交響曲第１番「HIROSHIMA」 大友直人指揮 東京交響楽団 特別演奏会

８月１８日の、ミューザ川崎の夕暮れ。

この日、わたくしは、白昼に、某交響曲を、こちらのホールで聴きました。

ただでさえ暑い毎日、巨大な音楽を聴いて、胸が高鳴り、火照った体を持て余して、お盆明け、日曜日の川崎の街で、冷たいビールを飲んでクール・ダウン。

再び、ミューザとラゾーナに舞い戻って、このような美しい夕空に巡りあいました。

今年、３回目のライブ演奏体験。

すぐさまに、チケットを入手したこともあって、佐村河内ご夫妻のほど近くの席。

すなわち、お近くでまみえるのも、これで３度目。

そうしたエポック的なことを差し引いても、自分とこの曲との関係が明らかに変化していっているのが、この猛暑の夏に確認ができた。

いままでで、一番、涙を流さなかった。

でも、静かな感動がふつふつと、心の中に芽生え、これまでの長いクラシック音楽受容の数々の体験と、そのあり方がともになりつつあることを確認できた。



　
　　　　「弦楽のためのレクイエム・ヒロシマ」～世界初演

　　　　交響曲第１番「HIROSHIMA」

　　　　　　　大友 直人　指揮　東京交響楽団

　　　　　　　　　　　（２０１３年８月１８日　＠ミューザ川崎シンフォニーホール）

弦楽オーケストラによって演奏された初演曲「弦楽のためのレクイエム・ヒロシマ」あ、そのタイトルが、いかにも武満作品を思わせるのでありますが、佐村河内作品は、それとは似ても似つかぬもの。
当初は「４声ポリフォニー合唱曲≪レクイエム・ヒロシマ≫弦楽合奏版」としてタイトルされておりましたが、初演にあたって、標題のものにかえられました。
この音楽の持つ清廉さと、高貴なまでの哀しさ。でも、その哀しさは、決して暗いものではなく、優しい哀歌のように聴かれるのでした。
バーバーの曲のような哀しみの美しさを感じさせましたが、より追悼感あふれる、直截な表現と優しさは、佐村河内音楽ならではと思いました。
約１０分の短編。

休憩後は、長大な交響曲。

心して挑み、そしてその思いは１００％かなえられました。

震災後、この曲と巡りあい、２年と５ヶ月。
あれ以降、大きく変わってしまった日本社会。
そして、それは、自分にもやってきました。
まったくの不堪な日々が、その前にも増してやってきました。

そんな毎日に、渇を与えてくれ、励まし、後押しし、活路を開かんとする力を与えてくれていたのが、この音楽なのです。

寒かった２月の東京全曲初演、暑い横浜の先月の神奈川フィルの演奏、そして残暑の今日、ジャンヌ・ダルクとも呼ぶべき大友さんの指揮。
ともに、これまで以上に心震わせる演奏でもって、明日への希望を開陳してくれるようでした。
繰り返し聴き続けて、すっかり、自分と血肉化してしまったこの「交響曲」。
長大な３つの楽章の隅々まで耳で覚えてしまったので、ライブで聴く楽しみとして、ここはヴィオラ、次は第２ヴァイオリン、そしてチェロ、バスクラ、ホルン・・・・・、次々と音の橋渡しを、ヴィジュアルで確認できる。
そんななかでも、本日、近くだったので、もっとも気になったのが、ハープ。
ハープという楽器から、清らかさと、終末観を、見事に引き出したスコアだと思います。
全曲にわたって、ハープは大活躍します。

このように、スコアがなくとも、オーケストラ全体を俯瞰しつつ、味わう佐村河内音楽は、耳にも素晴らしく刺激的で感動的・開放的でありますが、オーケストラがこうして万遍なく各パートの持ち分を発揮して、それぞれが見通しよく、すべてがよく耳に届くことも驚くべきこと。
こうして、ライブで聴くと、あきれ返るくらいにそれがよくわかる。
そして、帰宅後、ＣＤで再確認すると、演奏会のリアル感そのままが、スピーカーやヘッドホンを通じて味わえる稀有の経験の追体験となります。

すべての場面に、大友＆東響が、これまでこの曲を慈しんできた片鱗をうかがうことができる。
３楽章の、２度にわたるカタストロフの凄まじさは、最初は余裕を満ちながらも、本当の悲劇の力を見せつけてくれ、２度目の最終段階では、さらにまだあったフォルテッシモの高みを表出し、あのお約束の安らぎの旋律を導きだしました。
こうなるのがわかっていたので、涙はお預け。
　しかし、東響の弦楽メンバーズと、大友さんの心のこもった指揮を見て、聴いていたら、もういけない。
涙の結界は破れ、頬には塩分を含んだ液体がひとしずく。

