ベートーヴェン ピアノ協奏曲第１番 ルービンシュタイン

眩しくも鮮やかな新緑。

緑は、いまが一番、空にも、街にも、映えますね。

もうじき梅雨を迎える、濃くなる前の、そんな前の緑が美しい。

若々しい、緑のような音楽を。



　　 ベートーヴェン　　ピアノ協奏曲第１番 ハ長調 op15

　　　　　　　　Ｐｆ：アルトゥーロ・ルービンシュタイン

　　　ダニエル・バレンボイム指揮 ロンドン・フィルハーモニック管弦楽団

　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　（１９７５．４．９　ロンドン）

ベートーヴェンの５つのピアノ協奏曲のうち、何番がお好きですか？

そんな質問があったら、クラシック聴き始めの自分だったら、１番か５番。
そのあと、そこそこ、クラシックに馴染んだ自分だったら、４番。
そして、いま、普通もいいけど、それじゃすまない、多方面外交にうつつをぬかす自分だったら、１番か３番。

聴き始めのころの好印象の１番が、いまのヲタク聴き的な自分からしても、かなりのお気に入り位置にいることに、妙にうれしかったりします。

調和のとれたハ調、モーツァルトの協奏曲の延長上にありつつも、ベートーヴェンならではの、キリッとした表情と、青年の主張的な爽やかさと、たどたどしさ。
　１番には、そんな清潔な美感と、旋律の美感があふれているんです。

１７９４年、ベートーヴェン２４歳のときの作品は、出版の関係から、２番の方があとになったが、実は、この１番の方が後年の作品。
１番・２番ともに、古典的でありますが、作曲家の思いを強くしみ込ませ、後の、ロマン主義の萌芽を、より見出すことのできるのは、１番の方。

うららかな歌と、抒情にあふれた３つの楽章を、晩春に聴くと、寂しさよりは、これから始まる自然の爆発を、より強く感じることができます。
　とりわけ、たおやかな第２楽章がステキです！

ルービンシュタインは、この録音時、すでに８８歳。
生涯に３度のベートーヴェンのピアノ協奏曲全集を残したルービンシュタイン。

５６年に、クリップス＆シンフォニー・オブ・ジ・エア～５６歳
６３年に、ラインスドルフ＆ボストン響～７６歳
７５年に、バレンボイム＆ロンドン・フィル～８８歳

どうです、この履歴。
人間の生きざまの、可能性として、こんなに嬉しい年代の記録ってないです。

８８歳の老人（失礼）が、かくしゃくと、寸分たがわず、明晰に弾くベートーヴェン。
そして、そここに、味わいのある、タメやフレーズの歌い回しが。

これはもう、なにをかいわんやの世界です。

ほかの番号も、同様に素晴らしいのですが、８８歳の老齢の巨匠が、２４歳の作曲家の曲を、いかにも、昨日今日出会ったかのような、新鮮なタッチでもって演奏する、そんな１番が、とっても美しく、鮮やかなんです。

指揮に、バレンボイムというのも斬新な７０年代半ば。
バレンボイムは、アシュケナージとならんで、ベートーヴェンのピアノ協奏曲の、ピアノ弾き語りと、ピアノ独奏、オケ指揮という、文字通り多方面の顔を、ＣＤに刻んだ、最初の超人であったと思います。

流れと、勢いにまかせて、今宵は、このコンビの演奏で、３番なんぞも、聴いてみようと思ってます！

しかし、歳を経て、年代と共に、アダージョなどの緩徐楽章にこそ、心奪われるようになってきました。
ちょっとの、ギャラントさも残す、１番の２楽章が、この演奏では、このうえなく、達人の演奏の域に思えるのでございました。。。。

ビゼー 「アルルの女」 バレンボイム指揮

いま、もっとも盛りの紫陽花です。

アジサイには、いろんな品種があって、しかもパステル調の色合いが、梅雨の時期にぴったり。



じめじめのところにも、道端のほこりだらけのところにも、日の当たる乾燥したところにも、紫陽花は、どこでも強いのであります。

いまの季節、雨の中でも、梅雨の中休みの晴れ間でも、楽しませてくれる紫陽花たちなのでした。



　 ビゼー　　「アルルの女」組曲　第１番

　　　　前奏曲、メヌエット、アダージェット、カリオン

　　ダニエル・バレンボイム指揮　パリ管弦楽団

　　　　　　　　　　　　　　　（１９７２．１０　パリ）

何故か、ビゼーが、そして「アルルの女」が聴きたい気分。

そして、第１組曲しか録音してくれなかったので、ちょっと残尿感も残る（？）音盤で。

ビゼーがドーテの「アルルの女」に劇付随音楽をつけたのが、全部で２７曲。

初演はイマイチの評判だったし、全作が録音されることは、いまでも極めて稀ですが、ビゼーが自信を持って、それらのなかからセレクトした４曲が、この第１組曲。

メヌエットやファランドールが入ってる第２組曲は、友人で、「カルメン」をレシタティーボ付きの華やかなスタイルに補筆したギローが、作者の死後に選んだものです。
　しかも、フルートの美しいメヌエットは「美しいパースの娘」からの転用であります。

ですから、ビゼーのオリジナルの意思を反映しているのは、第１組曲のみ、ということになり、ここで、若きバレンボイムが、そうした選択をしているのは、ひとつの見識でもあります。

まだフルオーケストラを指揮しはじめて間もない頃のバレンボイム。
ありあまる才気を、そこに爆発させているかといえば、必ずしもそうではなく、思いのほか慎重で、爽やかですらある半面、低音もずしりと響かせ、旋律線も、場面によってはねばりを見せたり、曲に切り込もうとする意欲がヒシヒシと出ております。
　そんな、多面性が妙に面白かった、若いころのバレンボイム。

せっかくのパリ管を使っておきながら、お洒落でも、おフランスでもなんでもない。

でも、このオケの管の独特の華やかさと、美しさは、充分に感じられますよ。
ＥＭＩの録音も、ここでは悪くはないです。

前奏曲のサキソフォーンの歌いぶり、アダージェットの美しい表情。
そして、わたくしの大好きな２曲、メヌエットとカリオン。
夢のような中間部が素敵なメヌエットに、輝かしいカリオン。
そして、全曲にわたって、どこか暗い影も漂わせるのがバレンボイムの指揮。

そもそも「アルルの女」の物語は、極めて血なまぐさくて、南フランスの血の濃さ。
たぎる情熱が、まるで、南イタリアのようで、イタリアオペラにいう、ヴェリスモみたいな現実の痴話物語でもあるんです。
チレーアの同名のオペラで、その筋を紹介してますので、あらすじだけでも読んでみてください。バカらしくなります。　→チレーア「アルルの女」

