマ政権時代から横行しだした、アメリカのキャンセルカルチャー。

歴史の流れを無視したかのように、遡って、あれは間違いとレッテルを押す。
伝統や文化も間違えとして消す。

244年の歴史のアメリカでそれをやると、限りなく該当者が噴出する。
さらには、その前建国前史にまで遡って、しいては黒人差別へと結びつけて、過去の人物を否定していく風潮が激しい。
BLMの名のもと、建国の英雄たちの銅像が倒され、「風と共に去りぬ」まで上映封印、もっともっと拒否られてます。

歴史の経緯でいまある現在と社会、そこに普通に適合してきた、各民族のことをなおざりにしてないか?
多民族国家として大国になったアメリカの本質が揺れ動いているのは、こうした、アメリカを愛し適合してきた多国籍の人々のことを無視して、あんたら虐げられてきたんだよ、とうそぶいた連中がいて、彼らの狙い通りに、アメリカがいまおかしくなってしまったことだと思う。

心の奥底にあるものを、無理やりに引っ張り出してしまうのは、共産主義の常套だろう。
アメリカは完全にやられてしまった。
それに歯向かい、本来の自由で力強いアメリカを目指したトランプは、葬り去られてしまい、操り人形のような大統領が誕生した。

レヴァインの過去のことは、完全なる過ちで、被害者として手をあげた方々には落ち度もないと思います。
しかし、半世紀前のことを芸術の晩年を迎えていた人に、犯罪としてぶつけるのはどうだろうか?
そりゃ、やったものは悪いが、永遠に許されないのか、死んでも名誉は回復できないのか?

人間だれしも、過ちや言いたくない秘密はありますよ。
レヴァインが、白人でなかったら、メットで超長いポストを独占してなかったら、もしかしたらこんなことにはならなかったかも。

そして、なによりも言いたい。
アメリカの現某大統領や、その息子。
C元大統領とか、いろんなセレブたちの、あきらかな忌み嫌うべき風説の数々、それは人道上許されざるをえないものも多々。
それを明かそうとした人々の声が抹殺され、なんたってその連中はのうのうとしている。
どうせやるなら、責めるなら、そうした連中も、過去を暴いて、徹底的に凶弾すべきではないのか!

憧れたアメリカの自由と繁栄、民主主義の先生としての存在が、完全に消え去ったと認識したこの1年だった。
この流れは、日本にも確実に来る。

レヴァインの死に思う、アメリカの終焉。

こんなはずじゃないよ。

アメリカの復活を切に望む!

あわせて日本は日本であって欲しい!

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2021年3月19日 (金)

ワーグナー「トリスタンとイゾルデ」ブーレーズ指揮

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こちらは、桜の花、とおもいきや、すももの花だそうです(たぶん)

桜がいつもたくさん咲く東京タワー近辺なので、よけいにまぎらわしいです。

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こちらは河津桜で、もう今頃は葉桜になってます。

この日は、東日本大震災から10年の日、復興応援のライトアップでした。

忘れようもないあの日のこと、多くの犠牲者の皆様へご冥福をお祈りいたしますとともに、多くのことも学んだ日本人。

きっと起こる次のことにも、心して備えなくてはならないと思います。

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鶴首して待ってた「トリスタン」
さっそく聴いてみました。

前回の記事が、「恋愛禁制」。

下の根の乾かないうちに、もう究極の愛の世界へと誘われるという、ワーグナーの呪縛世界。

「恋愛禁制」は1836年・23歳、「トリスタン」は、1854年・41歳で着想して、1859年・46歳で完成。
ミンナと結婚した年の「恋愛禁制」から、人妻マティルデ・ヴェーゼンドンクとの不倫中の時期にあたり、燃え萌えのワーグナーの「トリスタン」。
困ったもんですが、トリスタンの音楽は聴く人を魅了してはばからない。

Tristan-boukez

  ワーグナー 楽劇「トリスタンとイゾルデ」

   トリスタン  :ウォルフガンク・ヴィントガッセン
   イゾルデ   :ビルギッテ・ニルソン
   マルケ王   :ハンス・ホッター
   ブランゲーネ :ヘルタ・テッパー
   クルヴェナール:フランス・アンダーソン
   メロート   :セヴァスティアン・ファイエルジンガー
   舵取り・牧童 :ゲオルク・パスクーダ
   舵手     :ゲルト・ニーンシュテット

    ピエール・ブーレーズ指揮 NHK交響楽団
                 大阪国際フェスティバル合唱団

    演出:ヴィーラント・ワーグナー

      (1967.4.10 @フェスティバルホール、大阪)

1967年にバイロイト史上、初の海外公演ということで、日本はおろか世界でワーグナーファンの話題になった公演が、ついに正規音源化されました。
4月7日の「トリスタン」を皮切りに、4月17日の「ワルキューレ」まで、この10日間に、2作合計8公演を上演するというハードスケジュール。
固定キャストの歌手たちも大変ですが、すべてのピットに入ったN響も今思えばすごいこと。
いまでは、いろんな規約で不可能でしょう。

「トリスタン」のこの配役を見てもため息が出ますが、「ワルキューレ」もすごい、アダム、J・トーマス、デルネッシュ、シリア、G・ホフマン、ニーンシュテットでありますよ。
指揮がブーレーズとシッパースで、さすがに、このときバイロイトで指揮してたベームを呼ぶことはできなかったわけですが、後のN響とのことを考えると、スウィトナーあたりはアリじゃなかったかな。

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まず、聴いてみての感想。

録音が思いのほかに良好。
響きも分離も申し分のないステレオ録音で、音の揺れはゼロ。
ピットから響く低音も豊かで、澄んだヴァイオリンの高弦も美しい。
舞台の歌手たちの声も、混濁なくクリアーで、左右の声の位置や移動も自然。
 当時、NHKの技術が相当だったことと、今回のマスタリングが見事に成功していることを讃えたい。
yotubeには、モノクロモノラルの映像がありますが、同じ日だとすると、この音源はまったく次元が違います。
最後のフライング拍手もカットされてます。

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3回聴きましたが、ブーレーズの指揮は、聴きこむほどに、悪くないなと思うようになりました。
最初は、情もへったくれもない、ためのない飛ばしぶりに、うねりに欠けてるとも思ったのですが、よく考えたら、ブーレーズのワーグナーは、パルジファルもリングも、既成概念からの脱却をその根源にしており、今回のCDの解説書にある公演時のインタビューでも、まぎれもなくそのような発言をしてまして、大いに納得したわけです。
ちなみに、ヴィントガッセン、ニルソンのインタビューも、とても新鮮だったし、彼らの音楽がよく理解できるものだったし、N響の会誌からの記事や、諸井誠さんの当時の感想など、ほんとに、ほんとに貴重だし、興味深いものです。

さて、ブーレーズのテンポは速いのですが、それを感じさせないのは、パルジファルの演奏と同じ。
存外に歌わせるところでは、よく歌い、歌手のいいように付けてるし、1幕のラスト、2幕の二重唱からマルケの踏み込み、3幕のトリスタンのの妄想からイゾルデの到着、この3つのクライマックスの緊迫感とアッチェランドもかけたスリリングな高まりなど、これこそオペラの醍醐味と十分に思わせます。
 あとさすがのブーレーズと思わせるのは、イゾルデやトリスタンの独白に室内楽的なソロ楽器が付いたりする場面では、まさに新ウィーン楽派を思わせるような超緻密なサウンドを聴かせるとこと。
 どろどろした情念や、厚ぼったいサウンドとは無縁のワーグナー。
明確な拍子で隙がなく、冷徹だけど熱い。
これこそブーレーズのワーグナーだし、故ヴィーラント・ワーグナーが戦後、根差してきたワーグナーの在り方。
それを日本はいち早く、大阪で体験していたわけだ。

ブーレーズのバイロイト登場は、1966年のパルジファルから。
その数か月後に、日本でのトリスタン。
その後、トリスタンを劇場で指揮したことがあるか不明ですが、もしかしたらないかも・・・
ブーレーズのバイロイトは、日本から帰った67年夏、68年、70年、そのあと76~80年のリング、2005年、06年のパルジファルの合計11年。
いずれの演出も、大胆で、新機軸を根差したものであることが、ブーレーズがワーグナーを取り上げるときの判断があるのかもしれない。