３楽章の、誰しもを興奮のはざまに導きだす場面以降は、この曲のひとつの鉄板の場面ですが、大友＆東響の演奏は、そこはひとつの最終クライマックスとして、手慣れた表現として流しつつ、１楽章と２楽章のシリアスで、繰り返し訪れる絶望的な音楽を、最終章へのひとつの導きとして表現していたように思いました。

宿命的ともいえる怖れと不安が交錯する第１楽章。
音の彫りがとても深く、消え入るピアニシモと壮絶なフォルテとの対比が完璧で、オーケストラの技能も、耳に馴染んだＣＤ以上の充実ぶりに感じる。
消え入る、この楽章と次の２楽章の終結部の研ぎ澄まされた感覚には、息を飲むこともはばかれるくらいの完璧さ。
わたしがいつも思う、ワーグナーの「パルシファル」のような、救われぬ苦しみや、自己批判の求道ぶりを２楽章にあらためて強く感じる痛みさえ思う演奏。
無常感に満ち溢れたトロンボーンに始まるコラール。
この場面の美しさと内面的な表現も素晴らしいものがあります。
東響のホルンセクションの神々しいまでの素晴らしさにも驚き。
しかし、打楽器は神奈川フィルの方が上か。（あの客演ティンパニは凄まじかった）
そして、３楽章は、その後半、先に述べたとおり、奏者ひとりひとりが、音楽を感じつつ、そして大友さんの導きによって聴衆とともに感動の大きな渦を引き起こしながら、ホールを光の波で埋め尽くしてしまった。

喝采の声と拍手に応えて、佐村河内さんも、登壇し、ホールを埋め尽くした聴衆ひとりひとりに、オーケストラの団員のみなさんに、感謝を捧げていらっしゃいました。
スタンディングして拍手していたわたくしも、つられてお辞儀してしまいました。

この大曲のすみずみまでを把握し、一音一音を自分のものにすることは、相当に難しいことですが、ＣＤではなく、こうしてホールという共通空間で、多くの方々と共通体験を重ねることによって、自分の中でこの曲を冷静に受け止め、そして聴くことができるようになってきました。
暗から明、苦難から解放へ、希望の曲として捉えることも充分にありなのですが、そうした効能を持つ音楽、HIROSHIMAの名を冠した標題的な音楽、それぞれでもあり、いまはまた純粋な音楽、いや、いまの世に生まれた純粋交響曲として聴くことができている。
それは、もしかしたら交響曲というしっかりした枠組みは持ちつつも、まるでワーグナーの楽劇のような、ひとつの世界観を保持した音楽作品なのではないかと思っています。

今年生誕２００年のワーグナー。
そのワーグナーとの付き合いも、もう４０年近く。
今年は、ネットの恩恵もあって、「ニーベルングの指環」（リング）を、もう３回も通しで聴いてしまった。
そんな耳と頭で、この交響曲を聴くと、ここには、リングのような思想や哲学を感じてしまうこともあります。
「リング」には、ワーグナーが３０年近くもかけて熟成させた叙事詩的な壮大な物語と思想がある。
「人間が愚かにも自然から奪った世界が手に入る黄金、その争奪戦のあげく、すべては消失し、最後にはその黄金ももとあったところに戻り、世界は平和を取り戻す」
そんなリングの物語は、人が常に陥る業と、そして諦めによる美化と終末感とに集約されます。

この交響曲にも、そのような人間の咎と救済があるように感じます。
そして、わたくしの場合、ある演出によって大いに影響を受けているのですが、救済＝終末のあとには、再びまた始まりがあるということ。
「終わりの始まり」。
救いがもたらされ、終了した瞬間に、また次の、場合によっては形を変えてまた同じことが繰り返し始まる。
そんな思いを、この交響曲の暗澹とした始まりと、輝かしい終結部とに感じるのです。
ワーグナーの無限旋律のように、ここには、成長し派生してゆくかのような音楽が、しかも緻密に考えられたうえで成り立っています。

このような思い、希望を捉えて聴かれる方には、お怒りも感じられるでしょうか。
でも、この音楽には、わたしたちへの警鐘もあるということを常に感じていたいです。

汲めども尽きない交響曲の魅力。

素晴らしい演奏会でした。

※本記事は、執筆当時のままにつき、事実と異なる内容が多く含まれております。