ですから、きれいきれいに仕上げるばかりでなく、そんな暗さをも引き出すのも、指揮者の解釈のひとつかもです。

「アルルの女」にも、いろんな楽しみ方があるもんです。
定番のクリュイタンス、明るい歌の満載のオペラティックアバド、ピュアな爽やかマリナー。
これらも大好きです。



ネットで、オリジナルジャケット見つけました。

懐かしいな。

そして、あたりまえだけど、若いな、バレちゃん。

シェーンベルク 「清められた夜」 バレンボイム指揮

低気圧の去ったあとの、急激かつドラマティックな夕暮れ時を捉えることができました。

夕焼け大好き男が、そのフェイヴァヴァリット嗜好をはぐくんだのは、この場所。

実家の家の、２階にあった自分のお部屋から見た夕焼け。

かつてはなかった建物もありますし、木々が変化して、富士山の頭も見えなくなってしまったけれど、小さな街が海から北側に開ける様子を、こうして横から眺めることができます。

右手は丹沢・大山山系、左手は吾妻山です。

夕暮れ時は、窓から見えるこんな景色を眺めながら、ワルキューレのウォータンの告別や、パルシファルのラストシーン、トリスタン、マーラーの第３や第９、ボエームやトスカ、ディーリアスの儚い音楽の数々、・・・・、あげればキリがないくらいの音楽たちとともに過ごしました。
若くて、多感な日々ですが、歳を経てしまった今では、それらはノスタルジーにしか過ぎず、この場所に戻ってこれるのは年に数回のみ。
自ら選んだ道とはいえ、都会の現実の厳しい日々にさらされる毎日です。

多くの方々にも共感いただける現実ではないでしょうか。

身をおいた境遇から脱することは易くありませんが、音楽はかつての自分に近付けてくれる、なんら変わらない存在なのです。

そう思うと、音楽を聴かないという自分は想像もできないし、音楽の数々のその存在に感謝したくなるんです。

今夜は、そんなノスタルジーかきたてる、そしてあの夕焼けが、だんだん藍色の空に染まって、やがてこの西の空に金星が輝き、暗い空にまたたいてゆくのを眺めて聴いた、シェーンベルクの「浄夜」を。




　　　シェーンベルク　　「清められた夜」

　　　　　ダニエル・バレンボイム指揮　イギリス室内管弦楽団

　　　　　　　　　　　　　　　　　　　（１９６７．６＠アビーロード・スタジオ、ロンドン）

後期ロマン派、濃厚な情念あふれるスウィートかつ、どこか苦みも聴いたサウンド。

全編がそんな感じの「浄夜」。

１８９９年の作曲、シェーンベルク２５歳の若き日の作品。

わかりますよ、２５歳。

だれしもあった（ある）、２０代の燃え盛るような思い。

それは人生に対してであったり、仕事に対してであったり、そして恋愛に対して！

そして、年々、そんな思いはいずれも遠くになりゆき、すべてが客観的になったり・・・・。

ドイツ世紀末の詩人、リヒャルト・デーメルの詩「女と世界」のなかの同名の詩に触発されて書かれた弦楽六重奏曲が原曲で、シェーンベルク自身による弦楽合奏版の編曲の方が演奏機会が多いですね。

いまは「浄夜」という呼び名の方が一般的になったけど、わたしには、いまだにかつて呼び親しんだ「清められた夜」というタイトルが相応しく思える。

どこか古風な感じと、「静」とひた隠しにした思いと、陰なる行為の果て・・・・

　　男と女が寒々とした林の中を歩んでいる。
　　月がその歩みにつきそい、二人を見下ろしている。
　　月は高い樫の木の梢のうえにかかっている・・・・・

原詩ですが、その彼女は、違う男の子どもをはらんでいる。
告白する女。
男はすべてを受け入れ、静かにふたり、月の光のなか歩んでゆく・・・・。

すべては月の光で清められるのでありました、なーんて。うまくいくかね？

今夜は、わたくしにとって懐かしく、カラヤンとともに、忘れ得ぬ、バレンボイムの２５歳。
そう、シェーンベルクがこの曲を書いた同じ歳での録音で。

ほぼ、バレンボイムの指揮録音デビュー時の頃のものです。

ピアニストに限らず、器楽奏者が、オーケストラという大きな自分のキャンバスを得たときに、表現意欲過多となる傾向がある。
オイストラフ、ロストロポーヴィチ、アシュケナージ、エッシェンバッハなどに思い当たること。
でも、バレンボイムは、どこか違う。
そんな様相もあるけれど、最初からピアニストと別の顔として、指揮者の並々ならぬ手腕と、生まれながらの指揮者的な不敵な要素も持ち合わせていた。
イギリス室内管を指揮してスタートしたキャリア当初から、堂々たる演奏と、濃厚な表現ぶりが際立っていたように思う。

カラヤンのような綺麗な濃密さとは違い、同じ濃厚さを持ちつつも、爽やかさも持ち合わせた青年が背伸びしたような味わいを持っている。
そんな感じが、「清められた夜」には妙に相応しい。

その後のバレンボイムの歩みは、みなさまご存知のとおり。
若いころの、大人びた演奏の方が好きだな。

このレコード、「ジークフリート牧歌」とヒンデミットがカップリング。
ワーグナーが実に素敵な演奏でした。

イベール 「寄港地」 バレンボイム指揮

芝浦の運河の一部。

この先は行き止まりで、右は大企業さまが入るシーバンス。
左手は、ヤナセの本社。

明治初頭、このあたりは風光明美な海岸で、日本初の行政の手続きを経た海水浴場なそうな。
まったくもって、オフィス街とマンション、首都高、湾岸道路がごちゃごちゃと混在する今からしたら、信じられないことにございます。

そんな観光地的な場所だった芝浦には、かつて江戸の昔より旅館や料理屋、置屋などの色街もあったわけで、その名残はいまでも残ってますよ。
前にも書きましたが、ちょっとしたお散歩エリアなので、これからもいろいろ散策したいと思います。



 イベール　　組曲「寄港地」

　　　　ダニエル・バレンボイム指揮　パリ管弦楽団

　　　　　　　　　　　　　　　　　　（１９７４　＠パリ）

若き日のバレンボイム。

オリジナルジャケットをネット上から拝借してます。

このジャケットでは発売されず、バレンボイムの横顔によるCBSソニーの日本盤でした。

「ダフニスとクロエ」「シャブリエのスペイン」「牧神の午後」「寄港地」といったフランスプログラムで、発売時、バレンボイム好きだったU先生も準推薦をいただいでました。