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歌手では、ヴィントガッセンが圧巻。
最初から最後まで、スタミナを維持しつつ、最後の自己破滅的な爆唱ぶりまで、常に安定感があります。
昔ながらの歌唱と、現在のスタイリッシュな歌唱との橋渡しをしたような存在のヴィントガッセンのすごさを感じます。
このとき、53歳のヴィントガッセンは、1974年に60歳で早逝してしまいました。
高校生だった当時の自分、驚き、悲しんだものです。

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かたやニルソン、こちらも抜群の歌で、いつものニルソンの強くてハリのある声が安心感を持って楽しめます。
もっと繊細できめ細かなイゾルデを、そのあとの歌手たちで、たくさん聴くことができたわけですが、ニルソンの声によるイゾルデと、そしてブリュンヒルデは、わたしにとって唯一無二のものです。
ヴィントガッセンとニルソンがいなかったら、と思うとほんと怖いくらいです。

ホッターの滋味あふれるマルケ王も素晴らしい。
輝きすら感じる神々しさ。
ホッターのマルケ王は、バイロイトでは、調べたら52年、57年、64年の3回だけなので、この日本公演は実に貴重なものだ。
面白いことに、バイロイトでクルヴェナールも歌ってるホッターは器用な歌手でもありました。

あと自分には、バッハ歌いみたいに思い込んでたテッパーのブランゲーネも実によかった。
ストレートな声でイゾルデにかしずく、従順清潔なブランゲーネは素敵。
クルヴェナールは、やや好みでなかった。
懐かしいパスクーダ、あとワルキューレでフンディングを歌ってるニーンシュテットは、8公演全部に出演しているバイロイトの隠れた立役者であります。

最後にN響の獅子奮迅の演奏ぶりを、さらに大きく讃えたい。
ときおり、隙間風も吹くが、ブーレーズの指揮に文字通りくらいついていて、この熱量はたいへんなものだ。
横長のピットは、この公演に合わせて改造されたとありますが、オケの熱演をしっかりとこのCDで感じ取ることができます。
 ただ合唱は頑張ってるけど、発声が日本人的で、「ほーヘーはーヘ」になってる(そりゃそうだが)
あとついでに、ブラボーもまさに日本人的(あたりまえだが)。

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ヴィーラント・ワーグナーの舞台が見れることでも、世界的に貴重な大阪バイロイト。
2つとも、yotubeにありますが、かなり暗く、画質は遥か彼方の世界のものに感じます。
このあたりも、最新の技術で色を施したりしてリフレッシュできないものでしょうかね。
ヴィーラントの演出に関しては、解説書にあるヴィントガッセンの言葉が実に興味深く納得できるものだった。

ヴィーラントは、日本公演の前年の66年夏の音楽祭の頃からミュンヘンの病院に入院していて、10月17日に、49歳で亡くなってしまいました。
かなり前から計画されていた、日本公演は個人的助手であったペーター・レーマンが演出監督を引き継いでます。
このレーマンとホッターが、バイロイトではヴィーラントの意匠を引き継ぎました。

ヴィーラント健在だったら日本にもやってきたことと思うし、49歳の早すぎる死は惜しみてあまりあるものですね。
 愛読書ペネラピ・テュアリングの「新バイロイト」では、ヴィーラントの死の文章の中で、この日本公演のことが少しだけ書かれてます。
「きわめて壮観なヴィーラント・ワーグナーのバイロイト海外遠征が、彼の死後挙行された。もっともそのプランは、むろんずっと前から練られていたのだけれども。1967年4月、バイロイト全メンバーによる日本の大阪フェスティバル訪問がそれである。」
あとはメンバーの羅列で、詳細は触れてませんが、1966年は「悲劇の年」という章のタイトルで、1967年は「一人の舵手にゆだねられたバイロイト」という章名でありました。
さほどに、66~67年は、バイロイトにおける大きな転換期であったわけです。

諸井誠さんの文章によると、チケットは6万円(3万×2、たぶん)で、当時の感覚からいうとものすごく高額です。
サラリーマンの平均月給を調べたら、67年は36,200円でしたよ!
そして会場には、東京からの来阪観客がたくさん見受けられたとあります。
 トリスタンの日本初演は63年のマゼール、ベルリン・ドイツ・オペラですが、本場のバイロイトの歌手とヴィーラントの舞台ということで、いかに熱狂したのかがよくわかります。

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いまでこそ、日本人歌手でトリスタンを上演できるし、外来も含め、多数のワーグナー上演がなされるようになった日本。
54年前のフェスティバルホールでこの舞台に立ち会った人々の、驚きと感動と熱狂ぶりを、このCDを通じて感じます。
当時まだまだ先鋭的であった、「トリスタン」という音楽に対しても身を震わせた、自分にとっての先人たちをリスペクトしたく存じます。
日常茶飯事的に聴いてしまう、ワーグナーの音楽はおろか、日々湯水のように流れてしまう音楽を、もっと心を込めて聴くべし、と自戒の思いすら呼び起こす、そんな半世紀前の画期的な記録の復刻でした。
ありがとう、感謝です。
願わくは、「ワルキューレ」もお願いします。

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葉桜になった河津桜の次は、いよいよソメイヨシノ。

今年は早い、桜の季節。

54年前の大阪の4月は、連日雨だったそうな。

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2021年3月12日 (金)

ワーグナー 「恋愛禁制」 ボルトン指揮

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紅梅とライトアップされた東京タワー。

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もうひとつ、こちらも品種はわかりませんが、一番一般的な白の方。
芝公園にある梅園で、銀世界と呼ばれてます。
江戸時代に新宿あたりにあったものがこちらに移植されたものだそうな。

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主要作での全作サイクルは何度もやってますが、初期3作を含む全作サイクルは2度目の挑戦。
「妖精」に続いて、「恋愛禁制」まいります。
しかも、映像として出てますので喜び勇んで購入。
演出も含め、めっちゃ面白いです。

ワーグナーの完成されたオペラ第2作目。
色恋は禁止、というか、男と女がアレしたら死刑、というとんでもない法律にまつわる、ばかみたいな話の歌劇。

「妖精」を完成させたあと、すぐに「恋愛禁制」の台本と作詞にとりかかり、2年後23歳の若さで完成させたのが1836年。
同年3月に指揮者を務めていたマグデブルグで初演されたので、「妖精」初演がワーグナー没後だったので、自身の作品の初上演だった。
この初演の前、11月に熱愛中だった女優のミンナ・プラーナーと結婚し、うきうき・ラブラブ中だったワーグナーだけど、ミンナはなかなかの浮気性でその後、駆け落ちまでされちゃう。
そんな時期の「恋愛禁制」というタイトルが皮肉にも見えるのが、これもまたワーグナーらしいところ。

シェークスピアの「尺には尺を」という戯曲に基づいて、ワーグナー自身が台本を書いたもので、イタリアのパレルモを舞台にした完全な喜劇作品。
深刻なワーグナーらしからぬ、陽気な雰囲気が横溢するのは、喜劇であることと、舞台が陽光あふれるイタリアであることにもよります。

(以下、以前の自分のブログより一部コピペ)
カスタネットやトライアングルが鳴りまくるその序曲を初めて聴いたとき、なんじゃこれ??的な思いになった。
全曲は、全2幕、2時間30分、CD3枚の大作で、そのすべてが序曲的なハチャムチャイメージではなく、随所に後年のワーグナーらしい響きが聴き取れるのがうれしい。
修道女であったヒロインが修道院で祈るシーンでは、「パルジファル」やメンデルスゾーンの「宗教改革」で流れる「ドレスデン・アーメン」が響いてきて、なかなかに味わい深い。
そんな巧みな仕掛けも、よくよく聴くとたくさんあります。
後年、ワーグナーはこのオペラを「若気のいたりで、恥ずかしい」と言ったとされるが、イタリアオペラやフランスグランドオペラの影響下にあった、前作「妖精」よりも、ずっと進化している。

Liebesverbot

     ワーグナー 歌劇「恋愛禁制」

 登場人物が多くややこしいので整理しときます

総督フリードリヒ  国王外遊中で、王代行を務める。
          恋愛禁止令を発布した傲慢な人物。

若い貴族ルツィオ  禁制に怒る人物。
          ヒロイン・イザベラと恋仲になる。
          
 〃 クラウディオ ルツィオの友人で、イザベラの兄
          女性とイイことして禁制に触れ逮捕される。

 〃 アントニーノ 友達貴族仲間
 〃 アンジェロ     〃

イザベラ       両親を亡くし、修道院に入っている。
           しかし、兄逮捕の報を受け兄を救出にでる。

マリヤナ      修道院で一緒になったイザベラの幼馴染。
          総督フードリヒに捨てられたかつての恋人

ブリゲラ      総督フリードリヒの手先の衛兵隊長
          ウェイトレスのドーレッラに色目を使う

ドーレッラ     ウェイトレスさんで、ルツィオとも関係があった。
          のちイザベラのために働き、ブリゲラの求愛も受け止める

ポンティオ     居酒屋の給仕さんで、のち看守に昇格

ダニエリ      居酒屋の店主

    フリードリヒ:クリストファー・マルトマン     
    ルツィオ  :ペーター・ローダール

    クラウディオ:イルカー・アルジャユィレク  
    アントニーノ:デイヴィッド・アレグレット

    アンジェロ :デイヴィッド・イエルザレム    
    イザベラ  :マヌエラ・ウール

    マリヤナ  :マリア・ミロ    
    ブリゲッラ :アンテ・イエルクニカ

    ドーレッラ :マリア・ヒノヨーサ  
    ポンティオ :フランシスコ・ヴァース

    ダニエリ  :イサーク・ガラン

 アイヴァー・ボルトン指揮 マドリード王立歌劇場管弦楽団
              マドリード王立歌劇場合唱団
        演出:カスパー・ホルテン
         
     (2016.2.19 @テアトロ・レアル、マドリード)

     ※シェイクスピア没後400年記念上演

第1幕

 第1場

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パレルモの歓楽街で、兵士たち(警官)が酒場や遊郭を破壊していて、中から若い貴族たちが逃げ出してくる。
店主と給仕、ウェイトレスが衛兵隊長ブリゲッラに逮捕されて出てくる。
皆でくってかかるが、総督フリードリヒが出した遊興歓楽姦淫禁止令を読み上げられ、唖然とする。
そこへ、クラウディオが、恋人と一緒に寝たばかりに逮捕され、死刑を求告されるとして引ったてられてきて、皆で彼を救う手立てはないかと考える。
クラウディオは、友人のルツィオに修道院にいる妹のイザベラに窮状を伝えて助けて欲しいと言いにいってくれと依頼。

 第2場
修道院の中。
クラウディオの妹イザベラと3年ぶりに会った幼馴染のマリヤナが神に祈りをささげている。。
マリヤナは、かつて貧乏なドイツ人と密かに結婚していたが、彼が王に認められ出世してしまった、それが今のフリードリヒ、と語りイザベラを驚かせる。
そこへ、ルツィオが、兄逮捕&死刑の報をもってやってくる。
しかし、ルツィオはイザベラに一目惚れして、求婚するが、今はそれどころじゃないと、ピシャリ。
イザベラは皆で出てゆく。

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 第3場
法廷。総督がまだやってこないので隊長ブリゲッラは気を効かせて、また下心をもって、勝手に裁判を開始。
ポンティオに追放令が出して、ウェイトレスのドーレッラに禁酒法違反の罪を問うが、彼女のお色気作戦にメロメロに・・・
 その後、総督フリードリヒがやってくるが、アントーニオが現れ、せめて謝肉祭だけは許可して欲しいと誓願するが、フリードリヒは嘆願書を破り捨てる。
 次いでいよいよクラウディオの審理に入るが、若気の過ちという本人の主張を退け、死刑を宣告。
そこへ、イザベラが登場して、お願いの筋これありで、人払いを頼む。
 イザベラはフリードリヒに、ただ一人の肉親の兄を助けて欲しいと訴えるが、フリードリヒは頑として受け入れない。
怒ったイザベラは、恋をしたこともない男だ、と蔑み厳しくあたる。
一方、フリードリヒは、イザベラの美貌に目がくらみ、兄の味わった快楽を共に分かち合うなら許してつかわそう、わたしを楽しませなさい・・・。
と言うものだからイザベラは怒りまくり、皆にこの偽善をばらすと息巻く。
フリードリヒは、わしが愛を語ったと言っても誰も信じないだろうよとずるがしこさを発揮。
 そこで、皆が再登場するが、首尾が思わしくないことに落胆。
イザベラは、これはマリヤナを身代わりにしようというアイデアが浮かび、フリードリヒとの密会を約束する。

第2幕

 第1場
牢獄の中庭。
クラウディオのもとにイザベラが訪れ、兄の命乞いをしたら貞操を求められたと話すと、兄は怒り狂うが、でも生きていたいから是非そうして欲しい、と妹に言うのでイザベラもこれにはあきれ怒る。
そして、フリードリヒとマリヤナに、仮装して謝肉祭に来るようにとの手紙をしたため、ドーレッラに託す。
ルツィオがやってくるが、ドーレッラがかつて付き合っていたことを話し、彼を困らせるが、なんとしてもイザベラは守ると言い、彼女を喜ばせる。
看守になってしまった給仕のポンティオを買収して、兄に出る令状を真っ先にイザベラに渡すようにさせ、準備は整う。
 
第2場
フリードリヒの部屋。
連絡を心待ちにする心情を歌うが、愛と罪にさいなまれるバリトンのモノローグとしては、ワーグナーらしいところ。
そこへ待ちに待った手紙がやってきて、カーニバルに出かければ、イザベラに会えると喜ぶ。
でも法は曲げられない。兄クラウディオの放免状でなく、死刑執行書を書き、自分も今宵、同じ運命になるどろうが構わないと歌う。
隊長ブリゲッラとドーレッラが現れ、二人して仮装して出かけようと示し合わせる。ふたりは急接近したのだ。
 
第3場
パレルモの街の目抜き通り。
人々は禁制を破って謝肉祭に浮かれ騒いでいる。
賑やかな序曲の再現で、ルツィオを中心に浮かれ騒ぐ。
 そこへ隊長ブリゲッラが現れ、謝肉祭は禁止だ、と叫ぶので、人々は不承不承立ち去る。
ブリゲッラはさっそく仮装して、ドーレッラを探しにゆく。

イザベラとマリヤナが現れ、マリヤナを励まし、イザベラは去り、マリヤナも期待を胸にした歌を歌う。
仮装したフリードヒがそわそわと現れ、それと知ったルツィオにからかわれる。
そこへ、マリアナが合図を送り、イザベラと思い込んだフリードリヒはそそくさと付いてゆく。
ルツィオは、これを見てイザベラだと思っているから、これを追いかけようとするが、運悪くドーレッラがやってきて、ブリゲッラと勘違いしてこれを離さない。しかたがなく、接吻をしてごまかし走り去るルツィオ。
 さらに、これを見ていたイザベラはショックを受ける。
ということでまったくややこしい。

ポンペオによって真っ先に兄の令状が届き、なんと死刑執行令だったので、これを見たイザベラは怒り、ルツィオに復讐を頼むが、ルツィオはすっかり誤解しているので乗り気でない。
 そこへ、姦淫の咎で一組の男女が捕えられてくる。
仮面を取れば、男はフリードリヒ、女は自らをその妻と名乗る。

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イザベラは、これまでのいきさつを洗いざらい話し、フリドーリヒが嘘をついたと詰るが、フリードリヒは自分を死刑にしろと開き直る。
 そこで、人々は恋愛禁制の法律はもう破り捨てたから無効だ、と言ってフリードリヒを許す。
クラウディオも登場し、ルツィオもイザベラに謝罪し、修道院に帰ろうとするイザベラは、皆に止められ、かわりにルツィオの胸に飛び込む。
そのとき、国王帰国の知らせが入り、王を迎えようと謝肉祭は大いに盛り上がる。

         

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筋だけ読んだだけでも、ややこしいでしょ。
シェイクスピアの原作もややこしいが、ワーグナーの台本は、まだ未成熟ゆえか、あらゆるものを盛り込みすぎの印象を受けます。

シェイクスピアの「尺には尺を」をWikiしてみましたが、そのタイトルは「マタイ福音書」の一部の章からのものとされます。
マタイ伝7章2項~人を裁くことをやめなさい~
「自分が裁かれないために、人を裁くのをやめなさい。あなたが人を裁く同じ方法であなたは裁かれ、あなたが使う尺(量り)であなたは量られるだろう」

なるほど、まさに総督が出した法令に、自らが引っ掛かり、民衆の前に恥をさらしてしまった。
思えば、よくある話です、だって、人間だもの(笑)