ほかの曲は再録してますが、イベールはバレンボイム唯一の録音ではないでしょうか。

ピアニストからスタートして、もともとフルトヴェングラーに私淑していたこともあり、さらにメータ、アバド、ズッカーマンなどとともに学びあった間柄で、指揮者志向は若い時からあったバレンボイム。

モーツァルトの弾き振りでイギリス室内管（ECO)を指揮し始め、同オケとの共演でレパートリーを広げていったが、フル・オーケストラを指揮し始めたごく初期に、日本にもECOとともにやってきて、同時にN響にも客演したのが、たしか１９７２年頃だったか・・・・。
力みかえり、ふんぞり返るような指揮ぶりでのチャイコフスキーの４番は、いまでもよく覚えてます。

そのバレンボイムが、シカゴの常連指揮者を努めつつ、ショルティの後任としてパリ管弦楽団の音楽監督になったのには当時、驚きで、CBSを皮切りに、EMI、DGと３つの楽団に、ピアニストの余芸だと思っていた駆け出し指揮者にとっての、驚きのレパートリーを次々に録音していったものです。

いまの超大家となった、髪の毛も退化したバレンボイムのことは、最近ではもうあまり聴かなくなってしまった（まして、スカラ座とは、なんてこった）。
わたしにとってのバレンボイムは、デビュー時からシカゴの初期まで。
あとは、ベルリンでの一連のワーグナーものだけ。

そんな古めかしい聴き手にとって、EMIとCBSはけしからんぐらいに難敵で、大量の廃盤攻勢。タワレコも、DGやPh、デッカのものばかり復刻してないで、あちらのお宝音源に手を付けて欲しいものだ。
ことにEMIは、まったくケシカラン。

それはともかく、イベールの「寄港地」。

こちらは、まさに地中海リゾート・ミュージック。

ジャック・イベール（１８９０～１９６２）は生粋のパリジャンで、当初は俳優志望でパリ音楽院に学んだが、中途から音楽へと転向し、そこから本格的な勉強を始めたという変わり種。というか、いかにもおフランスっぽい。

しかし、第１次大戦の勃発で、自身も陸軍士官として配属され、その時の地中海をめぐる戦旅などが、忘れがたい経験と思い出になって、帰国後、作曲家としてローマ大賞を得てのローマ留学時に、この組曲を作曲することとなった。

　１．ローマ～パレルモ

　２．チュニス～ネフタ

　３．バレンシア

３つの地中海を巡る街と風物を、港を巡るように（寄港地）して標題音楽にしたもの。



①ローマを出発して、シチリア島のパレルモへ。
ヴェルディが、「シチリアの晩鐘」の中で、「おおパレルモ！」とその街を賛美するアリアを挿入した。
眩しい陽光が、旅の始まりに相応しく、ローマの朝の旅立ちからすでにエキゾティックムードを先取りし、やがて音楽はシチリア舞曲であるタラントゥラも奏で、金管のリズミカルなサウンドが心地よい。
物憂い夜は更けて行きます。



②船は、イタリアのシチリアの対岸、北アフリカはチュニジアのチュニスに到着。
青い海、青い空は同じなれど、一挙にイスラムムードに包まれ、アラビア～ン。
打楽器とオーボエの悩ましいメロディに、けだるく濃厚なベリーダンスを感じるのはいけませんか？



そして旅は、上陸後内陸部を目指し、砂漠を抜ける。

そのあと、急にスペインの地へワープ。



③旅は、スペインへ渡り、ヴァレンシアへ。

一挙に能天気な明るさと、憂いを含んだスパニッシュムードに。

高鳴るカスタネットと高まりゆ各楽器が、いやがうえでもスペインの街のお祭りムードを盛り上げてゆく。

行ってみたいぞ、地中海の旅。

ギリシアがないのが玉にキズ。

ラヴェルの筆致に近い、巧みなオーケストレーション。

しかし、いまひとつラヴェルのような華と精緻さに欠けるところが、ラヴェルになりきれなかったところ。

そして、もし、これがレスピーギだったら・・・・・、あらぬ妄想は止めようもありません。

バレンボイム君・３０歳の髪の毛もじゃもじゃ時代の演奏は、早くも彼ならではの重心低め、重厚濃厚な解釈で、それをパリ管のなみいる名手たちがソロの場面で軽やかかつ味わい深く対応して、全体像を明るくしている感があります。

バレンボイムー＆パリ管の面白さは、こんなところにあって、複雑な化学作用を音楽に及ぼして、単なるおフランス臭だけの浅い音楽と違うものを作り上げていたように思います。
ほかのラヴェルやドビュッシーも面白いです。

※旅の画像は、ネット上から拝借しております。

ワーグナー 「さまよえるオランダ人」 バレンボイム指揮

横浜みなとみらい地区にある「帆船日本丸」。

１９３０年・昭和５年建造で、５０年以上現役だった帆船。



帆を張って風に乗って走る様子はさぞかし美しかったでしょうね。

高層ビルや観覧車とのコントラストもしっくりと溶け合ってます。



　　　ワーグナー　歌劇「さまよえるオランダ人」

　　　　　ゼンタ：ジェーン・イーグレン　　　オランダ人：ファルク・シュトルックマン
　　　　　エリック：ペーター・ザイフェルト　ダーラント：ローベルト・ホル
　　　　　マリー：フェリシティ・パーマー　　舵手：ロラント・ヴイラソン
　　

　　　　ダニエル・バレンボイム指揮　ベルリン国立歌劇場管弦楽団
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　 ベルリン国立歌劇場合唱団
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　（２００１．５　ベルリン）

生誕２００年のワーグナー。
まず第１回目の全曲サイクルは、初期３作（妖精、恋愛禁制、リエンツィ）を除く、主要７作を順に取り上げます。
初期作は、いずれも性格の異なる聴けばそれはまた面白い作品たちで、いずれもサヴァリッシュの音盤と「妖精」は舞台体験をそれぞれ記事にしてますので、ワーグナーの項目でご覧になってください。
ほかに有力な音源が少ないので、今年後半に手当てできれば、１０作品のサイクルをやりたいと思ってます。

このようにして、全部まるごと味わわなくてはいられないワーグナーの魅力。
ひとは魔力とも言うかもしれませんが、初のワーグナーのレコード、「ベームのリング」に接してから、そう今年でちょうど４０年ですから、わたしには慣れ親しんだお友達みたいな世界です。