ワーグナーの喜劇、後の円熟期の「ニュルンベルクのマイスタージンガー」の原型をここにとらえることもできます。
総督フリードリヒは、ベックメッサーに通じる、どこか憎めないキャラで嘘と偽善、権威主義の固まりのような人物で、のちにワーグナーが闘うことになる評論筋や反ワーグナーの連中に重ねることもできるかもしれない。
ヘルマン・プライが両方の役柄を歌って新境地を開いたのも懐かしい思い出です。

貴族のクラウディオとルツィオのお友達コンビは、マイスタージンガーのワルターとダーヴィッド。
ちょっと軽薄だけどクラウディオは、ほんとは愛に燃える一本気な男で、ルツィオは謝肉祭では、マイスタージンガーのヨハネ祭で踊り歌うダーヴィッドとまったく同じ役回りを演じる。

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お嬢様エヴァに相当するのは、強いて言えばマリアナですが、この役には夢見心地のアリアが1曲与えられてるだけで、ちょっと人物表現が弱いと感じる。
逆に、イザベラは縦横無尽の活躍で、コロラトゥーラ的なアリアもあるし、聴かせどころがたくさん。
イタリアオペラ的な存在で、ワーグナーの諸役にはあまりないタイプかもしれない。

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歌手はよく頑張ってますが、サヴァリッシュ盤に比べると非力です。
しかし、こと細かな演出に沿って歌うのも大変だったろうとも思う。

マヌエラ・ウールは、歌が少し不安定だけど、この難役をよく歌いました。
どこかで聞いたソプラノだなと思ったら、シュトラウスの「ダナエの愛」で聴いていて、同じ印象をそこで書いてた。
一番有名な歌手がマルトマン、歌とユーモラスな演技は最高でしたし、キモさまでうまく表出。

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テノール二人はまずまず、あとは、ドーレッラを歌ったスペインのソプラノ、ヒノヨーサ(と読むのかな?hinojosa)が色っぽくてお気に入りになりましたよ。
 あとボルトンの指揮するマドリードのオーケストラ、サヴァリッシュのような切れ味はないけど、明るい音色で、この作品を楽しむに不足はないもの。
序曲では、スクリーンにワーグナーの顔が映し出され、音楽に合わせて顔芸をするのがなんともユーモラスでありました。

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このDVDをこれから見ようという方は、以下はネタバレ含みますので読まないで

この映像作品、ともかくカラフルです。
ホルテンの演出舞台は、新国の「死の都」でもってとても関心したけれど、小道具の使い方が毎度うまい。
時代設定を現代にして、スマホをみんなが使いまくり。
取材のマスコミは、テレビカメラも使いつつ、スマホで写真撮りまくりだし、一般人もみんなそう。
愉快だったのは、獄中の兄と妹の会話で、対面じゃなくてスマホ電話での会話。
妹は怒って、スマホ電源をブチっと切るしで。
 あと、謝肉祭の仮装は、みんなワルキューレの世界。
総督は、ルートヴィヒ2世顔負けのワーグナーかぶれ、ミュンヘンのサッカーリーグを応援し、ビアジョッキを愛飲、さらにはマザコンか・・・
こんな風に、ドイツからパレルモに来た傲慢な総督を描いている(ように思う)。
そんな恋愛もまともにできないイタリアから見たドイツ人。
最後は驚きの女首相がルフトハンザで帰国し、ユーロをばらまき、イタリア人たちは金にひれ伏したかのように、カジノへ・・・・

こんなオチをつけるホルテンの演出は、やりすぎには感じず、ワーグナーの音楽のこの時期の単調さを助けるようなオモシロぶりでありました。

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早咲きの河津桜。

うまいこと写真におさまりました。

桜の開花の報も届くようになりました。

いろんなサイクルをやっているので、なかなか進まないワーグナーチクルス、次は「リエンツィ」。

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2021年2月27日 (土)

アイヴズ 交響曲全曲 ドゥダメル指揮

Daiba

お台場の対岸、芝浦から見た様子。

フジテレビの横はヒルトンホテルで、よく見るとその前にオリンピックの五輪がありました。

Yoyogi

こちらは、代々木の国立競技場前。

どうなっちゃんでしょうね、オリンピック。

来年の北京なんてもってのほかと思うし、その意義とともに、揺れるオリンピック。
もうこうなったら、永久にアテネでやることでいいんじゃないか?

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 アイヴズ 交響曲第1番

                  交響曲第2番

      交響曲第3番「キャンプ・ミーティング」

      交響曲第4番

  グスターボ・ドゥダメル指揮 ロサンジェルス・フィルハーモニック
                ロサンジェルス・マスターコラール(4番)

   (2020.2.20~29 @ウォルトディズニー・コンサートホール LA)

アイヴズ(1874~1954)の交響曲を全部聴く。
ありそうでなかったアイヴズの交響曲全集が、いきなり出ましたので即購入。
調べたら、全集としてまとまってるのが、ティルソン・トーマスで、バラで出てるのが、A・デイヴィス、リットンぐらいかな。
バーンスタインも全部録音してない。

そんななかで出てきたのがドゥダメル盤で、手兵のロスフィルとスタジオ録音で、しかもドイツグラモフォンから出るというナイスな企画。
この録音時、アメリカにコロナが上陸し蔓延中だった。

ドゥダメルの指揮は、これまでいつも懐疑的で、シモンボリバルと輝かしく登場したときは、まったく面白く聴くことができたけど、その後、音楽界の早すぎる使いまわしともいえる押し出しぶりが、どうも本人不在のように感じて、逆にドゥダメルの個性を感じさせるものがないものばかりに思えるようになった。
スカラ座と来日したときの演奏会など、ちょっとつまらなすぎて・・・
メータのように、ロサンジェルスでじっくりと腰を据えてオケとともに成長して欲しいものだ、と思っていたらこのアイヴズです。

4曲聴いた印象を先に書いちゃうと、ともかく明快で、音楽の隅々までに光があたっていて、アイヴズのさまざま錯綜する音たちが、どれもこれも気持ちよく聴こえるのだ。
パッチワークのように紡がれたいろんな風景が、ひとつにまとまっていくのを聴くアイヴズの音楽の醍醐味をまざまざと楽しみながら味わえます。
2CDという組物で、曲順に順番にすらすら聴けちゃうというメリットも大きい。
短期間で曲順に一気に録音することの強みもここにあり、集中力とともに、ドゥダメルとロスフィルがアイヴズを日にちを追って極めていくような感じを受けます。
4番の最後の讃美歌には、演奏者と同様に、コロナに負けないぞーみたいな神々しい感動を受けることとなります。
 デッカ時代のロスフィルの音、さらには、ジュリーニやプレヴィンのときのものと、響きがぜんぜん違うのは、やはり響きのいいディズニーホールトーンのもの。
サロネン時代も後半は、ディズニーだったけれど、それとも違って豊穣な響きに感じるのはドゥダメルの音作りにもよるのだろうか。

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ホリデー・コンポーザー、チャールズ・アイヴズ。(過去記事を少し引用)
休日作曲家なので、趣味っぽいとかはまったく言えず、実際は音楽家だった父親からみっちり教育を施されたほか、大学でも正規に作曲を学んでいる本物の作曲家。
軍楽隊長だった父の影響は、シリアスな音楽に突然割り込んでくる軍楽隊のマーチや賛美歌、街の喧騒音などの同時進行ぶりに現れている。
このあたり、同時期に活躍したマーラーの音楽にも通じるところがあるが、アイヴズがもっと独創的で大胆。
 そんな独創性が、アメリカでは絶対に受けないと考えたアイヴズは生計を立てるために保険会社のサラリーマンとなり、高業績を納め、さらに会社まで設立してしまったのは有名なおはなし。
 その合間に作曲をしたから日曜作曲家と呼ばれてしまうわけなのですが。

①1895~98年作曲の第1番。

20代初めの作は、これはまるでビゼーやプロコフィエフのような古典・ロマン派風で、かつヨーロピアン。
牧歌的なほのぼの緩徐楽章に、スケルツォ風楽章、最後はさまざまな要素が同時進行で絡む、にちのアイヴズ先取りの楽章で、打楽器も多用されにぎにぎしい。
以外に面白いぞ1番。

②1900~01年作曲の第2番。
さまざまな22曲ものアメリカの唱歌や民謡が引用されが錯綜する。
1楽章は、厚い弦でシリアスに始まり、ついでアイヴズの面目躍如たる2楽章は、元気で陽気なブラスバンド風なサウンドから、ノスタルジックで田園風かつ敬虔な賛歌とが交錯。マーラーの6番みたいなのも感じるし。
緩除楽章たる3楽章の、アメリカの方田舎を思わせる、夕暮れ時のしみじみ感は、ほのぼのと、まことにステキであります。
次ぐ4楽章は、短い橋渡しで最初の楽章の回帰で、弦ばかりでなく、フルオケ。
一転して、明るく楽しげな終楽章は、フォスターのおなじみに旋律に、懐かしい調べも交えつつウキウキと進むと思ったら、速度を落としてホルンがフンパーディンクみたいな望郷さそう、アルペンチックなソロを吹く。
また元気に走り出し快活に、でまたしみじみ調に戻り忙しいが、さきのホルンのメロディーを今度はフルートのオブリガートを伴いながら独奏チェロが奏でる。ここにはほとほと感動しますね。
で、あとは元気を吹き返し、ずんずんずんずん、お祭り騒ぎに突入し、突如の不協和音一発でオシマイ!
 楽しーーー、アメリカ・ザ・ビューティフル、なんでもありの、これぞアメリカだ。
最近は2番が一番好き。
川瀬&神奈川フィルでも新世界と組んだコンサートで聴いた。
ドゥダメルもこれは好きみたいで、なんとウィーンフィルの定期でも取り上げていて、わたしもネットで聴いたばかり。
ムジークフェラインに響くアイヴズの交響曲、観客はブラボーかましてましたよ。

③1904年作曲の第3番「キャンプ・ミーティング」
アメリカの地に入植した人々。
キリスト教を奉じながらも、聖職者や教会、集会所も場所によってはなくって、宗教への渇望が人々にはあった。
その望みを癒すために、移動集会のようなものが開催され、そこに人々は何日もかけて集まり、そこに滞在して、信じるキリスト教の集会に没頭したのだった。
それが、「キャンプミーティング」らしい。
アメリカの教会やテレビの伝道演説は、かなりアグレッシブで熱っぽいから、日常から離れた泊りがけの集会への参加は、かなり盛り上がったのではないでしょうか!
「古きよき仲間の集い」
「子供たちの日」
「コンムニオン(聖餐式)」これらのタイトルがついた3楽章形式の室内オケ向きでもあるシンフォニエッタ風の交響曲。
かなり穏健で、アイヴズが育ったニューイングランド地方の良き時代を思い起こさせる懐かしい響きに満ちている。
懐かしき1楽章、子供たちの笑顔もうかがわせるような2楽章に、敬虔な祈りの場面。
讃美歌の引用が多く、それがいろんな楽想と絡み合いながら、アイヴズならではの、一筋縄ではいかない複雑さも、実は醸し出している。

③1909~16年にかけて作曲の第4番。
4楽章形式で、第1と第4に合唱が入るがいずれも賛美歌。
寄せ集めの素材40曲以上ともいわれるが、それが最初は目まぐるしさを感じさせるが、聞き込むと徐々に旋律の出し入れが見えてくるし、いずれもアメリカ風の旋律ばかりなので、親しみやすいことに気付いてくる。
アイヴズの創作の腕が、こうして4番で確実にあがっていて、1番とは別人のようだ。
1楽章は短く、「夜を守る友よ」「はるかに仰ぎ見る」が荘重に歌われるが、どこかカオスな雰囲気で後ろ髪を引かれる美しさがある。
2楽章に至って、いよいよ複雑極まる雑多なごった煮音楽が始まる。これを紐解くのは至難の業だし、旋律を追うような聴き方の私のような人間にとって不可能に近い。
ピアノソロ、ピアノ4手連弾、調律の狂ったアップライトピアノ、オルガンといった指定のある鍵盤楽器がときに乱れ打つように弾き鳴らされ、ブラスはにぎにぎしくマーチングサウンドを垂れ流し、ジャズバンドもやってくる。
よく聴くとモーツァルトまで顔をだす。
このごった煮の状態は、副指揮者を要するが、いまの指揮者たちやオーケストラは単独でできちまうのか!
思えば、小沢さんは、70年代にこれを安々と一人でこなしていたところがスゴイ。
この2楽章を何度も何度も、そう何度も聴いたが覚えられないのが愉快すぎる(笑)
 3楽章は別人のような音楽が流れる。
フーガの手法で、讃美歌を引用し歌い紡ぎ、オルガンも加わり荘重で感動的な旋律が幾重にも重なってゆき、最後はなかなかに感動的な場面となる。
この楽章はまったくもって素晴らしく、いつまでも真摯に浸っていたい。
これぞ、これもまた、私たちが思うアメリカだ。
4楽章、冒頭は打楽器と低弦が怪しい雰囲気をかもし出す。
この楽章は、実存に対する宗教的な経験を象徴しているとされるが、最後の方で、その錯綜するオーケストラのリズムに乗せて、合唱がアカペラ風に入ってくるところは、聴いているとようやく光明が差したかのような気分が横溢し、おさまるとことに収まった感があって、安心とともに、大いなる感動を味わう。
でも、まだどこかしら不安の残る終わり方・・・・
こうしてアメリカよ、ついでに日本も難局を打破して欲しいと。

「芸術の作法」は学術的なものや決められた書式から生まれるものでなく、人生経験や日常の中から生まれてくる、というのがアイヴスの考えだったという。
まさに、この交響曲はその言葉どおりの音楽と受け止めていいのかもしれない。(以前のブログから引用)
シカゴを指揮したティルソン・トーマス盤には、この4番が引用した讃美歌が5曲収録されていて、それもともに聴くと分かりやすく理解の一助となります。

4曲のなかで、2番が一番聴きやすく好きだけど、4番の充実ぶりには叶わないし、何度聞いても味わいつくせない、いやよくわからない、スルメを噛むがごとき音楽に思うのだ。

ドゥダメル氏は、ロスフィルとともに、こうした路線を進めて欲しい。

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お台場のニューヨーク。
アメリカのオーケストラとともに、アメリカの都市探訪をシリーズ化してますが、今回はロサンジェルスながら、またの機会にといたしたく。
映画や音楽で憧れた西海岸は、いまや、わたくしのあこがれの地域ではなくなっってしまったようだ。
移民があふれ、SF市などは、どこぞの国に乗っ取られた様相を呈している。
でも、それもまたアメリカなどだと思うようにしないと、この国の在り方がどこかわからなくなる。
 他国の選挙ながら、先の大統領選には、やきもきしたくちです。
不正がとおってしまったが、政治はまた違うかたちで継続される。
自由と民主主義の国の姿を強く、いつまでも見せて欲しいと思う。
 アイヴズを聴きながら、アイヴズの愛したアメリカは、ほんとうはどんなだったんだろうと・・・・・

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2021年2月18日 (木)

シューマン 交響曲全曲 70年代

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梅の花咲く季節、その香りは春を予感させます。

去年の今頃は、まだ正体が完全にわからなかった疫病に恐怖の募る日々だった。

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ちゃんと季節はめぐり、今年も梅の花、あと1か月もすると桜の花が咲き誇ることとなります。

さぁ、シューマンの交響曲を聴こう。

なんか春にふさわしいシューマンの交響曲。
そんなに長くないので、全部、それも懐かしの70年代の演奏で聴くの巻。

Schumann-levine

  シューマン 交響曲第1番 変ロ長調 op.38 「春」

 ジェイムズ・レヴァイン指揮 フィラデルフィア管弦楽団

       (1978.12.30 スコテッシュ聖教会 フィラデルフィア)

RCAとEMIから録音が始まり、若きMETの指揮者としてブレイクした70年代のレヴァイン。
マーラー・シリーズと並行して、シューマンとブラームスの交響曲全集を録音しましたが、当時の音楽誌では、けちょんけちょんにされちまいました。
CD時代になってから聴きましたレヴァインのシューマン、ベルリンフィルとの再録は聴いたことがありません。
1番「春」にふさわしい、明るく、ともかく明るい、屈託ない音楽にあふれてます。
しかしながら、シューマンのぎくしゃくしたオーケストレーションが、こんなに鮮やかに、かつ自然な感じで聴けるのも、根っからのオペラ指揮者レヴァインらしくて、内声部がフィラデルフィアの優秀な奏者たちでもって、実に豊かに聴こえます。
新鮮で楽しいシューマン、あとは3番がよかった。
 いまは、いろいろアレなレヴァイン、思えばこの時期のレヴァインが一番よかった。と思う。