指揮者でも、ワーグナーにどっぷりの人が何人もいます。
そのひとり、バレンボイム。
ピアニストとしてモーツァルトの弾き振りをしていたバレンボイムが、まさかこんなワーグナー指揮者になるなんて想像もできないことだった。
バレンボイムの初ワーグナーは、７１年頃のイギリス室内管との「ジークフリート牧歌」。
そのあとほぼ３０年で、初期作を除くすべての作品の全曲上演と録音をしてしまう。
日本でも、リング、ワルキューレ、パルシファル、トリスタンを上演・演奏してくれてる。
恐ろしいタフネスぶり。

ちなみに、ワーグナーを初期作を含む全作品をひとりの指揮者で聴けるのは、非正規も交えるとして、唯一サヴァリッシュのみ。
初期を除いては、ショルティ、カラヤン、バレンボイム、レヴァインでしょうか。
ヤノフスキが完成に近づいているのと、ティーレマンもいずれは。
あと自慢ですがね、自家製放送音源を含めて、シュタインも全作コンプリートしてますよ。

初期作品があるので、オランダ人は中期とも呼べる作品群とみてとれる。
それは、タンホイザー、ローエングリンとの３作で、ワーグナー自身も呼んだ「ロマンティックオペラ」という範疇で、神話や伝説に題材をもとめ、登場人物たちの個々の存在感も増して音楽の劇性もより強まっている。
なによりも、ライトモティーフの活用が堂にいってきているので、ドラマと音楽がより一体化してくる。
　オランダ人では、因習的な形式などから脱却はまだできておらず、構成的にも少し散漫な印象を与えますが、ワーグナー作品の中では一番短いし、幕間をとらず、３幕一挙に連続することで、緊張感を保持しつつ一気呵成のオペラに転じることとなりました。

海を呪ったがゆえに、幽霊船に乗り永遠に大海をさまよう運命を背負った暗い宿命のオランダ人。そのオランダ人に心から同情する不思議女性ゼンタ、最後は自身が海に身を投げることで、オランダ人の呪縛を解き、二人昇天する。

ここに描いたゼンタというひとりの女性の行いが、「自己犠牲による愛の救済」で、ワーグナーはこのテーマを自作「タンホイザー」から突き詰めていくことなるわけです。

というのは、１８４１年完成のこの「オランダ人」の初稿は、音楽のうえでの救済によるふたりの変容がなく、１８６０年に序曲の演奏用にその終結部を改編し、おのずとオペラの終結部も書き加えることになったから。
トリスタンのあとあたりの時期です。

序曲はほぼ１００％そのバージョンですが、オペラの方は、救済なしの初稿を取り上げる上演や録音も増えております。
私的には、慣れ親しんだ救済ありバージョンで、運命の二人が手を取り合って昇天してゆく場面はどうしても欲しいところです。

今回、発売以来久しぶりに聴いたバレンボイム盤は、しかし、救済エンディングなしのバージョン。
ローエングリンでも長めの初稿を採用していたので、この少しばかり原石のようなごつごつ感のある初稿による録音は、バレンボイムのこだわりとして、それが強い説得力でもって迫ってくる演奏となっている。
それにしても最初から最後まで、集中力が高く音はひとつひとつ迫真に満ちている。
分厚いオーケストラの充実ぶりも聴きもの。
かつてのスウィトナーの柔らかさと、ドイツのオケ特有の腰の座った響きがそれぞれに魅力的なのでした。

歌手は、ちょっと小粒に感じる。
イーグレンは声の威力は充分ながら、ちょっと大味。
シュトルックマンの少しクセのある声は、独特の雰囲気を醸し出していて、声量もたっぷりで聴きごたえありですが、わたしはかつてのＴ・ステュワートやアダム、ヴィナイ、クラス、ＦＤといった往年の歌手の方を懐かしく思い出してしまうのです。
ホルも、驚きのヴィラソンの舵手も、いいけれどどこか遠く感じます。
しかし、ザイフェルトは素晴らしい。つややかな声と透明感にあふれた現代的な歌唱です。

オランダ人というオペラは、暗めのバリトンと、キツめのドラマティックソプラノを要する実は難しい作品なのです。
オケばかりよくてもダメなのは、かつてのカラヤンとショルティが、それぞれのスーパーオケばかりが目立ってしまい、やたらとシンフォニックになってしまうということにもなりますから。

この作品のわたしのベストは、ベーム盤であります。

「さまよえるクラオタ人」の「さまよるオランダ人」の過去記事

「デ・ワールト指揮　二期会公演」

「バイロイト２００５年度」

「ショルティ指揮シカゴ交響楽団」

「新国立歌劇場２００７年公演」

「コンヴィチュニー指揮ベルリン国立歌劇場」

「ベーム指揮バイロイト音楽祭１９７１年」

「サヴァリッシュ指揮バイエルン国立歌劇場ＤＶＤ」

「ライナー指揮メトロポリタン」

「サヴァリッシュ指揮バイロイト１９６１」

「ヤノフスキ指揮ベルリン放送管」

「ティーレマン指揮バイロイト２０１２」

ドビュッシー 交響詩「海」 バレンボイム指揮

海に沈む夕日が、子供のときから大好き。

育った場所では、日の出は相模湾から、日の入りは海を隔てて、遠く箱根の山の方向。

どちらも海が、赤や朱色に染まりました。

そして、いま住む千葉の海では海を隔てて、都会の街の方向に太陽は沈んでゆくんです。

こちらは、千葉港から見た東京湾の夕暮れ。

スカイツリー見えます。

そして、ちょうどスカイツリーのあたりに沈んで行きました。

先週のことですから、もう位置はずれてるんでしょう。



東京都心とスカイツリー。



　　ドビュッシー　　　　交響詩「海」

    　　ダニエル・バレンボイム指揮　パリ管弦楽団

　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　（１９７８．１　パリ）

わたくしのフェイヴァリット曲のひとつ、「海」。
何種類持ってるか数えたことないけれど、どうしても、おフランスのオーケストラに惹かれちゃうのは、日本人ゆえか。
　いや、中国も韓国も、いまや欧州嗜好は強いから、アジアとしての憧れなのでしょうか。

中でも、パリ管は、そのお名前からして、フランス臭プンプンな香りがして、常に羨望の存在。
なにせ、オルケストル・ドゥ・パリなんだからさぁ。
　同じパリのフランス国立管は、オルケストル・ナシオナル・ドゥ・フロンセ。
ともに、鼻に抜けるように発音したりすると、いかにもおフランスざぁますわよ。
さぁ、みなさんご一緒に。

でも、そんな傍から見てる雰囲気とは裏腹に、これらふたつのオーケストラは、クリュイタンス、ミュンシュ、マルティノン亡きあと、指揮者は、非フランス系ばかりで、デュトワという例外があるものの、どうもドイツ色が強くて、外国系の指揮者に振られたフランスのオーケストラといったイメージから脱しきれない恨みがある。