Schumann-sawallisch

  シューマン 交響曲第2番 ハ長調 op.61

 ウォルフガング・サヴァリッシュ指揮 ドレスデン国立歌劇場管弦楽団

      (1972.9 ルカ教会 ドレスデン)

音楽愛好家なら一家にワンセット、もしかしたら必ずあるのがサヴァリッシュ&ドレスデンのシューマン。
EMIさん、よくぞこの録音を残して下すった。
絵にかいたように素晴らしいシューマン。
スタイリッシュなサヴァリッシュの指揮は、同時にシューマンの音楽に堅牢なたたずまいと、襟を正したくなる高貴さをもたらしている。
ドレスデンの古風さを保った音色は、今では聴けない独逸の響きも聴かせつつ、でも鮮明で曇りひとつない。
ティンパニのスコーン、という連打も実に心地よく、シューマンの2番の魅力を、録音も含めて、これほど豊かに味わえる演奏はないのではと思います。
 4つのシューマンの交響曲のなかで、最初は一番とっつきにくかった2番が、いまでは一番好きです。
シノーポリとメータのウィーンフィル、最近のアバドの演奏と並んで、好きな演奏がサヴァリッシュ盤。
あと思い出深いのがNHKで見た、バーンスタインとPMFオケとのもので、これは巨大な歩みを感じさせる恐ろしい演奏でした。

Scumann-barenboim

  シューマン 交響曲第3番 変ホ長調 op.97「ライン」

 ダニエル・バレンボイム指揮 シカゴ交響楽団

      (1977.2 シンフォニーホール シカゴ)

バレンボイム30代なかばでのシューマンは、DG専属になって、シカゴ響とブルックナーの録音やオーケストラ名曲などを続々と録音した70年代半ば。
レヴァインがマーラーを取り上げた一方、バレンボイムがブルックナーというところが、まさにこの二人の指揮者の持ち味の違いで、シューマンの演奏も、そうしたスタンスが反映された感じです。
重心はやや下の方にあって、ピラミッド型の音響構造ながら、自在なところも多々あり、かなり感興に富んだ指揮ぶりに感じ、恐ろしき30代という思いを抱く。
老成した感じを受けないのは、フレッシュで技量満点のシカゴ響のバリっとした音色と響きがあるからかもしれない。
しかし、バレンボイムとシカゴのシューマン、4曲ともに面白く、ある意味とらえどころもないところが、結果的にシューマンしてる感じなのだ。
レヴァインと同じく、バレンボイムはのちに、ベルリンの手兵と再録があるが、そちらは聴いたことがありません。

Schumann-mehta

  シューマン 交響曲第4番 ニ短調 op.102

 ズビン・メータ指揮 ウィーン・フィルハーモニー管弦楽団

    (1976.6 ソフィエンザール ウィーン)

作曲順では違うけれど、最後の4番は、ウィーンフィル。
デッカで聴く、ソフィエンザールのウィーンフィルの音色、その期待されたイメージ通りの録音に演奏。
もう40年以上前の録音だけど、分離もいいし、音が実にいい。
加えて、柔らかなウィーンフィルの管と艶やかな弦、マイルドな金管に、鮮やかなティンパニ。
ウィーンフィルの魅力がまじまじと味わえるシューマン。
この時期のこのオーケストラの良さを、素直に引き出すことができたのがズビン・メータの指揮だったと思う。
恰幅のよさと、切れ味のよさもさることながら、そうしたメータの個性とともに、オーケストラから先にあげたウィーンの特質をさりげなく引き出してしまう自然体ぶりがよい。
ともかく、気持ちのいいシューマンです。
4番らしい晦渋さは抑え目で、優しく微笑む4番って感じで、同時に疾走感もよろしいのです。

70年代男は、その時期のシューマン演奏がお好き。
80年代は、ハイティンクとバーンスタイン、エッシェンバッハです。

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梅と神社。

いつもお詣りするときは、疫病退散、日本安泰、家族健康を祈念します。

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2021年2月 7日 (日)

プッチーニ 三部作 フレーニ

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暦は春、2月4日が立春でした。

しかし気候は一進一退、極寒になり、また穏やかな陽気になり、繰り返しつつ春になります。

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わたしの郷里では、もう菜の花はおしまい。

次は桜を待つばかりです。

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 プッチーニ 三部作

   ミレッラ・フレーニ

 ブルーノ・バルトレッティ指揮 フィレンツェ五月音楽祭管弦楽団
                フィレンツェ五月音楽祭合唱団

       (1991.7~8 @ヴェルディ劇場、フィレンツェ)

昨年2月8日に、ミレッラ・フレーニが亡くなり1年が経ちました。

プッチーニの3部作のヒロインをフレーニがすべて歌った一組を。

ヴェリスモに典型の痴情による悲劇、静謐な宗教劇、皮肉とユーモアのきいた喜劇。
この性格の異なる3つの1幕もののオペラを三部作としたプッチーニの天才性は、その素晴らしい音楽の描き分け方にも十分にうかがえる。
 しかし、この3作がなかなか同時上演されにくいのは、よく言われるように、その登場人物の多さで、しかも劇の性格が違うゆえに、歌手に求められるものも3作ともに違う。
3作のソプラノ歌手は、リリコ・スピントとリリコの声が求められる。
円熟期のフレーニは、それをこなせる希少な存在だった。
デッカにはかつて、大ソプラノ、テバルディが3役を歌ったガルデッリ盤があり、そのあと同じフィレンツェのオーケストラを使ったこちらのバルトレッティ盤が残されたのは、フレーニ・ファンとしてもほんとうにありがたいことです。
レナータ・スコットのマゼール盤では、ラウレッタ役はより軽いコトルバスに変わっていて、3役を歌った音盤は、テバルディとフレーニだけ。
私の舞台体験は2008年のプッチーニの生誕150年に上演された日本人だけの上演のみで、数年前の二期会公演は逃してしまいました。
あらすじなどは、パッパーノ盤の過去記事に手をいれたものを再褐してます。

  プッチーニ 「外套」

   ミケーレ:ホアン・ポンス  
   ジョルジェッタ:ミレッラ・フレーニ
   ルイージ:ジュゼッペ・ジャコミーニ  
   ティンカ:ピエロ・デ・パルマ
   タルパ :フランコ・デ・グランディス
   フルーゴラ:グロリア・スカルキ
   小唄売り:リカルド・カッシネッリ
   二人の恋人:バルバラ・フリットリ
         ロマーノ・エミリ

<パリのセーヌのほとり。海運を細々と営むミケーレ親方と妻ジョルジェッタ、働き手のルイージと仲間たち。

 仕事を終え煙草をふかすミケーレ、ジョルジェッタのつれないそぶりに心は浮かない。
ジョルジェッタは、仕事を終えたルイージや仲間たちに酒を振舞い、楽しい雰囲気。
仲間の妻は、田舎で旦那とつましい余生を送りたいと歌い、ジョルジェッタは、自分やルイージはパリの郊外の生まれで、こんな水辺での浮き草のような生活は早く終わりにしたいと歌う。そして、愛を交わしあい、密会を約束しあう二人。ルイージは熱い思いを歌う。
 寝ずに火照りを覚ますジョルジェッタにミケーレは、ふたりの間の亡くなった子供のことを話し、ふたたび「自分の外套に包まれればよい」と、やり直しを迫るが、またしてもそっけない妻。もう老いぼれた俺じゃだめなのか?と説得を試みるも・・・・
 一人になり、「売女奴め!」と怒り震わせ、男をひっとらえてやると、豹変するミケーレ。
煙草に火を着けるが、それを同じ合図と勘違いしたルイージが船にやってくる。
「ははぁん、お前か」「違う、あっしじゃありやせん」「いやテメエだ!」と押し問答の末、絞殺してしまう。物音に出てきたジョルジェッタ、夫の怪しい雰囲気に怖くなって、以前のように「喜びも悲しみも包んでしまうといった、外套に私を包んでよ」とおねだり。
「そうさ、時には罪もな!俺のとこへ来やがれ・・・」と外套から転がりでたルイージの死体にジョルジェッタの顔を無理やり押し付ける。
凄まじい悲鳴とともに幕。>