しかし、いまのパーヴォ・ヤルヴィ（パリ）とダニエーレ・ガッティ（国立管）は、いままでと一味違いそう。
よりインターナショナルな彼らだし、どんな国の作曲家の作品を指揮しても、ぬかりなく鮮度高い表現をしてくれるし、曇りなく明快。
味わいや深みはまだまだですが、音楽を聴く喜びを与えてくれることでは近時、随一かも。

今日の、バレンボイムの演奏は、カラヤンやショルティの時代の延長上にある、少しばかり腰の重い克明なドビュッシー。
くっきりとした音楽づくりは、曖昧さを廃してユニークなドビュッシーだけれど、パリ管を聴くわたくしには、先の発音じゃないけれど、フゥー～ンというような色気ある音色も欲しいのですよ。
時に、テンポを落として、濃厚な味わいを聴かせたり、急にサラサラと流してみたりで、ある意味聴いていて、スリルを感じるドビュッシー。

　同時期に、バレンボイムは、パリ管とワーグナーやフランクを録音しているけれど、そちらの方にフランス臭を感じてしまうワタクシ。
でも、この時期のバレンボイムは、いまより好きだったな。
いまの大家然として落ち着いてしまった演奏よりは、イギリス室内管やシカゴ（DG時代）、ロンドンフィルとのもの、そしてパリ管とのもの、これらの方に、バレンボイムの重たいけれど、大変な集中力と粘りを感じさせ複雑な内面ものぞかせる彼の個性を感じます。

思えば、バレンボイムの音楽の特徴ってなんだろう？
ワーグナーのオペラでも、いろんな顔がありすぎなもんで。
どなたか教えてくだされ。



パリのオーケストラならオペラ座。あとトゥールーズやリール、リヨン、ナンシー、ロワーヌ、ボルドー、少しドイツっぽいけどストラスブールなどなど、そちらのお国ものを見つければ購入するようにしてました。
少し田舎くさくて、洗練されすぎてもいない方がいいんです。

神奈川フィルハーモニー５月定期演奏会 ＣＤコンサート①

連休に実家から横浜へ買い物と食事に。

アフターコンサートでご紹介いただいた横浜地麦酒の店へ。

そうしたら、応援メンバーの方、いらっしゃいましたよ。

家族を紹介して、いつもお世話になってます的なムードに。

音楽を通じ、神奈川フィルを通して輪が広がってます。


神奈川フィルハーモニー第２８１回定期演奏会

　　　リスト　交響詩「レ・プレリュード」

　　　　　　　 ピアノ協奏曲第１番

　　　　　　　　　Pf：後藤 正孝（2011 リスト・コンクール１位）

　　　 ワーグナー　「ニーベルングの指環」抜粋

　　　　　　　　　指揮：現田 茂夫

　　２０１２年５月２５日（金）　１９：００　みなとみらいホール



　
　　
ダイナミックでかつ夢みるようなリストのオーケストラ作品の中でもピカイチの名曲、交響詩「レ・プレリュード」。
交響詩なのに前奏曲とはいったい何故？
と、オジサンは少年時代に思いました。
でも、大人になって理解できたこと、有名なるラ・マルティーヌの詩による「人生は死への前奏曲」という思想に基づく人生観によるものと。
ふ～ん、そうなのかといまだに思う。
死ぬための人生なんて、どうかしてるぜ。

でも、そんなことは抜きにして、このカッチョいい音楽を、スーパーオーケストラで聴く快感は、それこそ人生のあるべき喜びなんだな、これが。
まだ少し青臭いバレンボイムの力こぶの入った指揮は、気合たっぷりで、シカゴの剛腕がそれをしっかり受け止めてマッチョな音楽となってます。
もちろん抒情的な場面との対比もばっちりですよ。



華やかでかつ幻想的なピアノ協奏曲第１番。
そのピアノ部分は、いかにもリストらしく技巧的でありつつ、思索的な雰囲気もばっちり。
４つの楽章はさながら交響詩にも似たり。
にぎにぎしい両端楽章もさることながら、２楽章のノクターンのような抒情的な調べと、フルートの調べが美しい。
そして３楽章はトライアングル協奏曲ですよ。
このあたりを注目して聴きたいです。

ソ連から冬眠から覚めた熊のように、彗星のように現れたラザール・ベルマンは、７０年代後半の超絶派のリスト弾きでありました。
ＤＧがすぐさま契約し、カラヤン、ジュリーニと共演、リスト作品もたくさん録音。
古風なロマンティストと思いきや、スタイリッシュな技巧派といったイメージのピアニストでした。
ジュリーニとウィーン響のかっちりと、でも歌心あふれるオーケストラと微妙にマッチしてます。
このレコードが出たのは大学時代。なんだかとっても懐かしい思いに浸れましたよ。



こんなん作っちゃいました。

カラヤンの「ニーベルングの指環」のジャケットを４つつなぎ合わせ。
ベームのリングのレコードが、わたしの初リングだけれど、同時にカラヤンも１年ごとに発売された４部作を、一挙にワンセットにして売り出された。
当時は、ショルテイ、カラヤン、ベーム、少し遅れてフルトヴェングラーしかリング全曲はなかったのでした。（あと実は、マイナーにスワロフスキーもあったり）

初めてリングを聴こうという方には、こちらのカラヤン盤はあまりお勧めしません。
ショルティか、いまならレヴァインあたりで入門いただき、その後に、ベームやカラヤン、ハイティンクをお聴きいただきたいところ。
　
　
でもいまや映像から入るのもありだから、その際には、具象的でト書きに忠実なレヴァインか、メッセージ性の強いバレンボイムとブーレーズというところでしょうか。

さて、カラヤン。
よく言われるように、歌手も意のままになるメンバーで、しかもリリックな声質をあつめ、緻密で室内楽的なリングを目指したカラヤン。
たしかに、ＣＤでヘッドホンなどを通して聴くと、まさにその通りで、耳にも優しく鮮やかな抒情サウンドが満載。
でもカラヤンとベルリンフィルの底力は、そこここに噴出しております。
鉄壁のアンサンブルに、腹を揺るがせる豊かな低音、嵩にかかったような鮮やかなブラスなどに、いまさらながら驚くこととなります。
最近、かつては一流とは思えないオーケストラやオペラオケでのリングも増えておりますが、やはりベルリンフィルはすごかった。