まだ駆け出しだった、フリットリの名前が3作いずれもあるのがうれしい。
ジャコミーニも新鮮な歌声。
なによりもフレーニの不安と安泰とに揺れ動く心情表現が細やかでいい。
ポンスの美声もいいが、このオペラ、妻が25歳、夫が50歳、間男が20歳の設定なので、ポンスさん若すぎに感じます。
 それにしてもよく書けてる音楽。
霧に煙るセーヌ川のパリな雰囲気、場末感や強殺の残忍さなど、不協和音や印象派風な手法を用いて見事に表出したプッチーニ。

  プッチーニ 「修道女アンジェリカ」

   修道女アンジェリカ:ミレッラ・フレーニ
   侯爵夫人 :エレナ・スリオティス
   修道院長 :グロリア・スカルキ
   修女長  :エヴァ・ポドレス
   修錬長  :ニコレッタ・クリエル
   ジェノヴィエファ:バルバラ・フリットリ
   オスミーナ:ヴァレリア・エスポジト
   ドルチーナ:アルガ・ロマンコ
   看護系修女:デボラ・ベロネシ ほか

<時は17世紀、トスカーナ地方のとある修道院。

 修道女アンジェリカは、フィレンツェの公爵家の娘ながら許されぬ子を宿し産んだため修道院に入れられ懺悔の日々を送っている。
修道女たちの祈りの合唱。修道女ジェノヴィエッファが中庭の泉に太陽の光が差し金色に輝くのを見つけ、マリア様の奇蹟が訪れるのよ、と沸く。
しかし、1年前にある修道女が亡くなったことも思い出す・・・・。
アンジェリカは生あるうちに花開き、死には何もないと語り、願いはないと語るが、皆はその言葉を信じず彼女の身の上話をささやく。
そこへ、修道女のひとりが蜂にさされ怪我をしたと騒ぎになるが、薬草に詳しいアンジェリカが秘伝の治療法を託す。
そこへ、アンジェリカの伯母の公爵夫人が立派な馬車でやってくる。修道院長から呼ばれ、接見するが、意地悪な伯母から、アンジェリカの妹が結婚することになりその遺産分与の同意を得にきたと伝えられる。家名を汚した姉の償いを妹がするのだとなじる。
7年前に生んだ坊やの消息を必死に尋ねるアンジェリカに、公爵夫人は2年前に伝染病で死んだと冷たく答える。その場に一人泣き伏せるアンジェリカ。
「いつ坊やに会えるの?天であえるの?」と、あまりにも美しいアリア「母もなく」を楚々と歌う。
彼女は、死を決意し、毒草を準備する。
毒薬を服し、聖母に自決の罪の許しを必死に乞うアンジェリカ。
そこへ天使たちの歌声とともに、眩い光が差し、聖母マリアが坊やを伴なってあらわれ、死にあえぐアンジェリカの方にそっと差し出す。にじり寄りつつ、彼女は救われ息を静かに引き取る・・・・・。>

もう、そもそもが涙なしには聴けない音楽。
「外套」の残忍性は影を潜めて、ここでは宗教秘蹟にふさわしく、抒情的で繊細かつ神秘的な音楽と、蝶々さんを思わせる哀しみと悲劇性もある音楽です。
修道院の無垢な雰囲気を醸し出す鳥のさえずりや、パルジファルを思わせるような浄化感もこのオペラの特徴です。
ともかく「母もなく」のアンジェリカのアリアはとてつもなく美しく、そして悲しみにあふれていて、これを歌うフレーニの声と感情の込め方はもう絶品であります。
3作のなかでは、一番フレーニに合った役柄だから余計に素晴らしい。
 そしてデッカらしい、味わい深い隠し味が、エレナ・スリオティスが意地悪な侯爵夫人役で登場していること。
喉の障害で一線から退いていたスリオティス、その声はお世辞にもいいとは言えない状態ですが、実に真実味があって迫真そのもの。
   
   プッチーニ 「ジャンニ・スキッキ」

    ジャンニ・スキッキ:レオ・ヌッチ
    ラウレッタ  :ミレッラ・フレーニ
    ツィータ   :エヴァ・ポドレス
    リヌッチオ  :ロベルト・アライサ
    ゲラルド   :リカルド・カッシネッリ
    ネルラ    :バルバラ・フリットリ
    ケラルディーノ:バルバラ・グエッリーニ
    ベット    :ジョルジョ・ジョルジェッティ
    シモーネ   :エンリコ・フィッソーレ
    マルコ    :オラツィオ・モーリ
    チエスカ   :ニコレッタ・クリエル  ほか
    
<1229年のフィレンツェ。ブオーゾ・ドナーティの家にて。

朝のドナーティ家、当主ブオーゾはすでに亡く、一族が取り囲んで神妙に泣いたふりをしている。膨大な遺産を期待する面々が、巷の噂の寄付ということを聞きつけて集結している。
きっと遺言状があるだろうということで探しだしてみると、噂どおりの全額教会寄付。
坊主だけが潤うと、一同は大騒ぎに。
そこで、リヌッチオは、許婚の父ジャンニ・スキッキに知恵を借りようと提案するが、策士だとして賛同を得られない。
リヌッチオは、いまのフィレンツェには、スキッキのような大胆で斬新な人物として街とともに称賛するアリアを高らかに歌う。
そこへスキッキと娘のラウレッタ登場。貪欲な一同に呆れ、こんな奴らに協力したくないと、ソッポを向いてしまうスキッキ。
しかし、愛娘が「私のお父さん」のアリアを歌い、その父の心をメロメロにしてしまう。

「私は、この人が好きなの・・・・、愛の指輪を買いに行きたいの・・・、もし愛することがだめなのならば、ポンテヴェッキオに行きます。そこで身を投げます。恋が私の心を燃やし苦しめるの、どうぞ神様死なせて下さい、お父さま、どうぞお哀れみを・・・」こんな掟破りの歌を娘に歌われ、お父さんはさっと心変わり。

「さあ、遺言状を貸してごらん」と、スキッキ。
この一族以外に誰も当主の死は知らない。では、自分がブオーゾになるまでと、そこへ、医師が回診にやってくるが、声音を使って見事にやり過ごすスキッキ。
自分がなり代わって遺言状を書き換えるまでよ!と巧みなアリアを歌う。
一同は感嘆し、それぞれの相続の思惑をスキッキに語りまくる。スキッキは、もしこの語りがバレたら法的には一同は手首をちょん切られると警告。ははっ!
 やがて公証人がやってくる。
すべての遺言のたぐいは今破棄し、これより語ることが唯一の遺言と、偽ブオーゾのスキッキは声音で語りだす。
遺産のそれぞれを一族の思いのままに語り、一同から小さくブラボーを得る。
そして、一族の関心のハイライト、「フィレンツェの勇壮な自宅と製材所、ロバなどの資産価値の高そうなアイテムは、なんと親友の「ジャンニ・スキッキ」に、とのたまう。
 苦虫をかみ締める一族たち。
公証人には、頭のなかで今考えたことを言ってるだけですよと言い、公証人は大いに賛同納得して去る。
 さあ大騒ぎの一族、とんでもない泥棒、ごろつき、うそつきと悪態の限り、スキッキは私の地所から出てゆけと命令!
一族は「あぁーーー!」、スキッキは「出てゆけーーー」の応酬。
 こんな騒ぎをよそに、恋の成就に熱くなる二人の恋人がフィレンツェの街を称える。
スキッキは語りでこんな洒落た口上を述べ幕となる。

「皆さん、ブオーゾの資産がうまく処理できましたかどうか。こんなやり口で、私は地獄行きの憂き目に会うでしょうが、偉大なるダンテのお許しを得て今宵お楽しみいただけましたらお許しください。どうぞ、情々酌量のうえ」>