全４部作からの聴きどころを集めた１枚も出てます。
国内盤もあるはずですので、是非、ほかの演奏と聴き比べてみてください。

葬送行進曲は輝かしくも、神々しいまでの超絶品にございます。

みなとみらいホールに、この音楽がいかに響くか・・・、思っただけで、もうたまりません。

マーラー 交響曲「大地の歌」 バレンボイム指揮

千葉の某院にてみつけた枝垂桜。

１５日の日曜、まだ見ごろでございました。



桜の種類も数あれど、この桜ほど華やかで、少しばかり異国めいているものはありませぬ。

この桜の下に座して、世を憂いて、歌などを読みつつ、したかかに酔ってみたいものでございます。

　
　　人生がただ一場の夢ならば　

　　努力や苦労は私にとっていかばかりであろうや？

　　それゆえ私は酒を飲む　酔いつぶれて飲めなくなるまで

　　終日酒に溺れようぞ。



　　　マーラー　　交響曲「大地の歌」

　　　　　　　　Ｔ：ジークフリート・イェルザレム

　　　　　　　Ｍｓ：ワルトラウト・マイアー

　　　　ダニエル・バレンボイム指揮　シカゴ交響楽団
　　　　　　　　　　　　　　　　　（１９９０　＠シカゴ）

毎年、１作ずつ完成させていったマーラーの交響曲、荘大無比の８番のあとは、歌曲シンフォニーとしての「大地の歌」。

８番（１９０７年）、大地の歌（１９０８年）、９番（１９０９年）、１０番（１９１０～）。

「大地の歌」が番号を持っていないことは、有名すぎる話でありますが、８番で輝かしい聖なる勝利を描いたマーラーは、一転、「大地の歌」「第９」「第１０」で、厭世感と彼岸に満ちた透徹の世界に足を踏み入れた。

ほぼ完成していた８番と同時に、娘マリアが亡くなり、ウィーンとも決裂・渡米。
自身も心臓病の兆候があることがわかり、まったくいいことなかったマーラーが知り合ったのは、唐詩の独語版を編んだベートゲの「中国の笛」。

マーラーの死を背負った厭世的なイメージは、晩年となってしまった「大地の歌」以降の作品ゆえに強いものだが、こうして連続聴きしてみて、ほぼ年１作書かれるマーラーの交響曲の変遷の中に捉えると、大地以降が、決して「死」に彩られた作品じゃないと思えるよになる。

その詩の内容から、思いきってこの曲のモットーを抜き出すならば、「青春」「若さ」「春」「酒」「回顧」「別れ」。
でもその別れは決して悲しくはない。
明日もまたある別れと捉えたい。

素材の唐詩は、独語訳によって漢字の持つ「言外の意」みたいなものがそぎ落とされてしまった感はあるが、描写的であり、その情景が容易に脳裏に浮かんでくるものである。

この６つの歌曲の集まりを交響曲と呼んでいいか、いまだにわからないが、詩や音楽の相互の関係から、交響曲としての姿を類推することもありのようだ。
わたしは、あまりそんなことは考えずに、テノールとメゾが交互に歌うそれぞれを、素晴らしいオーケストラとともに味わうのみとしたい。
８番で最高潮に達したマーラーの作曲技法は、大地の歌と次の第９でもって、さらに精密に、そして耽美的・表現主義的に色合いが濃くなり、次なるシェーンベルクやウェーベルンの姿さえちらつくようだ。

それにしても、「告別」という音楽には、言葉がありません。

いつの季節に聴いても、暮れゆく山影と、昇る煙に、真っすぐに山間に延びる道。
そこをゆく一人の男の後ろ姿を見る思いがする。
それはときに、自分だったりするのだから、ここにはやはり希望ある明日があることが相応しいと思いたい。

バレンボイムとマーラーというのは、どうもしっくりこない感があるが、この「大地の歌｣はなかなかのものです。
すこしばかりあっけらかんとしていたり、味付けが濃すぎる感もありながら、要所要所でうなり声も聴こえるほどの音楽への没頭ぶりを見せていて、並々ならぬ雰囲気を感じさせてくれます。
ことに、「告別」は深いです。
オケがマーラーを持ってるシカゴであることが成功の一因でもありましょうや。

トリスタンとイゾルデ、ないしは、ジークムントとジークリンデのようなコンビが歌う「大地の歌」。
イエルザレムは少し青臭く、オペラに傾きがちなれど、マイアー様は実に素晴らしく、そしてほのかな色香がたまらなく美しい声なのだ。
「告別」では、バレンボイムの指揮と相まって、まるで「愛の死」みたいな甘味かつ抒情的な「永遠」ぶりなのである。
Ewig・・・が沁みます。

　愛する大地にふたたび春がくれなば、

　いたるところ花は咲き、緑はふたたび栄えるであろう。

　いたるところ永遠に、遠きはてまで輝くであろう、永遠に・・・・・・




マーラー　「大地の歌」過去記事

　「ショルティ＆シカゴ交響楽団」

　「バーンスタイン＆イスラエルフィル」

　
  「ワルター＆ウィーンフィル」

　「シノーポリ＆ドレスデン・シュターツカペレ」

　「アバド＆ベルリンフィル」


神奈川フィルハーモニー　定期演奏会

　
　　マーラー　交響曲第１０番～アダージョ

　　　　　　　　交響曲「大地の歌」

　　Ｔ：佐野成宏　　　Ｍｓ：竹本節子

　　　金　聖響　指揮　神奈川フィルハーモニー管弦楽団

２０１２年４月２０日（金）　１９：００　みなとみらいホール

どうぞ、お聴きのがしありませんように
　
　

ボロディン 「ダッタン人の踊り」 バレンボイム指揮

都内の銀杏もすっかり色付き、黄色い枯葉となって路上を舞っております。

そして風が冷たい。

夜も、こんな風に、街灯のオレンジ色に映えて美しいのでした。

震災後は、節電で街灯は真っ暗だったことを考えると、この灯りはとってもありがたく、あったかい。

懐は師走を迎えて寒風が吹き荒れているけれども、飲んで帰宅中に立ちどまって上を見上げると、こんな風にきれいな葉が散るのを待っているのでありました。

飲むといえば、今時は、電車も遅い時間になると、酔っ払いが一杯のへろへろ電車。

今日は、客先と埼玉方面で忘年会をして、ゆったり座っての帰りの電車。
ガラガラだったので、一番はじっこに座ってました。
次の駅で乗ってくる方々が、空いてるのに、わたしの周りに来てわざわざ座る。
さらに次の駅でもそう。
おやぁ～？っと思って、空いてる方を見てみれば、ありましたよ。あれが。
「ゲ○」が。
駅が進むにつれ、空いてる車輛なものだから、その最寄りの「○ろ」がある入口に向かって人が、空いてる空いてる、なんていいながら集中しちゃう。
ところがですよ、そこにあるんですよ、「ゲ○」ちゃんが。
文字通り、「げげっーーっ」ってみなさん言ってましたね。
「降りてからしろよ」とか、「きゃっーーっ」とかいう声が聞こえますよ。
あれって、電車が動くたびに、流れるんですよね。
その範囲が広がって、１輌の半分は汚染されてしまいましたよ。
うへっ・・・
すいません、こんな話題を書きまして。

「飲んだら○くな、吐○なら飲むな」　もったいないじゃないか！

でもですよ、わたしも、酒の失敗は、これまでの人生限りなくやってきましたね。
ときおりこちらに書いてますが、書き足りないんです。

そうそう、混んでるのに、がら空きの電車の話をもうひとつ。
勢い込んで、「おっ、空いてる」とばかしに乗って座った山手線。
ん？　ん？　ちょっと○さいぞ。
と、近くに横たわるオジサンひとり。
さながら浅○彰晃のような方。
これには耐えられません。ともかく臭さ○。
すぐさま、隣の車両に移動し、そこから次の駅からの乗車客を見物。
１輌すべてがやられちまいました。
わたしは田町から乗って新宿まで。そのオジサンもずっと同じ。
ついに新宿で、駅員が乗り込み、引っ張られて降ろされてました・・・・。

つい先日も、朝から、それ系の香りがちょっとするお二人が乗ってきましたが、私は耳を澄まして会話を聴いてました。
「並んでるの寒いわ」「今日はカレーだったなぁ」「切符１９０円２枚で、３８０円の収入になったよ」「次は○○だから、そこでありつければいいんだけどなぁ」・・・・・。
よく聞こえなかったけれど、彼らにもどこかに家族がいるみたいで、わたしは思わず目をつぶってしまいましたよ。

世の中って、どうしてこんなに厳しいんでしょうね。
駅や電車ってのは、誰もが毎日利用するところなので、こんな人生の縮図みたいな光景があるんです。



いつになく、書いてて方向性がしょんぼりしてしまいました。

そこで今宵は、バリッと、シカゴ交響楽団の名人芸でもって、暗雲を吹き飛ばしましょう。

わたしの、大好きなLPがこれ。

７０年代後半、ダニエル・バレンボイムは、DGに、パリ管ばかりでなく、シカゴ響とブルックナーやシューマンの本格録音以外に、オーケストラ名曲を何枚か録音した。

そのなかのひとつが、ロシア音楽。
「ロシアの謝肉祭」「はげ山の一夜」「ダッタン人の踊り」「スペイン奇想曲」の４つ。
（私が今聴けるCD化されたものは、スペインが残念なことに入ってない。）

１９７７年、シカゴ・オーケストラホールでの、少し乾いたけれどもリアルで芯のある強力な録音は、わたしの貧弱装置がワンランク、グレートアップしたみたいに、よく鳴りまくったものだ。
ともかく、なにも考えることなく、痛快・爽快・ドンピシャリのバリッとしたオーケストラ演奏。
むちゃくちゃうまいし、繊細だし、コマコマしてなくて豪放。
この頃の、バレンボイムとシカゴの方が、後の音楽監督時代のものより、ずっとずっと素晴らしいと思う。
同時期に、ショルティとしっかり蜜月で、アバドとジュリーニがいた豪華なシカゴだからゆえか！

気分がふさいだ時に、これらを大音量で聴きたい。

ボロディンの歌劇「イーゴリ公」からの「ダッタン人の踊り」は、合唱入りじゃないところが残念だけれども、完全にオーケストラピースとしての、濃厚なムードと大迫力に痺れます。
全曲は、ハイティンクのコヴェントガーデンの映像を観たことがあるけれど、かなり忍耐力を要するものでした。
むにゃむにゃ歌う呪文のようなロシア語が特につらい。

以上。

ワーグナー 「ラインの黄金」 バレンボイム指揮

六本木ヒルズの中庭。

こういう色の丸い物、ことにそこに水なんかがあったら、すぐに「リング」を思い出しちゃう。

え？　リング？
「ニーベルングの指環」ですよ、ワーグナーの。

水、火、森、黄金、何でもワーグナーに結びついちゃう私ですな。

ワーグナー・シリーズもいよいよ、４部作「ニーベルングの指環」を聴くこととなった。
壮大な物語は、覚えてしまえばなんのことはなく、くどいくらいに、おさらいをしたり、昔を思い出したりと、ライトモティーフの実験台みたいになっている場面もあるが、延べ１５時間に及ぶ台本と音楽を書いたワーグナーの、その弛緩のない仕事ぶりには、まったく驚きだ。

ジークフリートの死から物語を起こし、それじゃわかりにくいということで、ジークフリートの青年になるまでを描き、さらにその父母、神様たち、ラインの伝説などにまで話が遡って、逆算しながら台本を書きあげていった。
そもそも、「さまよえるオランダ人」を書いたとき調べた北欧神話、「タンホイザー」にまつわるドイツ＝ゲルマンの物語などに大いに触発されていて、「ローエングリン」を作曲する前後には、「ニーベルングの指環」の台本は完成していた。
台本執筆は１８４８年頃から１８５２年。
音楽の方は、「ラインの黄金」から順に作曲され、「神々の黄昏」が終わったのが、１８７４年ということで、台本を起こしはじめてから実に２６年の延大なる大作業であったのだ。
この間に、「トリスタン」と「マイスタージンガー」という相異なる２つの楽劇も書いているのだからまた凄いのであります。

１８４８年完成の「ローエングリン」から、１８５４年の「ラインの黄金」への劇面・音楽面の飛躍は実に大きい。
楽劇形式の萌芽はローエングリンにも明らかだったが、ではドラマと音楽がより対等になり、全１幕で明確な「場」の区切りもなくなり、２時間２０分の全曲は休みなく大きな流れの中に括られていて緊張がずっと張り詰めて、いやがうえにも音楽とドラマに集中せざるを得ないようになっている。
好きな人には、たまらない１４０分間だが、そうでない人には耐えきれない１４０分でもあります。
私は当然、前者でして、冒頭の変ホ長調の原初の和音が鳴り始めたらもう全曲を聴かなくてはすまなくなってしまう。
ラインゴールドを聴いたら、ワルキューレ、ジークフリートと４部作聴き。これをこれまで何度繰り返して過ごしてきたことだろう。