そう、ほんと落としどころがドラマの筋も音楽もオシャレなんです。
ルネサンス期の新しい風や人物をうまく喜劇という枠で生かしている。
プッチーニの唯一の喜劇は、よく言われるように、晩年でヴェルディが「ファルスタッフ」を生んだように、そこから刺激を受けたとされる。
1時間のドラマのなかに、人間の腹黒さとそれを巧みに利用する狡猾さ、それと若い純粋な恋人たち、それらの人物たちを抱擁する街フィレンツェ、これらを描いてます。
悲劇・秘蹟と続いて、音楽はまるで一転、軽やかで明るい、イタリアの空を感じさせます。
 このおもしろオペラのなかに、きらりと光る暖かな涙と微笑みさそうラウレッタのアリア「わたしのお父さん」。
愛くるしくフレーニによって歌われると、思わず涙ぐんでしまいます。
30代の頃の彼女のプッチーニのアリア集も好んで聴きますが、あの頃の清純そのものの歌とはまた違って、表現の幅が広がり、その豊かな声に包まれるような思いがします。
 出始めのころのアラーニャも輝いてますね、テノールを聴く喜びが味わえます。
そして、レオ・ヌッチの巧みなジャンニ・スキッキには、ときに笑えるし、皮肉も脅しもたっぷりで、その技量のたくましさは、ヌッチのような歌手がいることを日本が知ったスカラ座の来日公演のフィガロ、あのときのイメージそのものでした。
 さてここにもデッカの隠し味が。
解説書に書いてありましたが、亡くなったブオーゾの甥の息子役に、スリオティスの娘(当時少女)が登場してます。
さらに、ベテラン指揮者バルトレッティのアシスタント指揮者として、これまたスリオティスの旦那さん、マルチェロ・グエッリーニがこの録音に参加してます。
 録音プロデューサーのひとりは、クリストファー・レイバーンの名前があり、カルショウなどとともに、デッカのオペラ録音の歴史と流れを感じることができます。

まさにフィレンツェのオーケストラを起用したデッカ。
プッチーニを得意にしたフィレンツェ生まれのバルトレッティの起用も正解だったと思います。
当時、フィレンツェのポストにあったバルトレッティですが、指揮者が中心のオペラ録音でなく歌手主体に組まれた録音でよく起用されて、その職人技と現代的な感覚が、とくにヴェリスモ系で強みを見せていたと思う。
ヴェルディでも、オーケストレーションが独特な「仮面舞踏会」なんかもよかったです。
この3部作の、それぞれの特徴を巧みに描きわけて表出しているし、さりげない歌手の引き立て方も、オペラティックな雰囲気豊かなオーケストラとともに味わい深いものがありました。

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わたしの郷里の自慢は、海と菜の花、そしてその温暖な風土です。

ミレッラ・フレーニが亡くなって1年。

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2021年2月 4日 (木)

ドビュッシー 前奏曲集 ベロフ

Entoku-01

静謐な庭園と絶妙の日本の間。

人がいなくなるのを待ちましたが、こうしてじっと眺めてしまうのもわかります。

時が止まった感を抱きます。

Entoku-03

昨年晩秋に訪れた京都、圓徳院。

秀吉の菩提寺である高台寺のなかにある院で、北政所ねねが後半生を過ごした場所です。

Debussy-beroff

  ドビュッシー 前奏曲集第1巻・第2巻

    Pf:ミシェル・ベロフ

     (1970.6~7 @サル・ワグラム@パリ)

ショパンの音楽を愛し、敬愛したドビュッシーもまた、ショパンにならって24の前奏曲を作曲しました。
絶対音楽ではなく、標題音楽でもない、まさに印象主義的な音楽、ドビュッシーの神髄のような作品です。
全24曲それぞれに題名は与えられているが、曲頭にあるのでなく、曲の終わりに、さりげなく書かれているそれらの標題。
まさに聴いてみて、弾いてみて、そのように感じて欲しい、味わって欲しいという思いからだとか。
標題から入ると、その印象にまず左右されてしまうものですから。 
 だから、わたしは、いつもドビュッシーの音楽は感じる、受ける、そんな気持ちで聴きます。
同じようにディーリアスの音楽も聴きます。

24曲を12曲づつ2巻に分けて、第1巻は1909~1910年の短期間に、第2巻は1910~1913年にゆっくりと作曲。
前者の方がとっつきやすく、抒情性が濃く、後者の方は円熟の度合いが増し、技巧的に厳しい考え抜かれた様式の作品集となってます。

各曲の題名は邦題でしか知ることはできませんが、いずれもうまく訳したものだと思いますし、いかにもドビュッシーな感じです。

第1巻

①デルフィの舞姫       ②帆        ③野を渡る風   
④音と香りは夕暮れの大気に漂う⑤アナカプリの丘  ⑥雪の上の足跡 
⑦西風の見たもの       ⑧亜麻色の髪の乙女 ⑨とだえたセレナード 
⑩沈める寺          ⑪パックの踊り   ⑫ミンストレル

第2巻

①霧             ②枯葉       ③ヴィーノの門       
④妖精たちはおでやかな踊り子 ⑤ヒースの茂る荒野 ⑥奇人ラヴィーヌ将軍 
⑦月の光がふりそそぐテラス  ⑧水の精      ⑨ピックウィック卿讃頌 
⑩カノープ          ⑪交代する3度    ⑫花火

それぞれを聴いた後、このタイトルを確認するようにして聴きます。
24曲のタイトルを全部覚えて、聴いた瞬間に、これは〇〇とかわかるリスナーがいたらもう大尊敬であります。
私は、第1巻の最初のほうと、亜麻色と沈める寺ぐらいかな、第2巻なんてさっぱり結びつきませぬ。
だからもう、タイトルなんてかなぐりすてて、ドビュッシーの紡ぐ音楽に身を任せるのも、この作品集の聴き方のひとつかもしれません。

そう考えてきたら、ドビュッシーの音楽はみんな模糊としたものに感じられてきた。
これまで多く聴いてきたドビュッシーがなんか遠くへ行ってしまった。
唯一近くに感じられ、その音楽の輪郭線も身近に感じられるのは「ペレアスとメリザンド」で、オペラで物語があり、言葉があることがリアルだからなのか・・・
なにを書いてるんだかわからなくなってきた、いやこの感覚がドビュッシーなのかも。
明確なものは少なく、印象でもって人の感覚に訴えてくる音楽。
空に浮かぶ雲や、夕暮れの凪の海、遠くの野山などをぼんやりと眺めて聴くのがオツというものだ。

変なことばかり書いてますが、全24曲、全部が特徴があり、その受け止めも人それぞれだろうが、「沈める寺」に着眼し、オーケストラ版を作ったストコフスキーはすごいと思います。
キラキラしすぎかもしれないが、静かに始まり、だんだんと重層的に厚みを増して行く響きが、まるでオルガンのようでもあり、寺院の荘重な鐘のようでもあるこの作品の在り方を、オーケストラで完全に再現してみせます。
わたしには、シュレーカーの音楽を思わせました。。
全24曲が、思えば、そんな豊かな響きと、想像力を刺激するイマジネーションを持っているんだと思います。

今日は、懐かしいミシェル・ベロフの若い日々の演奏で聴きました。
10代初期に、メシアンを驚かせた早熟のベロフは、ドビュッシーと、そのメシアンの専門家みたいにしてEMIに多くのレコーディングを残しました。
20歳のときの録音とは思えない落ち着きとともに、青春の輝きのような、1曲1曲に感じながらの新鮮な響きを聴かせてくれます。
曖昧さのない明晰なピアノは、これが出た70年代の当時、驚きをもって迎えられました。
懐かしいです。
同じころに登場した若いピアニストで、ジャン=ルドルフ・カーロスがいて、彼はユダヤ系でインド生まれ、フランスに育って、同じくドビュッシーとメシアンを得意にしました。
カーロスの前奏曲集もデッカから発売されて、ベロフかカーロスかで話題になったのもよく覚えてます。
ちなみに、幣ブログでは、カーロスのディーリアスのピアノ協奏曲を取り上げてます。
そのカーロスは、早くにピアニストを辞めてしまい、86年に聖職者になったようです。
ドビュッシーとメシアンを好み、極めて宗教の道へ・・・なんかわかるような。

ベロフの方は、同じ80年代にヨットレースで右手首を負傷し、両手でピアノが弾けなくなってしまう。
87年にアバドの指揮でラヴェルの左手協奏曲を録音して驚かせましたが、その後苦行のリハビリを経て完全復活したのが1995年。
ロンドン交響楽団のブーレーズ・フェスティバルでの、バルトークの2番の協奏曲で予定されていたポリーニが病欠。
代わりに登場したのがベロフだったとのこと!
なんかすごいです、しかも難曲で打鍵の激しいのバルトーク!
以来、復活したベロフはドビュッシーの再録音も行いましたし、日本にも何度もやってきてますね。
円熟のベロフのドビュッシーは実は未聴で、聴いてみたい気はしますが、わたしには20歳のベロフのドビュッシーのままでいいかと思ったりしてます。
ミケランジェリとかポリーニも聴いてますが、これが一番好き。

Entoku-02

ドビュッシーな雰囲気を感じ取れる(かな?)

ともかく美しかった。

Entoku-05

ことし、初夏の頃にはまた訪れます。

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