リングは、映像でなくＣＤでまいります。
しかし、リングの全曲映像は
いったいいくつあるのだろう？
最初はブーレーズ＆シェロー、そしてサヴァリッシュ＆レーンホフだけだったのが、いまかぞえたら全部で９種類。まだまだ出てくる見込みだ！
ＣＤなんて足の指を使っても数えきれない！
バイロイトの専売特許だったのは、今は昔。
世界中いたるところでリング、リング。
中国やタイでも上演されてしまう世の中となったのだ。
墓の中のワーグナーもにんまりしているだろうなぁ。自分の超大作が、世界の共感を得て文字通り、音楽で世界制覇してしまったのだもの。

告白すると、ワタクシ、リングのＤＶＤを持ってません。放送映像のビデオで、ブーレーズ、サヴァリッシュ、レヴァイン、バレンボイムを持つのみで、いまや画質も音質も堪えられないものになってしまった。
ゆえに、これまで取り上げていない指揮者のリングをバラバラに組み合わせて聴いてみる次第にございます。
　しかし、悩みましたなぁ。どの演奏を割り振るかで。
「ラインの黄金」は、当初レヴァイン盤を聴き始めたが、久しぶりに聴くレヴァインのワーグナー、正直、波長が合わなかった。音色が明るすぎるし、映画音楽のような味付けで、あの具象的なシェンクの演出の音版みたいに感じたし、イエルサレムのローゲも何だか妙に立派すぎて、狡猾さがないんだな。
同じヘルデンでもヴィントガッセンは、とぼけた雰囲気が漂っていて憎めないローゲになっていたのに。
　とかなんとかで、レヴァインはフライアが連れ去られるところまででお終い。

で、ローゲに人を得たバレンボイム盤を取り出した次第。

　ウォータン：ジョン・トムリンソン　　　ドンナー：ボド・ブリングマン
　フロー：クルト・シュライプマイヤー　ローゲ：グラハム・クラーク
　フリッカ：リンダ・フィニー　　　　　　 フライア：エヴァ・ヨハンソン
　エルダ：ビルギッタ・スヴェンデン　 アルベリヒ：ギュンター・フォン・カンネン
　ミーメ：ヘルムート・パンプフ　　　　 ファゾルト：マティアス・ヘレ
　ファフナー：フィリップ・カン　　　　　 ウォークリンデ：ヒルデ・リープラント
　ウェルグンデ：アネッテ・キュッテンバウム フロースヒルデ：ジェーン・ターナー

　　　　ダニエル・バレンボイム指揮　バイロイト祝祭管弦楽団
　　　　演出：ハリー・クプファー
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　(1991.6 @ﾊﾞｲﾛｲﾄ)

クプファー演出のリングは、８８年から９２年までの５年間上演され、その時の不動のメンバーは、強固なもので、演出の優秀さもあって、録音と録画がなされるべくして行われた。
音楽祭の前に祝祭劇場で観客なしで行われたライブ感あふれる演奏は、映像のものと一緒だから、バタバタドシドシといろんな音が派手に入っている。
クプファーの社会性に満ちたメッセージ性の強い演出は、Ｐ・ホールで弛緩してしまったシェロー以降のメッセージ・リング・コンセプトを強く打ち出すもので、このあとのキルヒナー、フリム、ドロストと続くなかでも、一番優れた演出とも言われる。
５年で交代のなるパターンのリング。映像で全部見てみたいものであります。

そして、当初はただ振ってるだけ的なバレンボイムだったが、年とともにリングをすっかり手のうちに収め、この年と翌年は大変充実していた。
ただ、こうして音だけ聴いてると、音に気が入ってる部分とそうでなく鳴ってるだけの部分の格差が多少あるように感じる。これが視覚を伴うと異なるのであろう。
冒頭の和音から、最後の入場の場面まで、やはり耳に馴染んだバイロイトの劇場の響きは心地よい。マンハッタンの摩天楼のもとでのゴージャスな響きと多違いなのである。

歌手は、そうＧ・クラークの小憎らしいまでに軽めのローゲが楽しい。
ジークフリートでは、ミーメに変わるところなんかも、先輩格のツェドニクとおんなじ。
強い男とずるい男が同居したトムリンソンのウォータンも久しぶりに聴いて懐かしさをもった。この人、存在感バッチリだから舞台で観たときも声もデカイしすごかった。

「ラインの黄金」は物語の始まりだけど、ここだけでもう出てこない人たちも何人もいる。

ローゲ：歌わないけど、ワルキューレとジークフリートでは炎になってるし、神々の黄昏ではウォータンの槍をかじっちゃってる。の主役ともいえる狂言回し。
最近の演出では、歌わないのに登場させたりして重要人物化している。

ドンナーとフロー：ちょっとしか歌わない神様たち。黄昏では、ギービヒ家の人たちに祭られていたりする。フローは、テノール歌手の登竜門で、Ｒ・コロもここからスタート。

フライア：女性（美・若さ）の代名詞。ジークフリートが、女性を思うときフライアの主題が鳴る。ウォーナー演出では、ファゾルトと怪しい仲を醸し出していた。

ファゾルト：フライアに恋して、弟に殴り殺されてしまう可哀そうな純情兄巨人。

常連さんたちは、では・・・・。

ウォータン：新居が完成したが、そろそろ浮気の虫が騒ぎだした。男は、家をもつと、そうしたもの。

フリッカ：まだ強い夫を信頼している。このあとだんだんたくましくなるのは、世の中の常。

エルダ：得体のしれないヒト。神さまなのに、単独生活をしている。
のあと、母となる。ワルキューレにノルンたち、子沢山。

アルベリヒ：すけべオヤジから、悪の道へ踏み出し、実業家的な側面も見せつつ野望を実現に向け邁進するが、ちょっとおっちょこちょい。カエルに変身しなければ彼の人生は勝ちだったか？

ミーメ：兄弟喧嘩はしょっちゅう。兄の後釜を狙う狡猾な弟。ハーゲンはミーメの子の新説あり？？

ファフナー：黄金を身代金にするなど、頭のよさそうな行動をする。しかし、兄を殺してからは、ただ凡庸に食って眠るだけの恐竜生活にふけってしまう怠け者だった。

ラインの乙女たち：いたずら好きのライン川の妖精。日本なら河童だけど、こんなんなら会ってみたいぞ。

クプファー＆バレンボイムのリングＤＶＤが激安になったので、注文したら来年の２月まで入荷待ち。
きれいな映像で楽しんだら、また記事にします。
それはまた来年のはなし。

さて、「ワルキューレ」は、誰で行きますか。


「ラインの黄金」過去記事

「カラヤン＆ベルリンフィルの」
「ブーレーズ＆バイロイトの」
「ドホナーニ＆クリーヴランドの」
「新国立劇場　ウォーナー　トーキョーリング」

「ベームのリング」
「朝比奈隆のリング」